U R A GHOST V02!

Oren Ambarchi-Audience Of One

2012-02-01T23:47:00.000+08:00

En lo personal este es uno de los discos más esperados del año y es que ver a Oren Ambarchi desde sus inicios como baterista de un grupo de free jazz, en su patria por adopción, Australia (dónde alguna vez participó en alguna producción musical con el Australiano-ahora-islandés-por–adopción-Ben Frost), hasta su llegada al mundo de la música electrónica, su condición de colaborador “supremo” con gente como los Sunn O))), Keiji Haino y Jim O Rouke, o hasta su estatus de héroe local para gente como Lou Reed, quien lo descubrió y quedó fascinado con su música y lo llevó de gira junto al Metal Machine Trio recientemente.

La carrera de Ambarchi pareciera tomar un sin fin de giros inesperados, con colaboraciones y turnos tomados entre la guitarra, la laptop y la batería, Ambarchi se ha vuelto uno de esos guitarristas “de la nueva era” como lo han sido Fennesz, Peter Rehberg, Kevin Drumm (el guitarrista con apellido de baterista) o el ya mencionado Frost, que buscan nuevos contextos para la guitarra, que no se conforman con los límites que les dicta el instrumento, sino que lo ven como un objeto de fascinación a ser destrozado y reconstituido, como solía hacer el buen Keith Rowe.

Ahora Ambarchi nos trae Audience Of One, nuevo parte aguas en su carrera, en dónde Ambarchi, dando un giro radical, dejando a un lado su música solista, para integrar nuevos elementos a la mezcla, algo no tan ajeno, si tomamos en cuenta la afinidad de Amabrchi por las colaboraciones, pero esta vez, estas se manifiestan directamente en un disco suyo, como en Salt, que abre el disco y que nos trae la sublime y espectral voz de Paul Duncan, del grupo Warm Ghost, para brindarle una curiosa calidad e intimismo a la música de Amabrchi, la colaboración de Duncan es bienvenida, ya que enriquece el sonido y se compenetra de manera sobresaliente con los tonos ultra bajos y procesados de la guitarra de Ambarchi, si bien, esto se aleja kilométricamente de los frecuencias oscuras de los Sunn O))) no resulta un cambio tan radical de los discos de Ambarchi, que en realidad nos tiene acostumbrados a todo tipo de sonidos experimentales.

Pero agárrense a su asiento, porque en Knots, realmente Ambarchi tomará por sorpresa a más de uno, iniciando la pieza con unas percusiones híper activas, tonos bajos que comienzan a arroparlas, los clásicos estallidos de ultra bajas frecuencias de Amabrchi, la incursión de poderosos drones, que hacen su arribo tímidamente, y después violentas manifestaciones de distorsión, en una poderosa combinación, rara, muy rara vez vista en un disco de Ambarchi, resultado muy probablemente de esas incursiones con poderosos titanes sónicos como Haino o Jim O Rourke, para cerrar con un poderoso clímax en plan de noise freak out.

Ambarchi pareciera retomar un poco la cordura y en Passage cambiar la mira y apuntar hacia una belleza más minimalista, la guitarra da paso a tímidas incursiones de piano y órgano y botellas de cristal usadas como percusiones, y la voz, la increíble voz de Jessika Kenney, quien se ha vuelto una constante en los discos del grupo de músicos que gravitan alrededor de los Sunn O))) como el ya mencionado en otro post, Eyvind Kang.

En Audience Of One Ambarchi busca la trascendencia, el paso firme de guitarrista colaborador a orquestador y compositor moderno, muy al estilo del ya mencionado Ben Frost, Ambarchi muestra una nueva gama de tonalidades, de elementos inesperados que muestran un enorme crecimiento y unas ganas de abarcar nuevos territorios, una poderosa y bien pensada ambición musical, uno de los discos más esperados, desde que descubrí la música de Ambarchi, desarrolle una gran afinidad y un gusto por esos tonos ultra bajos que suele recrear en sus discos y acomodar en densas capas de sonido, ahora, Ambarchi nos sorprende con un disco “completo”, que muestra nuevas habilidades y una nueva visión, que en lo personal encuentro fascinante, por si esto fuera poco, en la pieza final, Ambarchi nos trae un cover, si un cover del Fractured Mirror de Ace Frehley, que cualquiera pudiera declarar fuera de lugar, sino fuera porque Ambarchi, sabiamente trabaja la pieza de manera que sirva como un puente entre uno de los íconos más importantes del rock n roll clásico y el minimalismo característico de un Terry Riley, lo cual resulta tan conmovedor como excitante, ver como Ambarchi nos ayuda a llenar espacios que alguna vez creímos quedarían vacíos por siempre, con este Audience Of One, Ambarchi nos ha brindado un poderos eslabón en la evolución musical, que no nos deja otra alternativa que dejarnos fascinar por este disco de alto calibre, ahora si señores, con este disco, verdaderamente inicia el año!

Napalm Death-Utilitarian, UPCOMING

2012-01-31T08:09:00.001+08:00

Ya se deja venir el nuevo disco de los dioses el grindcore, los enormes Napalm Death, música intensa para tiempo intensos, quien iba decir que aquellos chavales que iban a destruir la música y que se convirtieran en una de las bandas más importantes del metal extremo a nivel mundial, estén aqui 20 años después, más intensos y virulentos que nunca! una feroz manera de iniciar Febrero! Grind!

RED Trio + John Butcher-Empire

2012-01-31T01:42:00.000+08:00

Portugal debe ser un lugar muy tranquilo, rara vez se sabe en las noticias internacionales algo acerca de ellos, y resulta a veces sorprendente saber que, aunque la libre improvisación sea un fenómeno europeo, con sus raíces en el free jazz, un grupo de este tipo salga de ese país.

El trío de nombre RED trío se compone un pianista, un bajista y un percusionista y para esta ocasión se hacen acompañar de uno de los mejores saxofonista de la actualidad, el inglés John Butcher, Butcher es un música que en verdad saber sacarle provecho a su instrumento y no por nada es considerado uno de los mejores, poseedor de una técnica bastante avanzada que igual lo puede llevar del free jazz, a la libre improvisación y algunas inclusiones en la música de vanguardia, Butcher, para esta ocasión asume un rol casi protagónico al frente del sax soprano, mientras que el trío mantiene un paso firme y constante, al cual Butcher va añadiendo intensidad poco a poco, Rodrigo Pinheiro, a cargo del piano es sin duda quien más podría resultar destacado con fluidas líneas de piano, que igual avanzan en línea recta, como en ocasiones tomando intrincadas direcciones.

Sustained es una pieza larga, dónde la dirección es principalmente dictada en momentos por Butcher y otras por Pinheiro, quien nos sorprende por su versatilidad y agilidad en el piano, aunque el bajo no es tan prominente en esta pieza, en la siguiente, Pachiderm, pareciera tomar un rol más notorio, hay de bajos a bajos, por ejemplo me suele agradar bastante el sonido violento de un Charles Mingus o más recientemente del guitarrista bajista Joe Morris, Hernani Faustino es poco más sutil en su ejecución, sus notas son oscuras, densas, una buena entrecruza de sonidos con el sax de Butcher, quien como ya sabemos añade infinidad de dimensiones a la música, Butcher por momentos durante esta pieza pareciera promover la integración mayor por parte de Faustino y Pinheiro pareciera aceptar este tácito acuerdo, ya saben, en el mundo de la libre improvisación europea, la equidad musical siempre está presente, y por ello también es importante mencionar el trabajo en la batería y percusiones a cargo de Gabriel Ferrandini, quien derrocha por doquier energía y mientras mantiene el ritmo, o por momentos coopera con el caos usando un arco para rasgar las cuerdas de su instrumento, participa exuberantemente en los ataques sónicos creados por el grupo, ya sea Butcher con su imitación del sonido de los elefantes, Pinheiro con esas líneas de piano inspiradas en ocasiones por un Cecil Taylor menos abstracto que de costumbre o el bajo híper activo de Faustino.

El tío y Butcher derrochan una energía poderosa, saben combinarse a la perfección para crear una entidad envidiable, una fuerza que se mueve a paso constante, que produce prodigiosas explosiones de sonido, Empire cierra el disco y es una pieza que de inicio se muestra distinta, con las percusiones y el bajo en el papel protagónico, mientras que Butcher poco a poco se va colando al igual que el piano de Pinheiro, evolucionando dentro del mismo disco, la que pareciera iniciar como una grabación de un trío junto a un “invitado”, avanza convirtiéndose realmente en una grabación de un cuarteto, con un Butcher integrándose de manera cabal al grupo, el cual pareciera apostarle de inicio a Empire, como la pieza principal del disco, para la cual crean una elaborada introducción con espacioso y lento avance de inicio, con unos Faustino y Ferrandini excelsos, con un Pinheiro que sólo se agrega tímidamente a la mezcla y con un Butcher que pareciera agregar algunos escasos efectos de sonido a lo que pareciera el soundtrack de una buena película de suspenso, cinemática hecha sonido, dirían algunos, poco a poco el sonido va adquiriendo fuerza y para cuando el mismo Ferrandini libera los demonios, el resto del grupo está más que dispuesto a externar la estocada final, Butcher pareciera invocar los demonios con cada exhalada de su aliento, Ferrandini le sigue atento y pareciera no querer ceder espacio, mientras que Faustino produce las notas más oscuras de bajo que hemos escuchado, y finalmente Pinheiro hace su aparición, para finalmente tomar un papel protagónico en un duelo dialogo que se materializa entre este y Butcher.

Un disco disfrutable de principio a fin, que requerirá un poco de paciencia para el que no este habituado al mundo de la libre improvisación, pero que de seguro resultará un deleite para los seguidores de la música más experimental y arriesgada.

Richard Youngs-Core To The Brave

2012-01-31T00:48:00.000+08:00

Richard Youngs nos sigue retando, quiere vernos llevar ambas manos a la cabeza y dejarnos pensando “¿Qué demonios pasa por la mente de este cuate?”, su discografía cada vez se vuelve más y más extensa y su música más y más enigmática, y es que sólo basta pensar que Youngs ha sido constante colaborador de gente como Jandek (si, ese tejano misterioso), Makoto Kawabata (si, el de los Acid Mothers) y Matthew Bowers (de los tremendos Skullflower), nos da una idea del nivel de eclecticismo que este multi instrumentalista inglés sabe manejar.

Una voz que pareciera hacer eco en la gimnasta vocal de Robert Wyatt, una guitarra que en momentos se inspira en Niel Young otras en Derek Bailey, y una capacidad para en momentos infiltrarse en el folk y a su vez asirse firmemente al minimalismo de un Steve Reich o un Philip Glass, son cualidad que Youngs muestra de sobra en su música, por si esto fuera poco, Youngs, en los últimos años ha estado produciendo 2 o 3 discos por año, hazaña que no podría parecer tan impresionante a primeras instancias, pero si tomamos en cuenta que cada disco de Youngs presenta una altísima claridad indiscutible, en verdad es una señal de un talento que parece inagotable.

Core To The Brave es uno de sus discos más recientes de este 2012, pareciera que cada disco de Youngs fuese conceptualizado en base a algo, en ocasiones su voz, en otras la guitarra, en otras la improvisación y otras los sintetizadores, y este en particular se centra en el bajo, un instrumento que Youngs habilita prominentemente con una poderosa distorsión y crea poderosos “loops” de este, agréguenle a esto extravagantísimas participaciones de una percusión que pareciera extraída del mundo de la música industrial y el free jazz por igual, nos dan uno de los discos, en verdad más peculiares de Youngs, uno que como su “casi”, colega de apellido, Neil Young, nos deja clara muestra del inconformismo musical de Youngs, así de su sabiduría para concertar con brillantes resultados un experimento, por más osado que este sea.

Sweet Field of Life nos da de entrada esas sobresalientes vocalizaciones de Youngs, obvio descendiente vocal del Robert Wyatt más avanzado, por discos y discos Youngs nos ha dejado claro que su instrumento principal es su voz, pero no encasillemos tan fácilmente a Youngs, aunque sea un vocalista sobresaliente, al igual que Wyatt, lo suyo son los arreglos imaginativos y la experimentación constante, el bajo poderosamente distorsionado se repite una y otra vez, recuerdan esas últimas notas del White Light/White Heat? Dónde Cale y Sterling emitían notas de bajo tan destructivas como la pieza misma?. Imaginen por un momento ese sonido, y agréguenle unas percusiones, que fácilmente podrían remitirnos a unos Lightning Bolt (si, esos chicos de Brian Chippendale), pero no tan bestias, o a el buen Chris Corsano, y por que no, podríamos inferir que Youngs ha estado escuchando mucho a los Lightning Bolt.

The Sea of Providence continúa con la misma dinámica, bajo y batería a todo lo que da, no de una manera cuadrada y estricta, sino por el contrario, cacofónica y a su vez destartaladamente intensa, una pieza que a pesar del caos generado nos deja claro lo amenazante del tema y la vena cuasi religiosa que Youngs suele incluir en sus grabaciones.

La voz de Youngs podría parecer lo único coherente dentro de esta masa caótica de sonido, en una hermosa dicotomía entre la lógica y la ilógica, Youngs como un maestro de ceremonias en una curiosa celebración de el orden y el caos, We Are The Messengers mete un poco de más orden, sonando como una extraña versión de la música “doom”, por parte de Richard.

Forever Hills of Everyday (créanme para este tema ya me encuentro preguntándome de dónde sacará Youngs tantos títulos brillantes para sus temas), incluye pequeños coqueteos con algo de melodía, pero no mucha, no se hagan ilusiones, ya que siguen dominando por un lado la estricta repetición de los “círculos” de bajo de Richard y esas baterías rebeldes y belicosas formando un tornado de sonido alrededor de Youngs.

Youngs alimenta sin dudas la fantasía de una loca colaboración entre Robert Wyatt y los Lightning Bolt, algo que en la realidad pueda nunca suceder, pero que en el universo de Youngs se muestra casi palpable, casi como algo que pudiese funcionar, una mezcla volátil y que en verdad requiere de una imaginación fugaz, Young sigue con su implacable paso y sus altísimos niveles de calidad, hoy por hoy uno de los más grandes artistas trabajando bajo los radares y de origen verdaderamente “underground”, que nos demuestra que esos artistas que nos da un discos cada 2 o 3 años no son más que unos perezosos que siguen esperando a que su “musa creativa aparezca” sin darse cuenta que gente como Youngs no la deja ir y la explota a manos llenas.

Leonard Cohen-Old Ideas

2012-01-29T00:52:00.001+08:00

Lo que me asusta y me fascina de Cohen es que ya cuando inició su carrera, su “sonido” por llamarle de alguna manera ya estaba en una etapa de madurez y de vanguardia a comparación de la música popular de la época, aún así, Cohen sigue manteniéndose a la vanguardia y sus escritos se siguen volviendo más complejos, más mordaces y más sabios.

Otro punto importante es que Cohen no ha cambiado sus ideales, sus principios o “valores” para alcanzar el “mainstream”, sus canciones de deseos insanos, odio, amor, culpa y demás siguen tan vigentes y tan incómodamente reflexivos, como lo fueron antes, tal vez más, y ha sido el “mainstream” el que ha tratado de absorber a Cohen y no este sumergirse en la comercialidad, poderosos ejemplos la participación de temas de Cohen en los soundtracks de Natural Born Killers o The Secretary como piezas centrales de las cintas demuestran una desesperada búsqueda de instalar a la brevedad ese mundo “post Cohen” que tanto predicaba Kurt Cobain y al que tanto ha escapado Cohen.

Going Home es “Cohen clásico” directo y perfecto, siempre manteniendo la oscura mirada del mundo al que Cohen nos ha acostumbrado, su manejo de las personas y de los puntos de vista, los ángulos de opinión que suelen manejar, algunos muy duros, implacables y otras veces piadosos, intimista a más no poder con piano eléctrico, sección de cuerdas y coros como de iglesia dominical, la voz de Cohen, a pesar de su edad no pierde nada de su característica fortaleza y contundencia, un hombre sabio, formado por los años, que no requiere mucho aspaviento para soltar un golpe certero y mortal.

En Amen se inclina un más por un ritmo jazzy, para el que no conociese a Cohen, en base a la voz, no sería difíciles imaginarse una bestia humana del tipo de Nick Cave, pero envejecida, que aún sigue amenazante, con sus canciones de perversión, culpa y redención, y es que Cohen continúa básicamente una tradición iniciada en Francia por Brel, con canciones más humanas de lo permitido por la música pop, canciones y temas verdaderamente humanos y real y no la artificialidad y superficialidad del comercialismo, que resistieron y aún lo hacen Dylan, Lou Reed, Neil Young y precisamente Cohen.

Curiosamente el tiempo a puesto muy a la par la voz de Cohen con la de Tom Waits, su voz se ha vuelto más dura, pero le ha dado a la vez más cuerpo para llenar espacio de sus canciones, le ha dado más fuerza para llevar por si mismo el peso de un importante tema, sin requerir un mayor acompañamiento, como en Show Me The Place, o The Darkness, con su mayor dinamismo en el ritmo y esa guitarra robusta que nos transporta al Cohen más accesible y a la vez el más encantadoramente perverso y oscuro, con ese ambiente de bar a altas horas de la madrugada.

En Anyhow, el arreglo musical es fascinante y minimalista, y en Crazy To Love You brilla el Leonard Cohen más clásico, sin mucha producción y sin mucho acompañamiento más que su guitarra acústica, de vuelta el Cohen de So Long, Marianne o de Bird On A Wire, el poeta de la perdición directamente sobre la encrucijada, sin nada más que una guitarra.

Banjo es quizás la pequeña pieza “novedad”, que tal vez pudiera sonar atractiva de inicio, pero sabes que carece de la profanidad del resto y que básicamente se construye a partir de un motivo poco trascendente, cuando mucho es interesante escuchar a Cohen dándole un pequeño giro a su sonido, aunque nada que pese.

Cohen se vuelve más intimista con los años, pero su sonido adquiere una nueva madurez y una nueva confianza de que lo que hace siempre esta bien hecho, ya que en realidad no es un producto que busque adaptarse a las modas, es música atemporal, que suena tan fascinante como en los 70s y tan relevante como pocas, Cohen se reinventa en pequeños detalles, ya que en realidad no lo requiere, tiene algo que no puede anclarse en el tiempo, sino que por el contrario flota libremente a placer, Lullaby, es hermosa por demás y me trae a la mente un poco el sonido campirano del Neil Young más apegado a sus raíces, mientras que Differente Sides podría traernos memorias del Cohen más “movido”, como en su clásico First We Take Manhattan, Cohen tal vez no este creando una obra maestra, pero tampoco se está volviendo auto complaciente, la vieja serpiente sigue conservando su feroz ataque y su veneno, da gusto saber que "las viejas ideas" de Cohen, sean mucho mejores que las nuevas ideas de muchos.

Omar Souleyman-Leh Jani

2012-01-24T05:58:00.000+08:00

Dabke, de Siria para el mundo, música popular, música de barrio, menospreciada en momentos (hay que tomar en cuenta que Siria posee una exquisita tradición de música clásica local), pero esto no ha detenido en ningún momento a Souleyman, Omar descubierto por el sello Sublime Frequencies ha tomado por sorpresa a conocedores y novatos en este rollo de la música étnica, con un sonido híper acelerado que más tendría en común con el punk o el heavy metal que con las cumbias o el reggaeton, ccon cientos de producciones locales y una larga trayectoria como animador de toddo tipo de festejos en su natal país, a través de un par de discos de repercusión internacional, Souleyman ha conseguido colocarse en el gusto de “autoridades” de gusto como Bjork o Daniel Lopatin aka Oneothrix Point Never, más o menos así de acelerado es el rollo de Souleyman, una pausa y agarremos aire..

Souleyman re editando una de sus primeras grabaciones locales, Leh Jani, ahora en Sham Palace, sub sello de la ya mencionada SF, que se divide para concentrar su interés en nuevos artistas y re ediciones, etcétera, Mawal nos muestra casi tres minutos de la voz de Souleyman un MC fiero e intenso, que en partes nos podría recordar a Mark E. Smith, a Big Youth o a Henry Rollins en su intensidad vocal, y en su convicción de alma poseída manifestándose a través del micrófono, y con ese fraseo que pareciera golpetearnos como los mejores quejosos del punk, si, Johnny Rotten era genial, pero era un quejoso, para después ser literalmente atacados por el buzuq, (instrumento de origen sirio parecido al laúd, que pudiera ser semejante hasta cierto punto al banjo) de líneas fluidas y serpenteantes haciendo ver a Omar como un apto domador de réptilesm adicional a esto las precisas las percusiones programadas por Rizan Sa´id y sus zig zagueantes teclados, en Mawal, Souleyman no nos dispara rimas a velocidades demoníacas, es un sonido más relajante, da más espacio y los ecos prevalecientes en la producción parecieran hacer algo de eco con el fascinante dub,

Salamat Galbi Bidek es más dinámica, exótica y jubilosa, los teclados más fluidos toman parte principal, un extraño y lejano eco a esas líneas “acidas” del techno, lo cual nos hace entender porque muchos alinearon la palabra techno al hablar inicialmente de Omar, los ritmos bien marcados y esas líneas serpenteantes afirmativamente nos llevan a pensar que con seguridad este es un extraño pariente lejano de esa música originada en Detroit.

Leh Jani es la pieza central del disco, dividida en dos partes y mostrada ante nosotros en su versión original, un a versión menos acelerada que la que conocimos originalmente, pero no menos portentosa, una máquina de ritmos que no con cede ni un paso atrás que avanza de forma casi marcial y que ofrece una bese para las puntuales acentuaciones de metales tocadas a través de los teclados de Rizan, importante señalar aquí lo importante y pieza fundamental que representa este músico para Omar, prácticamente la mitad del proyecto con sus programaciones y ejecución en los teclados.

La segunda parte de Leh Jani continúa con ese golpe a la cabeza que significa la pieza, esta vez con una mayor incursión de sonidos del teclado de rizan y el buzuq, si nuevamente el buzuq lanzándonos líneas improvisadas, y Rizan incluyendo algunos quiebres en el ritmo para agregar variedad, cosa que en verdad, casi no resulta necesaria, ya que como en los mejores discos de los Stooges, los Velvet Underground o The Fall, sabemos que el ritmo es repetitivo, pero en el mismo grado resulta adictivo y no queremos que pare, no es repetición, como solemos decir, es insistencia.

Si Souleyman continúe con su racha de brillantes ediciones, sólo el tiempo lo dirá, colaboraciones no están muy lejanas, ya estuvo en contacto con Bjork y re mezclo temas del Biophilia, por otro lado, su acercamiento a Occidente cada vez es más inminente y muy probablemente su música sufra algunas mutaciones más adelante, así que es importante estar atentos al futuro de este brillante acto.

Leila-U&I

2012-01-24T03:14:00.002+08:00

Este año Warp viene con todo y prueba de ello es este 1-2 de leyenda con Gonjasufi y ahora con Leila, la legendaria Leila Arab, a quien Bjork confiara la salvación de su Biophilia, luego de que el proyecto se volviera bastante complejo y que debo confesar, supo robustecer los bosquejos musicales de Bjork, no por nada Leila es una de las colaboradoras favoritas de la islandesa, y no por nada también una recomendación, de ni más ni menos que de Aphex Twin le valdría su entrada a Warp.

U&I (you and I, sorpresa!) es el cuarto disco de esta chica, sus dos discos anteriores nos mostraron una creadora ejemplar de intrincadas y enigmáticas texturas electrónicas y ni más ni menos, con ellos nos recibe en Of One, sonidos parcos y minimalistas, ese pequeño resguardo en la entrada para saber quien está dispuesto a seguir y quien no.

Activate I inicia realmente el disco, con un ritmo acelerado y sonidos abrasivos y de aparente extracto, hasta aquí, leila se muestra más accesible que en sus anteriores producciones, con un ritmo que fácilmente pondría a moverse a más de uno y desorientar a mucho, bienvenidos al mundo de Leila Arab, una especie de Alicia en el país de las maravillas electrónicas, bienvenidos a un nuevo mundo.

All Of This y Boudica, además de su electrónica de avanzada y coqueteos techno conllevan también un trabajo vocal, a cargo de Mt. Sims (en el primer tema), artista alemán más conocido por su trabajo en el arte del performance que de su trabajo musical, Leila y Sims desdeñan cualquier estructura conocida o pre establecida y hacen uso, o “abuso” de la forma libre, un trabajo robusto, Leila gusta de los sonidos fuertes a la Aphex Twin, Welcome To Your Life pondrá a temblar el sistema de bajo de más de uno con sus bajos distorsionados y de ultra baja frecuencia, un tema altamente dinámico y con una mezcla vocal sobresaliente, a pesar de no incursionar en lo vocal, queda muy claro que Leila está en pleno control del proyecto, electrónica de avanzada, con sonidos altamente abrasivos, pero que fácilmente podrían capturar a más de un ente atento.

In Consideration es un tema más oscuro, las vocales de Sims son tratadas de manera múltiple por Leila, un tema carente de ritmos, dónde los ecos fantasmales se hacen presentes y tanto Leila como Sims nos dan su versión de algo parecido a un canto litúrgico, para después terminar con un final abrasivo tipo Sunn O))), lo que me hace pensar en que estos debieran considerar a Leila para futuras colaboraciones, después de todo la chica es de la escuela de Bjork, en la que todo vale y todos pueden participar.

Eight me recuerda esas progresiones electrónicas a las que nos tenía tan acostumbrados Aphex Twin (no por nada la afición de AT por los sonidos de Leila), mientras que Anyway no es tan sorprendente y por momentos me recuerda esa loca electrónica que nos trajo alguna vez Bowie en sus experimentos berlineses en los 70s, cuando se hizo acompañar por Brian Eno y Robert Fripp, pero que resulta definitivamente el momento más accesible y amigable de un disco que definitivamente no lo es..

Interlace es abrasión pura, Leila llevando el sonido a su más pura y salvaje abstracción máxima, un radical cambio a sus discos anteriores en dónde Leila parecía arrojar sonidos, dejarlos progresar lentamente, permitiendo a los sonidos transformarse, ensancharse y respirar, mientras que en este U&I el sonido pareciera ensancharse de más, reventar los sistemas de sonido y no dejar espacio a nada más excepto la distorsión pura, e Interlace es el más puro ejemplo, todo un puñetazo en la nariz y la subsecuente Colony Collapse Disorder continúa con el mismo orden del día, sonidos “hinchados”, abstractos, de ensamblaje complejo, y vocales que parecieran ser torturadas entre las capas de sonido duro.

Leila parece haber alcanzado un grado de confianza mayor al que mostró en sus anteriores discos, el trabajar de cerca con Bjork y contar con el respaldo del ya tan mencionado Aphex Twin le han dado bastantes “tablas” al grado que no es de sorprendernos que la experimentación en este disco y su volumen sean tan directos y prominentes, la timidez y relajación de sus anteriores discos parecen haber quedado atrás y ahora Leila suena llena de músculo y sobrada en decisión y confianza, y agradecer a Warp por este fabuloso 1-2 de inicio de año.

Gonjasufi-Mu.zz.le

2012-01-24T02:01:00.000+08:00

Ya desde las ondas recalcitrantes de White Picket Fence, sabemos que esta es una aventura muy diferente para Gonjasufi, el cuate este con la pinta de “rastafari”, y con el rollo de la espiritualidad a flor de piel, lamentablemente quienes esperaran algo similar a su dinámica colaboración anterior con The Gaslamp Killer, necesitarán buscar eso en otra parte, ya que esta vez Gonjasufi, habitante del desierto de las Vegas, viene solo.

Se que muchos dirán “otra vez va a mencionar a Dj Screw” y la verdad es que si, el impacto fundamental que el dj tejano ha tenido sobre la música es cada vez más omnipresente, escuchando White Picket Fence podemos establecer paralelos con la nebulosa y reptante música de Screw, y con la humeante y alucinada producción de Lee Scratch Perry, además con Gonjasufi ya saben, el rollo espiritual juega un papel importante, más parecidas a mantras que a canciones, sus temas van fluyendo de manera no lineal, y Feedin´Birds pareciera evocar un poco esas melodías místicas que nos arrojaban los Bad Brains antes de que la dinamita explotara y el hardcore nos alcanzara a todos.

Sumach Ecks (el hombre tras el pseudónimo de Gonjasufi) es un tipo muy metido en el rollo espiritual, una alma perdida en las drogas, supuestamente rehabilitada a través de la meditación y el yoga, verdad o no, no sabría decirlo, pero su música tiene ese olorcito a hierba rastafari, la cual debe o debió conocer bien, Nickels and Dimes es más activa en sus ritmos, un Bob Marley más metido en el hip hop y en el soul, que en reggae para ponerlo en términos más sencillos.

Que si el disco es de muy corta duración, si, si lo es, menos de 30 minutos, lo cual para la generación Tumblr y Twitter, podría ser bastante, largo, ya saben los chicos lo quieren corto y rápido, como una petición de muerte, algo que sin embargo nos va dando una nueva manera de hacer música, nuestro tiempo se acorta, cada vez tenemos más acceso a la información, debemos absorberla rápido y pasar a lo siguiente, tal vez por eso algunos de los discos más exitosos últimamente son de corta duración, que si volveremos a la cultura pre – 60s?, no lo sé, el sencillo es algo que aún no se adapta a los fines artríticos y sigue siendo territorio meramente comercial, pero los ep´s siguen siendo parte fundamental del “underground” y de la independencia, de las tácticas ágiles de guerrilla, del hit & run.

Rubberband es sencillamente genial y arrebatadora, con sus percusiones sampleadas de batería de 2 centavos, pero que explotan en el momento justo con su mezcla de psicodélia, soul, funk y hip hop, y esa manera de vocalizar de Gonjasufi sencillamente turbadora y oscura, uno de esos discos para cuando los asistentes comienzan a retirarse, el alcohol empieza a terminarse y la noche empieza a dar paso al amanecer.

Editado en Warp, disquera de vanguardia muy metida en el rollo de la electrónica, no es de sorprendernos que Gonja nos recete este disco sencillamente extraordinario, bien filtrado a través de incontables sentimientos de nostalgia, melancolía, soledad, post-todo, bien en la onda del buen Scratch Perry, pero sin el saborcito del reggae, sólo el dub.

Timeout nos trae a la mente otro weirdo total, sólo basta imaginarnos un poco al buen Capitán Beefheart transformado a la religión rastafari y producido por Screw, una especie de canto dub, con la destartalada voz del Capitán, teclados “idos”, al estilo de The Caretaker y el hip hop lento y reptante, un disco fascinante que va directo al punto, sin ninguna desviación, Gonjasufi va directo a la yugular con un sonido único, mutado de infinidad de fuentes, con un Skin que en momentos me pareciera escuchar un poco de esos coros oscuros de los Beach Boys de la era Smile, un canto bastante fúnebre, más de lo que los BB pudieron alguna vez ser, The Blame podría ser lo más accesible, pero la melodía y la interpretación son tan decadentes que sería imposible pensar en que esto pudiese llegar a la radio.

Un disco único en dónde Gonjasufi nos da una muy peculiar interpretación, samples sacados al parecer de otras épocas, y una producción en realidad oscura y alucinante, un mal viaje que seguramente les pondrá a girar la mente, sin daños cerebrales que pudieran presentarse a posteriori, la música es mi droga, disfrútenla.

Orthodox-Sentencia

2012-01-21T03:16:00.009+08:00

Si alguno de ustedes tuvo alguna vez la oportunidad y el placer de ver la película “las Hurdes, Tierra Sin Pan” de Luis Buñuel, eso podría darles una ligera idea de a lo que puede sonar este disco, agréguenle como otra referencia más los soundtracks que Ennio Morricone hizo para Sergio Leone, seguramente esto terminaría completando la idea.

Orthodox es una banda originaria de la madre patria, o sea España, gente floja que no quiera poner a trabajar mucho sus neuronas podrían describirlos como una versión española de los Sunn O))), pero créanme, estaríamos cometiendo una grave injusticia de dar eso por hecho y nos estaríamos perdiendo uno de los grandes discos del 2009

Viniendo de una banda que anteriormente nos había regalado dos poderosos (con un sonido aún en estado de desarrollo) discos dentro del rollo doom/drone, conocidos como Gran Poder y Amanecer En Puerta Oscura, la dirección musical fue más o menos definida por este último, que alguna vez describí como “la banda de free jazz más lenta del mundo”, y dónde elementos acústicos cada vez empezaban a tomar mayor presencia, algunos toques instrumentales y vocales del nativo flamenco, voces atormentadas y esos alucinantes coqueteos con el mundo del ya mencionado free jazz, con tendencias cósmicas.

Sentencia se convertiría en el tercer regalo musical de la banda, una oportunidad más de desacreditar a todos aquellos que de primera escucha los calificaron como un clon de los ya mencionados Sunn O))), clones? Los Sunn O))) y su “power ambient”, tienen sus bases muy firmes en la electricidad, el poder tras de los Orthodox y de este Sentencia no proviene de la electricidad, sino más bien de ultra tumba.

Imaginemos por unos segundos, un demencial “jam” entre Charles Mingus al bajo, Sunny Murray en la batería, Cecil Taylor al piano y Ramóncito Montoya en la guitarra, luego de varios días de free improv sin parar hasta el punto del exhausto total, y producidos bajo el esquema del Chopped & Screwed (o chopeado y escurrido como me gusta llamarlo) del DJ Screw, bajo el sol inclemente del desierto y sabrán de que se trata Sentencia.

Ataques de piano, un trabajo de bajo acústico formidable, que de inmediato me traen a la mente al ya mencionado Mingus, una batería que da espacio, que respira y en momento se ensancha, y una voz tan atormentada y tenebrosa que sería el equivalente a traer de la tumba el cadáver de Camarón de La Isla y ponerlo al frente de las vocales del grupo a través de un ritual vudú.

Sentencia significó a la banda luchando con todo su poder por diferenciarse, por hacerse de un nombre propio y desmentir a todos sus críticos, si, los mantos y capuchas de monje pudieran convertirse en un artefacto hasta cierto punto que distrae de la esencia de la música misma, pero hagámoslo a un lado, con una música de esencia tan cinemática, lo visual viene solito a la mente, el dolor, la muerte, el cosmos, el desierto, el calor y la sed se recrean en imágenes mentales casi de inmediato, Marcha de la Sangre es un hibrido de himno de batalla, canto fúnebre y no se que más, en el más puro estilo Morricone con banda de metales salido del Ejercito de Salvación, Ascension podría referirse a la religión, a la muerte y resurrección, o igual a aquel abrasivo ejercicio de free jazz que nos regaló el ENORME John Coltrane, teoría no muy errada si tomamos en cuenta la gran influencia del free jazz en este disco, y por último la imponente …Y La Muerte No Tendrá Dominio, menos peculiar, más cercana al drone, con baterías lentas y poderoso ruido de guitarras eléctricas.

Este disco en mi muy particular y humilde opinión (la que siempre mandará aquí será la suya propia), representaría el pináculo del sonido de los Orthodox, el alcance definitivo y depuración de un sonido muy propio de la banda, universal y a la vez muy nativo, tal vez pocos lo escucharon, yo quede maravillado, esperando más de la banda, el sonido para su siguiente disco cambio, tal vez las raíces heavy metal de la banda les llamaron muy fuerte y su sonido mutaría a algo más tradicional, menos experimental y más accesible, pero nos dejaron este discazo para disfrutarlo de principio a fin.

Wiley-Evolve Or Be Extinct

2012-01-20T03:31:00.000+08:00

El estatus de Wiley en su natal Inglaterra es casi el de un tesoro nacional, por un lado sus aportaciones a la música electrónica y por otro su ascenso de MC callejero a estrella y abanderado del llamado grime, su música siempre interesante representa la evolución del hip hop en Inglaterra, al que alguna vez grupos como Portishead o Massive Attack se habían acercado tímidamente (reconociendo la riqueza musical del genero y la imposibilidad de encontrar MC diestros vocalmente), el grime vendría un poco a balancear el esquema, con gente como Wiley o Dizzee Rascal capaz de convertir sus rimas y frases en una arma mortal de muchos impactos por minuto, el grime, pariente nervioso y claustrofóbico del hip hop americano, con ritmos quebrados, inquietantes y con MC en verdad explosivos.

Rascal se convertiría en la estrella comercial (alumno de Wiley por cierto), pero Wiley se llevaría el reconocimiento de la crítica, músico o prolífico por demás, con tantos discos, eps, mixtapes, dvs, sencillos que supongo que el mismo ha de haber perdido la cuenta hace algún tiempo, Wiley inició su carrera con aquellas épicas batallas de MC en pequeños locales que alguna vez terminaban en batallas a puños y que eran grabadas en video y después comercializadas en los círculos “underground”, lo que distinguía poderosamente a Wiley no sólo era su destreza vocal, también la capacidad de crear musical electrónica vanguardista, lo que lo llevó a expander considerablemente su audiencia.

Los primeros discos de Wiley sirvieron para dejar bien cimentada su reputación como “la cara del grime”, pero Wiley evolucionó y dejó rápidamente las calles, sus rimas se volvieron más personales, uno que otro sencillo alcanzó repercusión comercial y Wiley se halló tentado por los sellos discográficos grandes, a lo cual cedió, para sólo resultar muy molesto con la experiencia, recuperando su independencia y creando cantidades portentosas de música narrando su experiencia con las multi nacionales y con la música comercial.

Su regreso a las calles se vio coronado con 100% Publishing, dónde Wiley presumía su nueva independencia y autonomía, alardeando tener el 100% del control sobre su música, privilegio que sintió escaparse de sus manos al trabajar con sellos discográficos mayores, 100% Publishing significó una grato regreso de Wiley a sus épocas salvajes y experimentales, dónde los ritmos parecieran desbordadse de las bocinas y su verborrea intensa como en sus inicios, pues adivinen que? Evolve or Be Extinct sigue exactamente la misma línea, intenso de principio a fin, aunque concientemente más controlado, Wiley se escucha con cierta madurez que le permite dar al disco más flexibilidad y un mayor abanico de sonidos, si, Wiley en verdad está evolucionando a velocidades insospechadas para un artista de su trayectoria, dos o tres discos por año, de contenido sobresaliente, que nos hace pensar, como mantiene este ritmo Wiley?

Welcome To Zion arranca el disco y las frases de Wiley disparadas a toda velocidad se hacen presentes, aunque el ritmo de la música es pausado y los sintetizadores aparecen de manera siniestra, las calles nuevamente resuenan en la música de Wiley, Evolve or Be Extinct es un torbellino de palabras, Wiley saca lo mejor de su compleja ejecución vocal al ritmo de intrincados sonidos electrónicos y bajos intermitentes, nadie recita sus líneas con la convicción y total maestría vocal como Wiley, el título, una clara referencia a un Wiley que desea quitarse la etiqueta de “maestro del grime” y trascender.

Link Up, Boom Blast y Money Man tienen suficientes elementos para sobresalir con un Wiley refinando sus habilidades, agregando suficientes ganchos vocales y comerciales para sacar el hip hop mundial del estancamiento, y regresar a Wiley a su puesto estelar, Weirdo, Scar y Can I Have a Taxi Please muestran a Wiley re escribiendo las reglas del hip hop, grime o como le quiera llamar, mezclando funk, electrónica y hip hop de manera poco usual y saliendo avante en ello.

Sólo un disco más en la carrera de Wiley? Si, uno más, pero no uno cualquiera, el rey cuya corona alguna vez pareció correr peligro de perder el brillo, lo recupera y nos deja otra lección de sus habilidades vocales y musicales, difícil poder entender de dónde surgen tantas ideas y de manera tan rápida en la mente de Wiley, Evolve Or Be Extinct es Wiley nuevamente poniéndose a la cabeza vanguardismo musical dentro del hip hop, e imponiendo sus reglas, no esperen que las pistas de baile se llenen de gente escuchando a Wiley, mejor métanse a un closet y reboten contra las paredes hasta enloquecer, que este disco fue hecho para eso, el “chico esquimal” nuevamente demuestra su continua evolución y los insospechados lugares a dónde está llevando el hip hop, no por nada gente como Lex Luger (producto en boga en el hip hop de vanguardia estadohundidense, pone tanta atención en los arreglos musicales del grime, Wiley sólo les señala el camino.

REVEH-MEGANICE MEGANOISE, Martyrs Of The Modern Era Records 014!

2012-01-20T02:43:00.000+08:00

REVEH

MEGANICE MEGANOISE

Martyrs Of The Modern Age 014

Recorded and Mixed In January 2012 At Sunken Fortress
All Music Composed, executed, recorded and mixed by: RV
Instruments used for this recording: guitars, fx.

01 MEGANICE
02 MEGANOISE

"a brutal display of noise..."

dl: http://www.mediafire.com/?sjgbzrz1av3flb9

Rick Ross-Rich Forever

2012-01-19T07:26:00.003+08:00

El llamado “Teflon Don”, Rick Ross, ese “hip hopero” estadohundidense que tanto esfuerzo tuve que hacer para cubrir su pasado como guardia carcelario, y enaltecer su pasado como “gangsta”, con el fin de no perder sus “tablas” callejeras en ese mundo cada vez más “hipócrita” del hip hop, si ya saben, de repente todo es cadenas de oro, empresarios salidos de las calles, mujeres al por mayor y bravucones armados, (quisiera que alguno de ellos en verdad se fuera a de paseo a ciudades de México o Colombia en donde no durarían vivos mucho tiempo) pero no estamos aquí para hablar de que hace Rick Ross o que no hace fuera de los escenarios, ya que ante un micrófono, con la producción de Lex Luger y con la colaboración en ocasiones de Waka Flock Flame o de Kanye West ha hecho música bastante interesante, prueba de ello su disco pasado, precisamente titulado Teflon Don, en dónde piezas aplastantes (sin hacer alusión al peso de más de 100 kilos de Ross) como Blowin Money Fast y MC Hammer (ambas caracterizadas por la impresionante producción de Luger) catapultaron a Ross a los niveles de estrellato que el ya mencionado West o Jay-Z han alcanzado, sin ponerlo en una situación tan incómoda como la de West o Z, convertidos en verdaderos “ricachones” y que ya difícilmente les puede uno creer su contacto con las calles.

Y es que en verdad estos últimos años el hip hop ha estado dominado por dos grandes corrientes emergidas del “undergound”, por un lado, Luger, con ese sonido pesado y amenazante mezcla de los “crujidos sureños” y herencias del violento “grime” inglés, que ha valido para dar una verdadera sacudida al hip hop y volverlo peligroso otra vez, y por otro lado el iconoclasta hip hop del cual gente como Lil B, o los Main Atrakionz, que buscan a toda costa romper con los moldes y paradigmas del hip hop, poco a poco el alguna vez efectivo “gangsta rap”, comienza a ceder paso, a enterar en una etapa de madurez y declinación, la cual era de esperarse, ya que mucho a terminado convirtiéndose en una parodia de si mismo.

Ross se alinea con Luger y el track producido por él, le sirve de templete para el resto del disco, si Ross canta o no sobre sus “riquezas y su fortuna” es algo que puede tomarse y hacerse a un lado, pero su voz como de oso grizzly enojado en Holy Ghost (alguna referencia a Albert Ayler? Claro que no…) ya es señal de que este viaje no es un viaje cualquiera, es una experiencia extraña que vale la pena conocer, que si el rollo de Ross es el mismo rollo de West y Jay-Z, lo pongo en duda, aunque Ross goce de popularidad, su música es demasiado hardcore para llegar a lo pop.

Mmg Untouchable y Fuck Em son piezas extraidas directamente de la escuela de Luger con siniestros sintetizadores, omnipresentes bajos y un tornado de percusiones a velocidades meta humanas, que ponen a Ross en una posición en la que el hip hoppero en verdad debe esforzarse para no ser sobrepasado por el peso de la música (otra vez, sin referencia alguna al peso de Ross), Rich Forever, que cuenta con la aparición de John Legend podría ser lo único cercano al pop presente en este disco, aunque la pieza parece más un tema de connotaciones fúnebres que un brillante tema comercial, agréguenle los bajos ultra bajos y teclados de los 80s y seguimos con un disco extraño de inicio a fin.

Keys To The Crib pareciera ser el único que tema que podría tener cierto atractivo popular, pero nuevamente la voz de Ross y su gruñido la pone en un nivel callejero y la aleja de gente con gustos demasiado refinados, mientras que Last Breath, en la que se hace acompañar por otros hip hopperos nuevamente pone a Ross a prueba y es que resulta bastante entretenido escuchar a Ross al tope de su garganta y su voz, en un entorno intenso que exige bastante de si mismo y que el “Don” ponga gran parte de si mismo para no hundirse.

King Of Diamond bien podría ser “MC Hammer”, con esa producción estilo Luger, los teclados amenazantes y las percusiones avasalladores, Ross puede jactarse sin duda de ser uno de los hip hopers más amenazantes de estos tiempos (junto a Waka Flocka) ya que su voz junto a este estilo de producciones en realidad se convierten en un arma de destrucción masiva, queremos que Rick se olvide de querer ser un “ricachón”, que se siga haciendo acompañar de la artillería pesada de Luger, siga siendo de la calle y que se olvide de refinamientos superfluos y como dicen en el ámbito del hip hop, que diga las cosas como son.

Korn-The Path of Totality

2012-01-17T03:46:00.000+08:00

De entrada me encontré un tanto confundido con el primer tema Chaos Lives In Everything (que pareciera decirnos claramente lo que pasa por la mente del grupo) un tema que pareciera sonar a un renovado y con nuevas pilas Marilyn Manson, si este alguna vez decidiera meterse en el rollo del dubtsep, por un momento pareciera que los Korn que conocí hace años hubiesen desaparecido y ahora sólo fueran Korn de nombre, en lo particular debo admitir que nunca seguí la carrera de este grupo con detenimiento, sus primeros discos me parecieron interesantes, hasta cierto punto, pero mucha de su estética pervirtió hasta cierto punto el heavy metal tradicional, al grado que muchos chicos dejaron de escuchar bandas tradicionales como Black Sabbath o Deep Purple, a favor de bandas “alternativas” como Limp Bizkit, Papa Roach o Linkin Park, recuerdo bien la anécdota que platicaba con amigos hace unos años respecto a que en la secundaria solíamos escuchar a Led Zeppelin, a Sabbath o a Purple, bandas clásicas, junto a bandas más nuevas como Metallica, Slayer o Megadeth, mientras las nuevas generaciones que escuchaban a Korn o a Slipknot no tenían eso, una tradición les había sido robada y la música se había vuelto pura superficie sin raíces.

Si bien, no toda la culpa es de Korn, como suele mencionar Mike Patton, parte de la culpa fue de sus épocas con Faith No More, cuando fueron sembradas las raíces de este movimiento conocido como nu metal, sería más tarde cuando este adquiriría mayor notoriedad e infame renombre, por un momento bandas más enfocadas a un metal poderoso y agresivo desviaron su atención a este “hibrido del metal” (como Sepultura, por ejemplo), que después, como todos los “sabores del mes” sería olvidado por completo, dejándolos por completo de lado, hecho que también robo los reflectores a bandas de verdadero “metal evolucionado” como Cannibal Corpse o Morbid Angel que parecían emerger del “undeground”, y cobrar fama, pero que toda esta época de confusión iniciada con Nirvana, seguida por el pseudo punk de Green Day, continuada por el nu metal y por el pop punk, terminarían robándoles de su merecida oportunidad de volverse algo más “mainstream”.

Bien, Korn continúa editando discos, más extraños cada vez por cierto, como si la banda finalmente sacara a flotes sus verdaderas intenciones, alejándose por completo del metal pesado que supuestamente era una base de su sonido, The Path of Totality pareciera todo menos un disco de metal, tal vez si Korn no contara con toda una historia detrás podría decirles que es un interesante disco de debut que integra al dubstep (genero por excelencia inglés) a la escena “alternativa” estadohundidense, Kill Mercy Within no deja de llevar esos coros cortesía de la casa, pero las guitarras pesadas son utilizadas sólo como adorno y la voz de Jonathan Davis es relegada a mero corista, el protagonista aquí es el ruido digital y los ritmos robustos, algo aún más presente en My Wall, que bien podría ser algo de música nueva por parte de bandas como Prodigy, pero no Korn.

Narcissistic Cannibal es otro ejercicio extraño de agro-música, con coros listos para cantarse en las grandes arenas, pero que créanme, se olvidan luego de unos minutos, aunque no puedo negar lo contundentes de los ritmos, estos se convierten en un mero ejercicio de terquedad de una banda que quiere mostrarse relevante y furiosa, pero cuyo sonido pareciera ser arrastrado por el tiempo, lo cual tratan de ocultar aferrándose a nuevas tendencias (aunque el dusbtep no es algo precisamente nuevo).

Se que puedo sonar necio señalando lo mismo una y otra vez, pero si recordamos la historia del “grunge” por ejemplo, las bandas que se volvieron estandartes del movimiento como Alice In Chains y Pearl Jam, fueron olvidadas y maldecidas cuando surgió la siguiente moda, lo mismo pareciera sucederle a Korn, lo que pareciera resultar en la banda tratando de adquirir un nuevo disfraz para sobrevivir a estos nuevos tiempos y a la falta de “novedad” en que caería el llamado nu metal, un disco que suena a novedad por segundos, pero que termina derrumbándose, volviéndose tedioso y redundante.

Para este 2012 viene nuevo disco de Soundgarden, alguna vez una de mis bandas favoritas, si bien Soundgarden tuvo su época de gloria subterránea como parte de las bandas originales de la Sub Pop y la SST, y una de las primeras bandas de Seattle en ser firmados por una disquera multi nacional, la banda fue perdiendo su encanto y su espontaneidad, convirtiéndose en mera estrellas musicales, que prefirieron desaparecer antes de caer junto con todo el movimiento “grunge”, el resto lo sabemos, el alguna vez genial Cornell y sus desvaríos con Audioslave (cenizas de otra gran banda (Rage Against The Machine) y después su disco con Timbaland que fue una buena idea en papel, mal ejecutada después, esperemos que Soundgarden haga un buen análisis de este disco, que sepan buscar un sabio equilibrio entre su pasado y el presente, que sepan que el “grunge” está bien muerto y no renacerá jamás, que tratar de revivirlo sería hundirse y que por otro lado reinventarse pueda ser tan riesgo y de consecuencias no tan saludables como sucede a estos Korn, por otro lado por ejemplo está el caso de Metallica, que se reinventaron con el Death Magnetic y después desaparecieron y se volvieron a crear vía Lou Reed en el Lulu, su nuevo disco anunciado, no busca recrear sus viejas glorias pasadas en el mundo del “thrash”, pero tampoco volverá a su era de gloria con el Master of Puppets, sino que buscará retomar el buen camino que llevaban hasta el famoso disco negro.

The Caretaker-Patience

2012-01-17T02:48:00.000+08:00

Y pues Netlle (o DJ /rupture como le quieran llamar) se fue de boca con su disco El Resplandor: The Shinning in Dubai, un extraño intento de llevar esa atmósfera del soundtrack original de de la película El resplandor de Kubrick, mira que trabajar con el soundtrack original a manos de genios como Lygeti, Bartok y Penderecki, un disco que prometía mucho pero que encontré un tanto aburrido, pero vayamos un poco más allá, a lo metafísico del asunto, a dónde Leyland Kirby, hombre de muchos alias, conocido aquí como The Caretaker, trata de retomar la película desde “adentro”, si recuerdan bien, esas escenas en que el personaje de Nicholson de plano pierde la cordura y se encuentra en un bar dentro del hotel, dónde pareciera que las memorias de aquel lugar revivieran y le jugaran bromas pesadas a su mente, es precisamente en este punto dónde todo el concepto de Kirby toma vida, dónde nace The Caretaker, en una obsesión adquirida por Kirby de retomar esa música que aparece ahí y retransmitirla a través de ciertos procesos para acercarse a lo que sería el funcionamiento orgánico de la memoria.

The Caretaker consiste precisamente en indagar en buscar música de esas épocas (la pre- guerra, en este caso música de Frank Schubert grabada en 1927) y someterla a varios filtros, delays, ecos, reverbs y distorsiones para transformarla y que esta pudiera, como hacen los arqueólogos al enterrar piezas “adquirir la patina que da el tiempo”, esa característica que deja el paso del tiempo, una tarea tal vez fácil en lo físico, pero compleja en lo sonoro.

Por si todo este rollo introductorio no fuese bastante complejo ya, The Caretaker nos trae una “vuelta de tuerca más”, su “soundtrack metafísico”, para El Resplandor, convertido en proyecto, ahora crea el soundtrack para la película Patience de Grant Gee, en verdad, algo que suena enredado, pero y que hay de la música?

Empecemos con Everything Is On the Point of Decline, tema con que abre el disco, una especie de “vals” del más allá, un piano que se nos presenta de manera fantasmal, sometido al tratamiento “granular” de Kirby, quien en cierta forma se ha convertido en candidato a la “corona” dejada por Brian Eno dentro del genero “ambient”, Krrby pareciera no interferir mucho con la música en su forma, pero si en su esencia, la vuelve distante, frágil y oscura a la vez, convirtiendo algo que pudo ser grabado el día de ayer en un tema que pudo ser ejecutado hace más de 90 años, en sus manos el tiempo se vuelve un instrumento más, ahí la magia de Kirby y de su proyecto, que no sólo deshumaniza la música, también le quita su contemporaneidad y la vuelve añeja, Ad If I Were Sinking Into Sand bien podrían ser las últimas notas tocadas en un piano mientras el Titanic se hundía, resonando estás mientras la nave se aproximaba al fondo del mar, y es ahí, precisamente ahí, dónde la magia de Kirby se hace tan presente, en la facilidad con la cual su música crea imágines en nuestra mente y como transforma su proyecto en un “surreal” y “metafísico” proyecto multimedia que sucede en nuestras mentes.

Approaching The Outer Limits of Our Solar System (si, Kirby trabaja títulos como si estos fueran para nombres de películas) es un tema más amenazador, más oscuro, el sonido granular podría ser el paso del tiempo sobre una vieja cinta, o la fuerte caída de un aguacero mientras escuchamos un viejo disco de nuestros abuelos, así de mágico resulta el trabajo de Kirby, el cual llama poderosamente mi atención por esta, muy personal teoría, en la cual siento que el tiempo, a medida que vamos creciendo pareciera correr más aprisa, 5 minutos para un niño parecieran eternos, para nosotros, ya en edad adulta se vuelven un pequeño instante, tratamos de meter freno, de hacer que el tiempo no corra, pero este se escapa cada vez más aprisa de nuestras manos, y es precisamente en esa añoranza en dónde The Caretaker toma pieza central y mete freno al tiempo, establece su propia lógica y su propia dimensionalidad, consiguiendo de esta manera el equivalente a un viaje inter dimensional de algo del pasado que se materializa frente a nuestros ojos, u oídos, como un fantasma, un disco para disfrutarse una tarde oscura y con lluvia.

Eyvind Kang-Visible Breath

2012-01-17T01:52:00.002+08:00

Para hablar de este disco empecemos primero mencionando a Stewart Dempster y a Julien Priester, ambos músicos de metales que participaron el disco Monoliths & Dimensions de los geniales Sunn O))), ambos músicos con carreras por separado, Dempster dentro del “deep listening” de Pauline Oliveros y Priester como participante en los 70s en los discos de John Coltrane y de Herbie Hanncock, además de un par de discos como solista de “jazz cósmico”, creo que ya con esas dos referencias es suficiente para que las expectativas suban un poco y ahora si poder hablar de Eyvind Kang, músico del vecino país del norte, estudiado en composición clásica pero con gran afinidad por géneros transgresores como el free jazz, el ambient y el punk, Kang se convertiría en músico de compañía para artistas como Mike Patton, John Zorn y los Sunn O))), además de encargarse de dirigir la orquestación del últimos disco de estos últimos.

Para este Visible Breath, editado con la siempre brillante Editions Mego, Kang no sólo se hace acompañar del dúo ya mencionado, también trae de regreso a Steve Moore, de los Earth y Jessika Kenney, ambos también parte de la grabación del M&D, el disco abre con Visible Breath y con una inmersión total en el mundo del drone y el ya mencionado “deep listening”, que nos obliga a poner atención en sonidos que a primer escucha no son perceptibles pero que poco a poco se van desplayando ante nosotros.

Visible Breath fácilmente podría encajar en el espíritu del ya mencionado Monoliths & Dimensions de los Sunn O))) en el sentido de que avanza de igual manera, a paso lento pero firme y poco a poco va transformándose frente a nosotros, un disco que requiere de paciencia, que sonará muy extraño para los no enterados en el rollo del “drone”, pero que a la larga recompensa la paciencia invertida, es muy importante recalcar que los protagonistas de esta pieza, tanto Dempster como Priester viven en una realidad “alterna”, repleta de ambientes oscuros y sonidos cósmicos, transmisiones a otros planetas en otros idiomas y en realidad convierten la visión de Kang en un fenómeno y en una experiencia fuera de este mundo realmente, que luego de llegar a un punto climático, nos suelta por unos instantes al vació y se convierte en un tornado de almas, la pieza llega a su conclusión de manera caótica y espectacular a la vez, demostrándonos la maestría de Kang para dirigir todo esto, crear una fuerte tensión y una sorprendente “vuelta de tuerca” al final.

Monadology por otro lado se basa de inicio un poco más en el sonido de las cuerdas, por un lado Kang en la viola y Timb Harris en el violín, acompañados por Cristina Valdez Steve Moore en el piano, una pieza más difícil y compleja que la primera, formada por piezas fragmentadas que se presentan de manera intermitente, una pieza menos lineal que la primera, en a cual los sonidos que se van acomodando meticulosamente de manera pausada, para dar paso a pasajes más complejos dónde nuevamente Priester y Dempster llevan la pieza a momentos en verdad cargados de tensión.

Para cerrar el disco, Kang se hace de los servicios de la “curandera” Susan Alcorn, en la guitarra y de Miguel Frasconi quien interpreta sutiles percusiones en cristal, dándole una fragilidad palpable a la pieza, ayudando poderosamente a la “cristalizar” la visión de Kang.

Un talento como pocos, comparable al de gente como Nico Muhley que han estado ayudando portentosamente a llevar la música de vanguardia a un lugar insospechado hace algunos años, facilitadores para muchos y genios visionarios traídos de otro universo, dedicado en cuerpo y alma a materializar las imágenes mentales de músicos salidos del “undergound” como Mike Patton, los Sunn O))) o Ben Frost, los “Van Dyke Park” de nuestros tiempos.

John Cale-Paris 1919

2012-01-17T00:59:00.000+08:00

“Nada me asusta más, que la religión con entrega a domicilio” diría John Cale en Hanky Panky Nohow, una de las piezas más hermosas hechas por el alguna vez compañero de grupo de Lou Reed, cuando Cale dejó a los Velvets, se dice que se llevó las tendencias artístico-destructivas del grupo, pero Cale jamás hizo un disco abrasivo como White Light / White Heat, Cale se dedicó a crear obras que buscaban un fino equilibrio entre el pop y la música clásica, retomando sus raíces europeas y buscando un nivel de intelectualidad que lo pusiera en un mismo nivel literario que el que buscaba Reed, por cierto Reed, si hizo discos abrasivos, despedazando por una lado la teoría anterior.

Hanky Panky Nohow es un “dulce” hecho música, tal vez una de las primeras muestras de la admiración que Cale sentía por el “Beach Boy mayor”, Brian Wilson y de la cual más adelante inclusive compondría una canción (Mr Wilson), una muestra de las habilidades vocales de Cale y la sutileza y buen gusto en la musicalización.

Paris 1919 es un disco exquisito, me atrevería a decir que lo mejor que ha hecho Cale, de la mano de Chris Thomas, uno de mis productores favoritos (quien más se ha sentado en la silla de ingeniero de sonido con Pink Floyd y con los Sex Pistols?), que le da los elementos suficientes y el enorme campo de acción para que Cale nos de un disco de “altos vuelos”, que por un lado es enormemente un trabajo con aspiraciones “literarias”, a la vez se convierte en un trabajo accesible, un disco cuya portada predominantemente blanca y con un Cale en pose reflexiva, es fiel reflejo de la música, la voz de Cale, como siempre un agasajo tomando protagonismo total en una serie de relatos intrincados , acompañados de el delicado acompañamiento, algunas veces orquestal, concebido y realizado casi en su totalidad por Cale (con incursiones claves, hay que mencionar de miembros del grupo Little Feat), quien rara vez volvería a sonar tan poderoso, tan indestructible, tan dueño de la situación (a pesar de haber hechos discos más potentes).

Paris 1919 es en cierta forma un viaje a través de Europa cortesía de la nostalgia de Cale que nos lleva de los verde campos y prados a las grandes ciudad por emerger luego de la revolución industrial, Andalucía, un canto a otra de sus añoradas tierras europeas (muchas de las historias aquí son incorrectas e inexactas, cabe mencionar, muchas de ellas basadas en recuerdos de la niñez de Cale, como en Child´s Christmas In Wales, o en relatos leídos por él, inclusive, años más tarde Cale confesaría no recordar el significado de algunas de ellas.)con un delicado arreglo de guitarra llevado a cabo en partes por Cale y otras por Lowell George, quien con sus expresiva ejecución de guitarra se convertiría en pieza clave de este disco, probando nuevamente asertiva la selección de músicos de acompañamiento para este disco de parte de Cale, Macbeth por otro lado es un explosivo boogie rock, una de mis piezas favoritas del disco y nuevamente Cale aquí se muestra inteligente, al incluir al baterista de Little Feat quien brilla por completo en una aplastante ejecución del instrumento, mientras Cale deja salir un poco de esa manía que se manifestaría más claramente avanzada su carrera.

El tema que da el nombre al disco es la delicadez clásica de Cale manifestándose por completo, el pop y la música clásica enamorándose a primera vista, (You are a ghost, la, la , la , la) se convertiría más tarde en un eco en mi mente, y porque no decirlo el nombre de este blog), si, claro, Mc Cartney metió arreglos de cuerdas en Eleanor Rigby, pero nunca lo hizo con la maestría de Cale, una en verdad poco conocida pero majestuosa pieza que no por nada le valdría a Cale una reputación de orquestador maestro y que los pondría en la silla de productor de un buen números de grupos.

Graham Greene nuevamente es Cale uniendo en sagrado matrimonio el pop y la literatura, apoyado fuertemente por un complejo arreglo de batería, y un relato un tanto intrincado nuevamente sacado a flote por un brillante coro con un omnipresente corno inglés.

Ven que en ocasiones los artistas buscan hacerse de dinero rápido editando discos con motivos navideños cuando se acerca el fin de año, Cale nunca tuvo esta intensión en 1973, cuando edito este disco, sin embargo lo convirtió en uno de mis discos favoritos para escuchar en esas temporadas, y siendo muy honestos en cualquier temporada, Cale sabiamente envuelve un sin fin de sentimientos de añoranza, esperanza y nostalgia en un disco que brilla por su sutileza y buen gusto, la obre cumbre de Cale me atrevería a apostar sin temor a perder.

Mudhoney-Piece Of Cake

2012-01-17T00:16:00.002+08:00

Inusual disco de uno de los grupos verdaderamente “malditos” del rock, herederos de potentes bandas de “garaje” como los Kingsmen, los Sonics, Blue Cheer y los Stooges, Mudhoney nació de una de las mitades de Green River, la primer gran banda “underground” de Seattle, Green River era el sonido del “mainstream” encontrándose con el “underground”, los chicos que por años había sido fans de Kiss, Alice Cooper y Aerosmith y que repentinamente había sido maravillados por el DIY de la escena hardocre punk de los Black Flag, los Germs y Minor Threat, luego de discusiones internas el grupo se fragmento y una parte se fue a formar Mother Love Bone y posteriormente Peral Jam, la otra se convirtió precisamente en Mudhoney, banda en verdad inquieta que puso a la ahora famosa Sub Pop en el mapa, y que rápidamente huyó de Seatle, luego de que el “grunge” empezara a cobrar fama (al igual que los Melvins), y es que una cosa era muy clara para Mudhoney, no deseban ser una banda local, ni tampoco el “sabor del mes”, favorecidos fuertemente por la búsqueda del siguiente “Nirvana”, Mudhoney se encontró con un contrato para grabar con Warner Bros., situación que dejó a muchos boquiabiertos, ya que resultaba insólito que una de las bandas más reconocidas del “underground”, finalmente fuera “fichada” por un sello multi nacional, los Mudhoney sólo respondieron que lo habían hecho por que Warner había sido la disquera de Devo, una de sus bandas favoritas.

Piece of Cake es el debut estelar en las “grandes ligas” de Mudhoney, editado ene l año de 1992, Piece of Cake es todo menos un “debut”, una banda ya veterana, que no concede ni un centímetro a la comercialidad que se pudiera esperar del primer disco de una banda, aquí no hay nada de accesibilidad, de hecho Mudhoney (al igual que haría The Melvins), editan uno de los discos más extraños de su carrera, crean un sitio en dónde l punk y el “garaje” convergen por igual, y bueno otras cosas bizarrísimas, como el techno lo fi con que inician el disco, Piece of Cake, simboliza a los Mudhoney tomando con cero seriedad su debut (lo que en verdad era de esperarse), No End In Sight se convertiría en uno de sus clásicos, punk rock en el más puro estilo de los Stooges tocado con más convicción que cualquier otro contemporáneo, con un Mark Arm al frente del grupo, llevándolos a la manía total con una actitud heredada del mismismo Iggy Pop, un tema que da gusto cantar.

Despúes una oda al wah y al fuzz, “estandartes sónicos” de la música de garaje de los 60s, Make It Now, que también podría recordarnos esos temas de soundtrack que se usaban en esos años para acompañar las películas de motociclistas, tipo Easy Rider, con sus buenas dosis de psicodelia incluida, When In Rome continúa resaltando la influencia de los 60s sobre Mudhoney con un inició tocado en la farfisa de Arm, y la portentosa habilidad de los Mudhoney de crear coros en verdad pegajosos que se quedan en la mente, “el próximo Nirvana?”, no, ni cerca, pero una bestia completamente diferente que da gusto conocerla, Suck You Dry es otro clásico enorme para la posteridad, si bien Tocuh Me Im Sick se convertiría en el “himno” de la banda, Suck You Dry se convertiría en el sucesor, con un poderoso ritmo de bajo distorsionado, batería explosiva y la incursiones de guitarra de Arm y Steve Turner que de seguro tendrían a los ejecutivos de la Warner al borde del colapso, “debut comercial?”, Piece of Cake no lo es, para nada.

Piezas como Blinding Sun demostraban un Mudhoney que expandía sus horizontes, que si bien incluía más melodía, en ningún momento buscaba las mieles del éxito, al contrario, se volvía más y más extraño, “grunge?”, si, si quieren, pero no el “grunge” de Alice In Chains, de Pearl Jam o de Nirvana, sino el “grunge” original, la música apestosa de los Skin Yard, los Melvins y de Green Rivers, punks que amaban a por igual a Black Flag, a Minor Threat, y Black Sabbath o a Blue Cheer.

I´m Spun es el Mudhoney “más heavy” que pudieran esperarse, con esos ritmos como de “tornado”, gracias al brillante trabajo del baterista y de las guitarras, y Arm poseído por completo por espíritu de Iggy Pop, si bien este disco no podría compararse con el debut de los Stooges, mucho podría tener que ver con el Fun House, se dice que es el debut más barato de una banda desde el debut de Black Sabbath, barato si, ruidoso, apestoso, pero digno de admirarse, Mudhoney se va de frente contra las expectativas comerciales y edita uno de sus mejores y más atrevidos discos en una disquera en extremo conservativa, lo cual vuelve el evento doblemente disfrutable, agréguenle a esto las masivas dosis de humor que Mudhoney suele manejar en dónde nada es sagrado y todo puede suceder, sin duda Warner se encontró en sus manos con unos “Devo” que no podrían manejar y que no estaban dispuestos a conceder ni una pizca de su independencia.

The Flaming Lips And Yoko Ono-S/T EP

2012-01-13T00:34:00.000+08:00

Ha sido en ocasiones difícil seguir a los Flaming Lips (no tanto con los Radiohead, que de plano le dan al clavo en ocasiones y otras se van de boca por completo), si bien los Flaming Lips tuvieron un modesto inicio allá en los 80´s, en una hermosa era musical en el vecino país del norte que se cree que es todo América, con una gran ineptitud musical, pero eso si una fuerte dosis de creatividad, la banda se unió a ese grupo de músicos que optaron por fusionar sus orígenes y actitudes punk con el pasado psicodélico de la década anterior, sus primeros discos desplegaron una estética de banda de garaje muy dañada por las drogas, que si bien no los puso a la cabeza del movimiento, si los hizo formar parte rescatable de él, poco a poco yendo hacia una dirección musical más refinada, más pop, pero sin perder su esencia “underground”, los Flaming se fueron convirtiendo en los candidatos a ser los nuevos Jane´s Addcition, con un Wayne Coyne (líder de la banda) usando a los de Los Ángeles como base para “vender” su proyecto a la Warner Bros, porque no, si su sonido no estaba tan lejos de el Farrell y compañía?

Una larga relación con la casa del conejo Bugs los llevó a episodios verdaderamente “surreales” y porque no? Si Coyne siempre ha tenido algo de Willy Wonka, su extraña aparición en la serie Beverly Hills 90210 fue algo bizarro para una banda que apenas un par de años atrás tocaban con los Butthole Surfers, Husker Du y los Meat Puppets (íconos del nuevo sonido independiente estadohundidense), pero también sería en esta época cuando la banda daría sus primeras muestras de verdadera genialidad, añadiendo nuevos músicos y consolidando ese sonido psicodélico, parte Jane´s Addiction, parte los Replacements, parte los Beach Boys, que solía forjar Coyne, en lo personal, la banda me hizo “click” hasta el Clouds Taste Metallic, un disco soberbio en dónde el pop se mezclaba con “nubes” de verdadero “ruido metálico”, cortesía de Coyne que había sobre grabado su guitarra bastante distorsionada al final del disco y a la refinada visión musical inspirada en Brian Wilson, sería aquí cuando la chispa de la ambición despertaría en los FL, con posteriores discos que al igual que Wilson décadas atrás, encontraban un difícil equilibrio entre el agradable pop y la osada experimentación, el Zaireeka, The Soft Bulletin y Yoshimi Battles The Pink Robots, les dieron una reputación indestructible, sumado a un show multimedia extremadamente ambicioso los convirtió en uno de los actos musicales de primer nivel, tal vez por todo esto los FL perdieron un poco de piso después y discos posteriores como At War With The Mystics o Christmas On Mars casi se volvieron paródicos, excesos no requeridos que los frenaron un poco, algo que sucede cuando todos te hacen creer que no te puedes equivocar, corrigieron el camino con Embryonic, pero al parecer los Flaming pasaban por una etapa de creatividad desmedida, y ese deseo de hacer de los discos una experiencia más allá de lo musical solamente, inclusión de “gadgets” como dulces de goma, juguetes luminosos y demás que en mi humilde opinión se convertían en “distractores” y desmerecían la música, por otro lado un ep de colaboraciones con los Lightning Bolt me hicieron voltear nuevamente la mirada a ellos, el grupo retomaba sus raíces experimentales y volvía de nuevo a el formato adorado por excelencia en la escena independiente, el EP en un disco que pareciera darnos una visión extrema y de lo más retorcida de que le pasaría a Tom Waits si se le pasara la mano con el LSD.

The Flaming Lips and Yoko Ono es nuevamente otro EP grabado por la banda en conjunto con la genial “madre del noise”, la “bruja” favorita de todos, un interesante atentado a las estructuras musicales convencionales y a los que creen que los Flaming Lips es un mero grupo de pop, y es que ya de entrada The Fear Litany suena a esos soundtracks de película de ciencia ficción de los 70s, con esos teclados de gélida atmósfera líneas de bajo minimalistas y vocales apenas susurradas que pudieran recordarnos a Damo Suzuki en Future Days, Do It! Con sus percusiones tribales nos puede recordar definitivamente a los Can más exuberantes, manteniendo esa obsesión de Yoko por la repetición de letras minimalistas (no olvidemos la aplastante Why?), si bien en el Plastic Ono Band y en el Fly, Yoko estableció una extraña y telepática relación con el krautrock de los Can, pareciera que en esta ocasión ambas partes buscaran ahondar en ella.

Brian of Heaven me trae un poco a la mente la psicodélica desmedida de los Butthole Surfers, una pieza lenta en la cual las voces tanto de Coyne como de Ono toman el papel protagonista por primera vez en el ep, bañados en generosas dosis de reverb y ecos, formando una poderosa “pared de sonido” al más puro y maximalista estilo de Phil Spector.

Atlas Eets Christmas es posiblemente de lo más convencional del disco, un retroceso a lo más pop y maximalista de los Flaming Lips, recargándose bastante en su época del clásico The Soft Bulletin, mientras Yoko, también saca su parte más suave, esa que interpretaba junto a Lennon, Happy Xmas War Is Over, convirtiendo el tema en una de esas canciones que parecieran producirse con el único fin de ser cantadas en temporadas navideñas.

Un disco admirable, si bien con ciertas fallas, nada despreciable, prueba (otra más de las muchas) de la relevancia de Yoko Ono y su influencia y capacidad de trascender y adaptarse a los nuevos tiempos, así como otra prueba más de los Flaming Lips de querer seguir combinado el pop más comercial con la experimentación ambiciosa, y que hasta ahora han sabido llevar a cabo de una manera digna, esperemos que no se pierdan como los Sonic Youth (contemporáneos por cierto de los 80s)

Fourth World Magazine-The Spectacle Of Light Abductions

2012-01-11T07:11:00.001+08:00

Pasa algo curioso con los grupos cuando se dividen, claros ejemplos de esto están los At The Drive In (que sacaron su nombre de una canción de los metaleros pop Poison), cuando el grupo se separó surgieron Mars Volta y Sparta, Sparta conservó el sonido, una especie de evolución de los primeros Fugazi, Mars Volta mutó y adapto el rollo post punk y lo sumó a la psicodélica de los Syd Floyd (Pink Floyd con Syd Barrett), quienes se llevaron los aplausos fueron los segundos, un caso más que me gusta bastante Green River, esos chicos de Seattle de la era “pre grunge” que nunca fueron aceptados del todo por el mainstream ya que se acercaban mucho al sonidos de los Stooges (pues que no el grunge era una herencia musical de Iggy y sus chamacos?), Green River se dividió y Mudhoney conservó ese sonido sucio y la otra mitad se convirtió en Mother Love Bone y posteriormente en Pearl Jam, quienes finalmente se llevaron los aplausos, relativamente hablando, porque se convirtieron en apestados después de la caída del “grunge”, y en dónde bandas que buscaron a toda costa separarse del movimiento cuando surgió la etiqueta, como los Melvins y los ya mencionados Mudhoney, retomaron fuerza.

Valga mi larga introducción para mencionar un caso más y adentrarnos en el tema principal, los Skaters, esa banda de lo fi y drone que nos “atascó” de discos en la década pasada, con una producción en serie enorme que fácilmente nos hacía llegar 6 o 7 producciones por año, sin olvidar que trabajo de los Skaters se nutría del drone principalmente, los Skaters le dieron una nueva estética al noise, lo condujeron a través de nuevos canales, y lo llevaron a un alto grado de conceptualización, haciendo que este se fusionara con la parte kitsch del pop de los 80s, poco a poco se fueron permeando en su sonido sintetizadores y sonidos provenientes de aquellas épocas, “recuerdos vagos” de los Skaters de su infancia “ochentera”, luego de la disolución del grupo, no sabemos si definitiva o no, James Ferraro se metió en un rollo hiper abstracto, llevando el concepto de “pop bizarro” a la era digital, dándonos como resultado el Far Virtual Side, uno de los discos más significativos de vanguardia del año pasado, su compañero de los Skaters, Spencer Clark, se quedó custodiando el sonido de los Skaters, con menor repercusión, pero con una nueva obra que es importante resaltar.

Fourth World Magazine es el nuevo proyecto de Clark, y podemos afirmar que Clark ha seguido una línea muy clara desde su época con los Skaters, un sonido lo fi, que toma giros ritualísticos, en momentos, otras se adhiere un poco al dadaísmo de los primeros Residents y otras pareciera seguir un poco la senda de Warhol, tomando sonidos cotidianos y retorciéndolos a su gusto, Insectlightduct Enocunter pareciera recurrir un poco los experimentos de “loops” del maestro minimalista Steve Reich, presentándonos la repetición a grados extremos, que nos establecen una curiosa conexión directa con el mundo del Footwork procedente de Chicago, por otro lado, Clark nos deja bien claro que este trabajo consiste en un soundtrack para una invasión extraterrestre que pudiera suceder, tema que también lo liga directamente con los italianos My Cat Is An Alien en esos rollos cósmicos kitsch y en el uso de juguetes como pistolas espaciales para crear atmósferas y sonidos lejanos a lo común.

Sky-Brid Showers presenta percusiones de mano, y esos ejercicios distorsionados de sintetizador que resultaban característicos de los Skaters, algo que cabe resaltar en la nueva obra de Clark es que pareciera salirse un poco del rollo lo fi, que no llega a la estética impecable de Ferraro, si pareciera querer presentar una mejor producción y sonidos más claros, una clara muestra de madurez y seguridad en sus facultades como compositor, mientras que Starchild´s Birth es noise hecho con sintetizadores, noise sublimado, música llena de luz, que de alguna manera pudiera presentar alguna influencia de los primeros ejercicios electrónicos de grupos alemanas como los Popol Vuh (antes de que se volvieran acústicos y dejaran la electrónica), claro ejemplo de ello sería Starswept podría ser el momento más claro del disco, los teclados predominan y pareciera que por un momentos Clark se olvidase de los 80s y nos mandara en un viaje sin escala a finales de los 70s a esa época en que los alemanes se pusieron a experimentar con la electrónica buscando alejarse de los clichés del rock estado hundidense.

The Spectacle of Light Festival pudiese ser una versión lo fi del trabajo de los Emeralds, saturando el espacio de una mezcla de sonido sintetizado y ruido, Clark nos presenta una curiosa mezcla de sintetizadores, sonidos difíciles de identificar y abstracción casi total, algo un tanto cercano a esos discos que hizo Eno con Fripp en dónde los músicos se “bañaban” de incesantes ecos e iban tejiendo una telaraña de sonidos, convirtiéndolos en eternos loops que se repetían una y otra vez.

Da gusto escuchar que el legado de los Skaters sigue ahí, y según Ferraro el proyecto no está muerto y que algún día regresaran, con Ferraro, tanto con Clark es difícil saber si están diciendo la verdad o están bromeando, por un lado Ferraro afirma que es miembro de la Iglesia de Lenny Kravitz y por otro Clark señala que el próximo proyecto de los Skaters será un disco con puros sonidos extraídos de la película de James Cameron Avatar…

Cloud Nothings-Attack On Memory

2012-01-11T03:45:00.000+08:00

Hubo una “época dorada” dentro de la música independiente estado hundidense, no confundir con el espantoso término “alternativo” etique fácil de uso recurrente en el ignorante, esa época en que Nueva York nos traía a los Sonic Youth y a los Pussy Galore, en la otra costa luego de la estela sónica dejada por los Black Flag, emergían las bandas de la SST Records con bandas como los Meat Puppets, Soundgarden y los mismos Sonic Youth, los Butthole Surfers de Texas, los Dinosaur Jr de Boston, Fugazi y los artistas de la Dischord en Washington, y de la (pre-Seattle) sagrada cuna del rock guitarrero en los Estamos Hundidos de Amnésica, Minneapolis, de dónde saldrían los Replacements, los Husker Du y Soul Asylum, casi nada verdad?

Una época en que, como decían los Flaming Lips, los “punk empezaron a consumir acido”, el convaleciente hardcore punk desaparecía y se encontraba con su antecesor, la música psicodelica, dejando la semilla para una nueva generación de músicos que igual amaban a Jim Morrison, a Lou Reed y a Johnny Rotten, que como Husker Du, mostraban una gran madurez y asimilaban la influencia de las generaciones anteriores y las empataban con la siempre vital energía de la escena punk, en verdad esa es una de mis épocas favoritas dentro de la música de décadas pasadas, y cuando el “underground” del vecino país del norte en verdad produjo joyas de enorme valía musical.

Que sirva esto de introducción para el disco de los Cloud Nothings, Attack On Memory, banda procedente de Cleveland, alguna vez hogar de los Pere Ubu, Devo y los Dead Boys (otra vez, casi nada…) y que pareciera vivir en un permanente estado de nostalgia y añoranza por esa época en que las guitarras y una re valoración masiva de bandas como los Stooges y los MC5 reinaban entre las juventudes, una época en que la guitarra eléctrica era el “arma de destrucción masiva” preferida y en que el rollo este de la música digital no era tan predominante, no suelo vivir en la nostalgia, aunque tampoco olvido la buena música hecha en años anteriores, ya que mucha de ella carece en realidad de una temporalidad, pero también hay que resaltar que la música de los Cloud Nothings es una inútil añoranza de una época que no va a volver, nos encontramos en un tiempo en que por un lado, la esencia del “grupo” comienza a desaparecer, con cada vez más actos individuales, por otro lado el espíritu de los estudios de grabación, es algo ya decadente en nuestros tiempos, con una presencia cada vez mayor de las grabaciones caseras y digitales, esto último como alusión a la inclusión del legendario Steve Albini como ingeniero de sonido, y es que precisamente Albini fue una pieza clave de esas épocas doradas, con sus Big Black.

En lo personal el disco no lo considero como un producto malo, pero si un producto lleno de nostalgia, fuera de tiempo y carente en realidad de mucha trascendencia o que pueda tener mucho futuro, tal vez una alternativa al decadente pop punk tan presente en estos días, sería difícil ignorar un trabajo en el cual está inmiscuido Albini, pero parte del talento de Albini es “dejar ser” al artista, y en este caso, eso significa permitir que el artista reviva el cadáver del rock independiente de los 80s, que ante los avances de la tecnología, se presenta como algo sorprendentemente primitivo y sin mucha complejidad.

El post punk inglés que tanto se negaron a aceptar los estado hundidenses (por su doble moral principalmente) y que prefirieron rebautizar como “grunge”, “alternativo” y demás calificativos, a pesar de ser esencialmente lo mismo, es el principal elemento de la música de estos cuates, que si bien, no está mal hecho, ni mal ejecutado, ni mal grabado, carece en realidad de un sonido original, o por lo menos significativamente relevante que les pudiera por lo menos dar una oportunidad, one shot, como algunos tuvieron, como los Strokes la tuvieron reviviendo el espíritu de la Velvet Underground a nivel comercial, o de una vertiente creativa trascendente que los pusiera en los mismos terrenos que los recientemente resucitados Guided By Voices en el “underground”.

Como dicta uno de los diálogos de David Lynch, en Lost highway, "Prefiero recordar las cosas a mi manera" y no como en realidad sucedieron.

Bjork-Mirlo Vokuro (Ghostindamix), Video

2012-01-11T02:29:00.000+08:00

Un remix hecho hace unos meses...

Inroads Volva-Something´s Got To Give Up, Video

2012-01-11T02:26:00.000+08:00

Algo de las últimas grabaciones hechas como Inroads Volva, rollo electroacústico.

Stare Case-Lose Today

2012-01-11T00:27:00.000+08:00

Disco editado en el 2011, parte de la familia de los entrañables Wolf Eyes, y digo familia ya que dos de sus miembros (o sea dos tercera partes) forman parte de este proyecto de nombre Stare Case, la banda argumenta que el concepto principal de este disco es una re valoración del blues, tendríamos s que ver a que tipo de blues se refieren, ya que aficionados a Stevie Ray Vaughn o a BB King no encontraran mucho de interés aquí, la verdad es que si hay algo de ese sentimiento de nostalgia y tristeza del blues, algo de su naturaleza mutante de origen y de sus a veces fantasmales alegorías, si recordamos por ejemplo la música los primeros “bluesisteas” como Charlie Patton o Robert Johnson, sus leyendas eran casi de seres fantasmales que interpretaban tristes melodías heredadas de tradiciones milenarias (algunas datan hasta la misma Etiopía, que según estudiosos es la nación más antigua del mundo), y rara vez eran dogmáticas, es decir, en el blues original no había verso-verso-coro-verso-verso, sino que la música era más cercana a su “primo”, el jazz. Desde este enfoque y con el también antecedente del blues “fantasma” de el tejano Jandek, contamos con bases firmes para poyar la teoría de los Stare Case sobre sus “blues”.

Nate Young, vocalista y “ruidista” principal de los Wolf Eyes es la “cara” principal del grupo, proporcionado no sólo la voz, sino también debutando como bajista, la voz de Young a diferencia de lo que conocemos en los WE, no se rodea de incesante distorsión y está muy alejada de ese “monstruo” que conocemos, su voz, si acaso, aquí sólo se hace acompañar de espectrales ecos, mientras que el bajo en realidad a pesar de ser uno de los protagonistas del sonido se limita a líneas muy minimalistas que se repiten una y otra vez, carentes de intensidad, pero transformándose en un instrumento de la lánguida emotividad que inunda el disco.

Po otra parte tenemos a John Olson, quien aportara saxofón y clarinete (entre otros sonidos) a los Wolf Eyes (o sea el único de los WE que quedó fuera aquí fue Mike Connely) pareciera por mucho seguir con su estilo propio, introduciendo líneas de sonido de manera parca, sin saturar la atmósfera, su clarinete suena en momentos muy puntuales, las atmósferas suenan igual de lejanas que en los Wolf Eyes, pero mientras que con ellos la lejana amenaza se pócima peligrosamente en momentos, en Stare Case rara vez llega a convertirse en una amenaza inminentes, Days Like Faces es muy cercana al ya mencionado Jandek, menos obviamente la guitarra de este.

First Fire pareciera la sombra de los Wolf Eyes haciéndose más presente con la esquelética electrónica haciendo eco a Detroit y su techno, pero aquí no hay mucho espacio para lo digital y entre el bajo en verdad “comatoso” y las escasas percusiones tribales (en este caso maracas), poco queda para la modernidad, este sería el sonido apocalíptico de las plantaciones sureñas del futuro, mientras arden consumidas por el fuego.

Por momentos, como en el inicio de Lose Today, pareciera que los Stare Case hicieran referencia a una de sus viejas influencias, los Throbbing Gristle, por momentos el ruido se hermana con el silencio, de la misma manera amenazadora que los ingleses comandados por P-Orridge, si bien los Wolf Eyes, han sabido establecer una poderosa leyenda convirtiendo en una admirable “fealdad” todos los residuos sónicos del dub el free jazz y el techno, los Stare Case se abocan al blues más primitivo y lo emparentan tangencialmente con un muy minimalista espíritu de la música industrial.

Dont Get Caught avanza de manera lenta, tenebrosa, con el saxo de Olson en ocasiones asomándose, dando la cara, llevando de una manera por demás curiosa la narrativa de este disco, buscando su lugar alternándose con la voz de Young.

Toda una experiencia de “sonido”, tal vez no musical, Stare Case han creado una nueva bestia (en disco, ya que el proyecto ya tiene años funcionando) que si bien muy difícilmente se desmarca del fantasma de los Wolf Eyes (como podría con dos tercios del grupo?) tiene una visión propia, que se embebe de los mismos paseos por el dub, coqueteos con el ruido y la electrónica muy primitiva de su grupo base, pero que sabe llevar correctamente una nueva dirección, que podría resultar una experiencia valiosa a la hora que ambos miembros decidan retomar el rumbo con su grupo original.

Evan Parker, Derek Bailey, Han Bennink-The Topography Of The Lungs

2012-01-10T23:15:00.000+08:00

Disco acreditado de inicio a Evan Parker, editado en 1970, pero que cuenta con la participación de otros dos GIGANTES de la libre improvisación y el free jazz, Derek Bailey (uno de mis héroes de la guitarra) y el siempre impresionante Han Bennink, este disco es un parte aguas en la historia del free jazz y abre paso a la nueva libre improvisación, llevando al extremo de libertades esa vertiente salvaje del jazz estado hundidense, los europeos de esas épocas turbulentas (muy similares a las que estamos por vivir), optaron crear su propia vertiente completamente libre de cualquier tradición, “música nueva”, nacida de una bastante rebelde.

Titan Moon no sería algo que nos sorprendiera a los fans de los Wolf Eyes, Black Dice, John Zorn o más recientemente Lightning Bolt o Red Horse, pero si tomamos en cuenta que esto fue concebido en 1970, estamos hablando de música que en verdad se adelantó más de 3 décadas su tiempo, con un Bennink creando un nuevo idioma en la batería, derrochando a la vez energía al por mayor, Bennink no sólo usa la tradición del “free jazz” de los “poliritmos”, la despedaza y crear una suya propia a partir de ellos, Bennink es un torbellino, no se limita a colorear, como hacían los sus antecesores, no sólo rechaza los ritmos ordinarios, escupe la pintura sobre el lienzo al más puro estilo de Jackson Pollock y destruye cualquier noción conocida de ritmo, reemplazándola por el ritmo de sus emociones, del momento, de lo que le dicta su insitito, por otro lado, Parker, un estudioso de los últimos y más vanguardistas años de Coltrane intenta amalgamarse con el poderoso avance rítmico de Bennink, “colándose” por momentos, filtrando líneas curvas e intrincadas de sonido, al tiempo que Bennink no concede territorio, repartiéndose entre los tambores de la batería y un sin fin de percusiones.

Cabe destacar que Bailey pareciera buscar un entorno más individual, cuando Parker o Bennink replantean su estrategia sónica es cuando Bailey entra en acción, su estilo aún en estado embrionario se sitúa admirablemente entre dejando una tradición y adoptando un idioma propio, podemos afirmar que no es Bailey en su máxima condición y que queda un poco falto de peso ante los otros dos monstruos de la improvisación, pero en el momento que toma el mando, no deja de impresionar.

Fur Peter B & Peter K, un homenaje a Brotzmann y a Kowald, dos más de los participantes originales de este movimiento y que un año antes habían arrojado la “bomba” conocida como Machine Gun (dando el banderazo inicial a la libre improvisación), pieza fundamental de la escena Berlinesa de jazz libre y a la cual Topography of The Lungs pareciera una respuesta, o una señal de reconocimiento y hermandad (más tarde estos 5 músicos participarían juntos en un sin fin de festivales, presentaciones y discos.)

Fixed Elsewhere nuevamente es comandada por Bennink, quien pareciera en verdad ser la pieza central de este torbellino, mientras que Parker busca sus espacios, el genio creativo de Parker le permite en ocasiones acompañar y otras inclusive anticipar el ataque de Bennink, para esta época ya era visible un altamente desarrollado estilo propio por parte de Parker, quien se aleja de la abrasión y poder de un Peter Brotzmann (más influenciado por Ayler y el blues) por una tendencia mayor a la intelectualidad, a intermitentes y constantes descargas de sonido, cuyo único antecedente podrían ser esas sesiones brutales de John Coltrane y Rashied Ali que daban paso a una descarga intensa de energía que se transformaba a gran velocidad en algo abstracto, amorfo e intrigante.

El disco cierra con Dogmeat, un verdadero rompecabezas musical, la base arrítmica de Bennink se ausenta de inicio y permite que Parker y Bailey por primera vez en el disco establezcan un singular dialogo, la grandeza futura de Bailey empieza a dar muestras de lo que está por venir, mientras que Parker, cual sabía ave descarga melodías al por mayor con gran intensidad, ambos instrumentos se comunican y finalmente se combinan con la poderosa descarga de Bennink que pareciera buscar alcanzarles de manera afanosa, para posteriormente darles un descanso.

Un disco revolucionario (tanto como el Machine Gun) que se separa de todo lo conocido a la época, que es de admirarse profundamente por su inalcanzable búsqueda de “algo más”, de romper con tradiciones, dogmas y paradigmas, un salto al vacío en busca de la “energía” dentro de la música y que serviría de inspiración futura al mismo proto punk y más adelante al punk rock y demás géneros que tratarían más delante de romper con más paradigmas, un punto muy alto en la carrera de Parker, Bennink y la promesa de una gran carrera por parte de Bailey.

Yamantaka // Sonic Titan- YT//ST

2012-01-10T08:14:00.000+08:00

Que viva el intercambio cultural el mestizaje y no se que más cosas que hacen de este mundo algo en verdad interesante, y que mejor prueba de ello que la banda formada por Ruby Kato y Alaska B, ambos canadienses pero de raíces orientales, cabezas del la banda conocida como Yamantaka//Sonic Titan, si, no conformes con un nombre que en cierta forma nos remite al alguna vez vocalista de los intensos Hanatarash y los bizarros Boredoms, esta banda tiene dos nombres, el segundo me recuerda ese disco de los Sleep, el Dopesmoker, cuyo demoledor tema principal ocupaba todo el disco (y al que no le guste que le adelantara al siguiente tema, como decía Buzz Osbourne de los Melvins cuando hicieron un disco con un solo tema),

Yamantaka // Sonic Titan banda bastante oscura y poco conocida, con una mezcla en verdad volátil que vale la pena conocer, provenientes de Canadá, tierra de sofisticados y “gruesos titanes” como Rush, Voivod y los Menace Ruine, bandas que por años nos han dejado con la boca abierta con su despliegue tanto de técnica, como de uso de extremos sonoros, una banda con dos nombres, cosa más original, que en su nombre reconoce básicamente la suma de las culturas que conllevan sus integrantes.

Voces masivas, muy al estilo de los Animal Collective en momentos, o del Panda Bear más inspirado, esos corros bañados en “chorus y reverb” que asemejan coros masivos de vocalistas, en este caso llevados a cabo por Ruby Kato y santificados por el tremendo titán de la batería Alaska B, definitivamente las vocales de Ruby Kato dan un giro inesperado a la música, la saca por completo de cualquier contexto, le da un toque pop elegante y hasta cierto punto espiritual, no el tipo de vocales que estamos acostumbrados a escuchar, pero siempre serán agradecidos, Queens es pura belleza vocal, acompañada por la sensación de que algo aparecerá, y así es, los bestiales ejercicios de batería de Alaska B aparecen y dan una sensación de pesada movilidad a la pieza, una banda poderosa como pocas que integra sofisticados y primitivos sonidos a la vez, una orientación pop que repentinamente se pierde y nos deja en territorios experimentales no aptos para cualquiera, esas vocales que me remiten un poco al “pop francés” con el que solían aderezar sus temas los Stereolab, pero a la vez esa visión espiritual de los Magma (segunda referencia a Francia con este grupo, muy probablemente relacionados con la dualidad francesa/inglesa de Canadá.).

Un disco que se aproxima bastante a lo conceptual, a esa operas cósmicas de los Magma de Christian Vander (sin el idioma creado para este fin, claro), que envuelve esa pesadez y solidez en un halo cósmico psicodélico pocas veces antes visto, por un lado, baterías que harían a Klaus Schulze ponerse celoso, ritmos que van de los doom a lo prog, vocales que nos traen lo más apacible del j-pop y después nos desgarran los tímpanos con ejercicios abrasivos como los que nos ha acostumbrado la madre cósmica del noise Yoko Ono.

Hoshi Neko abre con un brillante ritmo de batería, que nos hace preguntarnos porque no todos los bateristas se embebieron de la influencia de Klaus Dinger y aprendieron a llevar un ritmo persistente hasta lo más humanamente posible, una banda que sabe mostrar dureza y a la vez sumarla a un inexplicable lado sensible, lo más parecido al pop y de un encanto inmediato difícil de resistir.

A Star Over Pureland y Crystal Fortress Over The Sea of Trees son puro stoner rock con tendencias cósmicas progresivas, un ritmo duro e insistente, baterías que suenan gigantescas, y el sonido de sintetizadores y guitarras distorsionadas al unísono, vocales que se pierden en un torbellino coral que pareciera hacer alusión a una Yoko Ono de lo más alucinante y acida en una extraña misa que une en matrimonio los cantos nativo- americanos de unas Pocahaunted, con el rollo japanoise de unas OOIOO, el encuentro entre el este y el oeste en una colisión de verdad, cataclísmica, de esas joyas inclasificables con las que suele encontrarse uno y se pone a pensar si nuestros más locos sueños han hecho eco en alguien que los pueda llevar y volverlos una realidad.

RESISTENCIA VIVA-Resistencia Viva, Martyrs Of The Modern Era Records 013!

2012-01-08T02:10:00.000+08:00

RESISTENCIA VIVA

Resistencia Viva

Martyrs Of The Modern Age 013

Recorded In December 2011 at Shared Fortress
All music composed, executed, recorded and mixed by: RV
Instruments used for this recording: Keys, drum machines and FX.

01 Untitled 01
02 Untitled 02
03 Untitled 03
04 Untitled 04
05 Untitled 05
06 Untitled 06

Awesome and extreme intense techno form Monterrey!

DL: http://www.mediafire.com/?08n3mvntzbcoi9a

Lou Reed-Magic & Loss

2012-01-07T02:35:00.000+08:00

Dicen que los discos de Death Metal solo hablando de muerte, un tema bastante serio para ser tratado por un montón de chicos rebeldes y furiosos no? Pero que tal cuando el poeta maldito del rock decide hacerle frente al tema más serio de todos, luego de vivirlo de manera muy cercana, estamos hablando de Lou Reed y el disco que editó en 1992, el clásico Magic & Loss, un disco que para muchos puede resultar “demasiado fuerte”, “demasiado serio”, o simplemente muy poco comercial, pero eso es algo de difícilmente asustaría a alguien como Lou, por el contrario, debe resultarle fascinante.

Reed a finales de los 80s y principios de los 90s había dejado muy en claro gozar de una madurez superior para los canta autores de la época, con discos como Mistrial y New York, Lou en verdad estaba creando canciones de un alto grado intelectual y descaradamente personales, hablando de su infancia, su adolescencia, su familia, su vida, atrás habían quedado esos temas de las calles, las drogas y las parrandas en Nueva York, y Reed se encontraba en una etapa en verdad con los sentimientos “a flor de piel”, tanto que luego de verse afectado personalmente por la muerte de dos amigos suyos, bastante cercanos, Reed decidió usar el proceso e la creación de este disco a manera de diario y terapia a manera de sobrellevar el suceso.

Reed es único al momento de tomar temas que pudiesen resultar muy complejos para cualquiera, evita a toda costa los clichés, trae nuevos puntos de vista sobre el tema y lo ataca de las maneras más inesperadas, un disco que de inicio posee una sensación de miedo y temor abrasadora, Reed comienza a descargar sus letras con firmeza, algunas veces haciendo remembranzas de los caídos, otras reconociendo la bravura con la que se enfrentaron a la muerte, las reacciones a sus alrededores y muchos cuestionamientos a si mismos, algunos que en verdad resultan sorprendentes, enriquecedores, y aleccionadores, Reed nos da probablemente una de las lecciones esenciales en la vida, y a su vez, de las más difíciles de entender, “la muerte es parte de la vida”, en lo personal este disco lo escuché muchas veces, me costó trabajo entenderlo y valorarlo, tal vez porque en esa época mi edad no era la adecuada, lo que yo había vivido no me hacía apto, y porque en verdad, uno sólo entiende la muerte hasta que la ve cerca.

En este caso la muerte de mi madre sucedió años después de que me topé con este disco, por alguna razón extraña, mientras mi madre pasaba por su enfermedad, escuchar los temas me hacían entender la situación, me ayudaron a conocer que pasaría, porque pasaba y en que iba a terminar todo, entendí que era algo que tenía que pasar, inevitable, muy doloroso, pero que en si, la muerta era el gran festejo, el gran premio de la vida misma, era un espectáculo tan enorme como el nacimiento.

Los temas fluyen con un paso fúnebre, Reed crea atmósferas densas, difíciles, en momentos asfixiantes, el sentimiento de tragedia esta por todos lados y en cada uno de los temas, pero no como algo aberrante, como algo injusto, sino como algo natural, algo que debe pasar y que debemos aprender a aceptar, que no es una injusticia de la vida, sino la justicia de la naturaleza misma del hombre.

Musicalmente el disco es impecable, en momentos se presentan pasajes acústicos, otros, los sintetizadores se hacen omnipresentes, Reed siempre se ha sabido acompañar de músicos brillantes, sobre todo en los años más recientes de su carrera, en especial los bajistas, pareciera que Reed siempre quiera tener a los mejores bajistas, en ocasiones Reed saca a flote su pasado, nos hace llegar riffs de guitarra duros, Reed se convierte en uno de esos artesanos tan especiales, que saben sacarle la belleza a las situaciones más adversas, hay intensidad através de todo el disco, pero un tipo de intensidad meramente emocional, que traspasa la piel, los huesos y todo nuestros sistema, Whats Good, Power And Glory, Sword Of Damocles, Warrior King y Gassed and Stoked son soberbios y Goodbye Mass es capaz de hacer sacudir el alma del más duro, Creamation y Dreaming es puro sentimiento, casi nos lleva al llanto, pero es de ese llanto que se goza, del que nos hace saber que estamos vivos y que las cosas suceden siempre por algo y que la muerte es sólo la confirmación de que la vida tiene sentido vivirla, rara vez alguien nos trae un tema tan mórbido, pero con tanta sabiduría, quizá sólo Brel, gracias Lou!

Entombed-Left Hand Path

2012-01-07T01:57:00.000+08:00

Lo que me terminó resultando más agradable que nada en los inicios del Death Metal sueco, fue que la influencia principal del movimiento, por inverosímil que pueda resultar, no era el heavy metal, sino el punk, de ahí su distintivo sonido, mucho más crudo que el Death Metal que se estaba haciendo en los Estamos Hundidos de Amnésica, el cual de alguna manera estaba entrando en una nueva era de profesionalización, y de progresiva mejoría en la técnica, el legendario Morrisound estudio en Florida se había convertido en la “meca” del Metal extremo y sus producciones cada vez brillaban más con su fino detalle y compacto sonido, algo que definitivamente no fue muy bien aceptado por los fans europeos, muy acostumbrados al sonido crudo y sin pulir de gente como los Venom, los Hellhammer y en mayor parte Bathory (precisamente de Suecia).

Nada me preparó para aquel sonido de guitarra, una sierra eléctrica atravesando asqueroso fluidos, es la única manera en que pudiese describir ese sonido logrado por los suecos de Entombed a través de años de experimentación, de adoración del hardcore punk y de actos extremos como los ya mencionados Bathory, pero Entombed no era una banda cualquier de Death Metal, adoradores por igual de Discharge, Sonic Youth, Slayer, Motorhead, GBH, los Misfits, Repulsion y Kiss, la banda desplegó un singular ataque rabioso del Death Metal más crudo que se pueda recordar en su época, editado en el año de 1990, que manera de recibir los 90s, por parte de la Earache, disquera inglesa que en aquellos años nos destrozó los oídos a muchos con un extenso catalogo de los sonidos más extremos y originales del plantea, bandas que rara vez sonaban una igual a la otra y en dónde el gore de Carcass, el grindcore de Napalm Death, el industrial extremo de Godflesh, el death metal altamente técnico y denso de Morbid Angel y el cyber death de Nocturnus encabezaban uno de los mejores “rosters” que una disquera pudiese tener y entre ellos estaban los Entombed.

Entombed no eran principiantes precisamente, habían iniciado su carrera como Nihilist y luego de hartarse de su vocalista lo echaron y reiniciaron su carrera como Entombed, el sonido, “ese sonido” tan característico de la guitarra lo había desarrollado por años y bandas como Unleashed (dónde estaba su viejo vocalista), Grave y Dismember también lo compartían, Left Hand Path además de nombrar el disco es la pieza con la que abre, decir “dinamita pura” es un gran cliché, pero en este caso no lo es, es la carta de presentación original de la banda

“What man has created, man can destroy, bring to life, that day of joy…” gritaba Lars Goran Petrov, vocalista de la banda, y son palabras que al día de hoy no puedo olvidar, siempre las tengo en mi mente, un gancho muy bien arrojado que al día de hoy me tiene cautivo y que seguido vuelvo a la pieza para escucharla y disfrutarla nuevamente, porque eso es algo que tengo muy presente con respecto a la música de Entombed, realmente SABIAN escribir canciones, sabían como engancharte, no era como se dice “all guts and no fun”, era un hecho que la banda tenía piezas musicales repletas de energía, poder e ingenio, construían sus canciones de una manera compacta, ágil e interesante, los temas, las tonadas, las melodías, las letras permanecían en la mente mucho tiempo después de que se terminaba el disco, y esa imagen del grupo al lado de una cruz enorme, siempre me ha perseguido.

Entombed eran verdaderos rocanroleros que habían ido hasta los extremos más bestiales del genero, pero que habían sabido mantener eso que los veteranos llaman “swing”, sus canciones te movían, te sacudían y no te soltaban hasta terminar, tal vez por ello la banda fue evolucionando a un sonido más…no accesible, tal vez más compacto, más intenso y un tanto menos crudo, Death n Roll le llamarían algunos, un hecho es que la banda era mucho, mucho más que una simple banda de Death Metal y que su imparable energía los llevaría muy lejos, la banda nos traería muchas joyas más, Clandestine, Wolverine Blues (en dónde abrasan de lleno el Death N Roll), Uprising, y Morning Star (que en verdad me agrada bastante), piezas de un catalogo excelente y brutal y una banda difícil de clasificar y de descartar para el futuro, a pesar de sus más de dos décadas de existencia.

Death Grips-Exmilitary

2012-01-06T00:10:00.001+08:00

Como muchos, empecé en esto escuchando rock, entre mis grupos favoritos hace años estaban Kiss, Alice Cooper, mucho de ese llamado “shock rock”, si claro, te das cuenta que el rock era puro SHOW, empieza a indagar, a buscar cosas más reales y te vas topando con distintos tipos de música, si me preguntan, bueno que música te gusta? La música de catarsis, esa en la cual se descarga un sin fin de emociones, que me permite subirme al “tren”, y olvidarme un poco de mi propio tren de vida, o por lo menos ayudar a hacerlo un poco más llevadero.

Death Metal, Grindcore, Industrial, Hardcore, Free jazz, Electrónica dura y demás cosas empiezan a surgir por todos lados, te das cuenta que esa cosas de las camisas negras, el cabello largo y las botas industriales terminan convirtiéndose en una prisión igual de insoportable que la prisión de la que venías escapando (sacos, corbatas) y te das cuenta que nada de eso es verdadero, es pura imagen, eso es lo que me ofrece el rock?, no soy fan del rock, detesto el rock, lo escucho como lo que es, una gran broma, no me malinterpreten, me sigue gustando Kiss, pero no los tomo en serio, después de todo ya saben de los que se trata Ki$$ no?

Todo esto viene a colación por un artículo que leía hace décadas, dónde artistas de hip hop manifestaban estar en un nivel de actitud rebelde equivalente al de los rocanroleros de los 50´s, Elvis, Buddy, Berry, pon el nombre que quieras, y saben que? Me di cuenta que era verdad, que mucho de ese “rock” de los 80´s y 90´s había perdido la actitud de rebeldía con la que el movimiento había nacido, se había convertido en un producto más, en un código y en un artículo de consumo, un instrumento más de manipulación de las juventudes, el hip hop de alguna manera ofrecía un escape a todo eso, verdadera música rebelde, pero ya saben como es esto, las tendencias más vanguardistas de hoy, se convierten las “modas” del mañana y el hip hop se convirtió en el “pop” de los últimos años, una nueva herramienta opresiva en manos de mentes ambiciosas que buscan como controlar a los jóvenes y venderles lo que sea.

Benditos 10´s, hay nuevo hip hop, o algo parecido, mutaciones que se salen de lo establecido, que retan a los medios, que se desmarcan de ellos, no, no nos venden “ropita” como el Wu Tang Clan (a quien musicalmente respeto), no nos presumen a su esposa como Jay-Z, o no nos presumen reloj de oro y una vida de lujos como Kanye West (quien musicalmente no deja de ser interesante), y por otro lado tampoco caen en los “horrendos”, en verdad “horrendos” excesos del género, ya saben, drogas, pandillas, armas, violencia, degradación de la mujer, promiscuidad, homofobia, superficialidad, estamos ante una gloriosa nueva era del hip hop, dónde la experimentación está a la orden de día, dónde las propuesta vienen de cualquier parte del planeta y no sólo las costas este y oeste de los Estamos Hundidos de Amnésica, el hip hop se ha vuelto universal, quien lo habría pensado Dj Kool Herc, pero así es.

En el 2010 disfrute de verdad el enorme Flockaveli de Waka Flocka Flame, un cuate del sur del vecino país del norte, una región bastante relegada en décadas anteriores, y cuya voz cada vez pareciera escucharse más fuerte, WFF hizo uno de los mejores discos de hip hop del 2010, un disco que difícilmente podría considerarse mainstream, ya que su contenido era por demás explosivo como para ser ignorado, pero que a la vez debió incomodar a más de uno, hip hop del sur?, hip hop agresivo y que no busca el radio? La música que escuchan los guerreros antes de la batalla.

Todo esto para llegar a Death Grips y su sobresaliente Exmilitary, disco editado en el 2011 y que convoca mucho de ese hip hop agresivo, lleno de energía, la “voz del pueblo”, la “voz de los oprimidos”, la “voz de la revolución”, si como alguna vez lo fuera el rock n roll, un hip hop que se acerca mucho a su “descendiente inglés”, el volátil y claustrofóbico grime (como en Thru The Walls, precisamente, o en Lord Of The Game) , música que igual absorbe influencia del underground, como otros proyectos semejantes (The Bug y El-P), para traernos música turbulenta para tiempos turbulentos.

Mc Ride se luce al frente del proyecto, con una voz que si bien no posee los decibeles endemoniados de un Chuck D de los legendarios Public Enemy, si posee una actitud muy similar, una voz que fácilmente puede llevar el peso del proyecto, Si Waka Flocka Flame nos maravilló con sus gruñidos en el 2010, ahora toca el turno a MC Ride, esto es hip hop extremo.

I Want It I Need It lleva un sendo “sample” de mis adorados Syd Floyd, (si Pink Floyd con Syd Barret) que nos deja bien avisados que esto se aleja del hip hop tradicional (aunque bueno, nada nuevo tampoco, los Beastie Boys metieron “samples” de ellos (de quien no?), en el clásico Paul´s Boutique (en una epoca en dónde los abogados y las leyes aún no se metían en el rollo de los “sampleos” y se podían hacer maravillas como esas, Blood Creepin se acerca poderosamente a ese rollo de Waka Flocka, con gruñidos y gritos dotados de furia suficiente para “erizar el cabello” a más de uno, Guillotine con sus bajos ultra graves que congelan la sangre, Spread Eagle Cross The Block contiene su buena dosis de ruido (cortesía de Zach Hill, de los Hella, quien se rumora colaboró en este disco) y ese enorme “sample” de la guitarra del inmortal Link Wray.

Un disco “redondo” con “samples enciclopédicos”, que hacen referencia a artistas como Arthur Brown o Black Flag, no la acostumbrada dosis de funk o soul que se ha vuelto también un cliché en el genero, ritmos “pesados” que cambian de manera intempestiva, música de guerra, soundtrack para tiempos violentos y una sacudida al sistema, que se agradece y se disfruta de igual manera.

Clams Casino-Instrumentals

2012-01-05T07:46:00.000+08:00

Ya iniciado el año y aún no comienza la ya esperada producción de música nueva, pero bueno, conviene usar estos días para retomar un poco algunas cosas de las que no platicamos y de las que es justo resaltar y no olvidarnos y que hicieron del 2011 un año bastante disfrutable musicalmente hablando.

Las “estrategias oblicuas” son un juego de cartas con propuestas, algunas un tanto ambiguas, otras cortas y directas, en cuyo diseño estuvo envuelto Brian Eno, son propuestas diseñadas para “desatacar” proyectos, creaciones o diseños que pudieran detenerse por bloqueos de creatividad, propuestas como: “Revisa si falta algo”, Deshazte de las formulas que usas”, “Haz una lista de pendientes y realiza el último”, frases que se prestan a la ambigüedad pero que en cierta forma re plantean la manera de realizar un trabajo, Eno se volvió abanderado de ellas, y las reconoció como de gran ayuda en su trabajo, y quien va discutir con uno de los grandes “gurús” de la innovación musical de las últimas décadas?

Ahora hablemos del buen Clams Casino, chico de Nueva Jersey que con este pseudónimo se lanza a crear o producir la música de hip hoppers como Lil B, Souljah Boy, etc, pero que puede tener de especial el tal Clams Casino y que relación puede tener con Brian Eno? Pues la respuesta creo que sorprendería al mismo Clams, pero su extraño modus operandi recae mucho en las técnicas para hacer cultivar la creatividad creadas algunas y adoptadas otras, por Brian Eno en los 70´s, y es que de inicio la manera de proceder musical mente de Clams es totalmente…digamos…poco profesional…, su música es creada en una vieja computadora personal de sus padres (ni siquiera en las ya convencionales lap tops), Clams busca a través de eso programas para “bajar música” como Limewire, etcétera y según su estado de animo hace su búsqueda con palabras como “azul, verde o amarrillo”, u otras como “caliente, frío, triste”, etcétera, lo cual ya le da un aire de azar y espontaneidad a sus composiciones, descarga los resultados más inmediatos que le aparecen y comienza a trabajar con ellos, dándoles forma, filtrando los sonidos, transformándolos, dándoles una nueva forma, y transformándolo en los cimientos sobre los cuales hip hoppers en verdad extraños como Lil B descargan su rollo vocal, lo realmente sorprendente es la capacidad de trascender que Clams inyecta en sus creaciones, la manera de manejarlo, a veces desconociendo el origen de la pieza original, tratando la pieza y deformándola a su gusto, y de cómo su creación final en ocasiones traspasa el universo del nuevo y extraño hip hop, al grado que empieza a invadir territorios más serio como la música electrónica de vanguardia y el ambient, en otro ejemplo claro de la trascendencia y progresividad de este cuando se le toma en serio, como lo hemos vivido con el pionero del grime, Wiley, quien además de su destreza vocal ha sabido darnos verdaderas joyas musicales de electrónica de avanzada.

Instrumentals es la música de Clams Casino sin todo el rollo del hip hop, son los tracks “vírgenes” tal cual, repletos de densas atmósferas, vocales que van al derecho y al revés, que se alargan, se distorsionan, se vuelven espesas, ritmos reptantes que golpean de manera contundente y que permanecen en la mente, Clams asume la espontaneidad y aleatoriedad de un Brian Eno, roba música de manera irracional, se enfrente a lo inesperado, y lo transforma a su deseo (regalando su trabajo, sin obtener un centavo a cambio), re escribiendo las reglas del hip hop con sus amigos o asumiendo tímidamente el rol de productor de música electrónica de vanguardia, haciéndose repentinamente de una reputación y una carrera inesperada, que se informa de in imaginables fuentes como las ya mencionadas.

Si el futuro de la electrónica y el hip hop encuentran un futuro en producciones como esta, podemos estar tranquilos y a la vez inquietos esperando que sea lo que sigue, artistas como Lil B, Clams Casino, Lex Luger, los Main Atrakkionz o el más mainstream, pero no menos ambicioso y experimental Kanye West definitivamente le han dado la vuelta al genero, apartando de la exagerada auto referencia, clichés y demás temas que en mucho estaban degradando la música hip hop en los Estamos Hundidos de Amnésica, el futuro para el genero se ve más prometedor que nunca y más interesante, con artistas con ideas nuevas y frescas, dispuestos a enfrentarse a las reglas escritas del genero y trabajar en los márgenes de inicio, para ir trasformando una realidad.

Albert Ayler-Ghosts Youtube

2012-01-01T01:40:00.000+08:00

Una de mis piezas favoritas, seguido me encontrarán silbandola sin querer, o queriendo (como dice Chespirito), una buena manera de terminar un año más e iniciar otro, una de las obras maestras del free jazz!

Red Horse-Red Horse

2011-12-31T02:04:00.002+08:00

Bueno free improv es cuando el músico se mete al estudio y comienza a improvisar, como solían hacer los viejos free jazzistas, como Albert Ayler, o Archie Shepp, o John Tchicai, o el gran John Coltrane, sólo un estudio amplio, los músicos viéndose frente a frente, unos buenos micrófonos y pocas tomas y pocos overdubds, sino es que ninguno, live improv, son esos chicos que desdeñan bastante el estudio y su rollo es tocar en vivo, construir en vivo, y si por casualidad son grabados pues que bien, si algo es live improv o free improv, la verdad ya queda en manos de cada quien discernir que es que, pero si sería necesario darnos una buena idea para poder pasar a lo siguiente.

En estos terrenos un tanto sinuosos nos topamos al dúo de Red Horse, sería difícil definirlos como algo en particular, ya que si bien, el rol de Eli Keszler es propiamente el de un baterista que no necesariamente ve el rollo de los ritmos, el de Steve Pyne es un poco más complejo y abstracto, ya que Pyne se encarga de crear sonidos, ya sea através de la guitarra o por cualquier medio que se le plazca, ya sea creando instrumentos el mismo, que sirven para brindar un sonido más expansivo a este par de creativos, si bien sería difícil con estos antecedentes poder describir que hacen y que no hacen Red Horse sonoramente, ya que hablando del genero, la alineación, podríamos pensar que estamos ante otro de esos dúos como Lightning Bolt o Hella (en sus inicios), pero la verdad no haríamos verdadera justicia, ya que mientras los Bolt y los Hella hacen de las suyas domando sus instrumentos a velocidades metanfetamínicas, los Red Horse no parecieran estar muy interesados en la velocidad, hasta pudiéramos pensar que su música es más estática, densa, una sacudida más al interior que al exterior, algo muy parecido a estar dentro de una lavadora en marcha, Keszler es un torbellino en la batería, más interesado en “colorear” como los viejos bateristas del free jazz, y en nusar su batería y demás percusiones al máximo, más que en llevar un ritmo, lo suyo es crear, llenar espacios, expandir su sonido, y vaya manera de hacerlo, sus ritmos son omnipresentes, abstractos, paralelos, divergentes y no se que tantas cosas a la vez, Brian Chippendale de los Lightning Bolt en su versión más abstracta podría ser una buena comparación (lo que hace Chippendale como Black Pus, pero menos primitivo y sin los gadgets electrónicos que suele usar).

Pyne en la guitarra se inclina por completo por el drone, usando su guitarra para rechinar, gruñir, zumbar y sonar como una campana gigante a su voluntad, sería muy difícil poder hacer una descripción exacta de lo que sucede, ya que en verdad, en este disco y en cada una de las piezas suceden muchas cosas a la vez, Pyne sonando a veces como un Ben Frost en la guitarra sin muchos procesadores en su sonido, otras como un Sonny Sharrock en el echoplex, otras como Bailey, dándole un carácter a la guitarra de instrumento de percusión, más que de cuerda, otras yéndose de plano a zonas oscuras y cósmicas como suele hacer Oren Ambarchi, sin duda aplicando creatividad a todo lo que sobre su instrumento, aprovechándolo por completo.

Son Red Horse el extremo impensable en ocasiones del free improv?, muy probablemente si, y a la vez su conexión con el rock duro, con la escena noise de un Merzbow, con la no wave de los Sonic Youth, con el free jazz de los Fire! y con el noise rock de los Lightning Bolt, probablemente un claro ejemplo de la bifurcación, evolución de un genero tan envolvente e incluyente, capaz de abarcar monstruosamente un gran espacio.

Cada una de las piezas es un auténtico derroche de energía, creatividad y experimentación, un auténtico atrevimiento sónico a explorar todas y cada una de las capacidades de sus instrumentos, un llamado a re escribir las reglas de que es una batería, de que es una guitarra, de que es música y un choque total de lo físico de sus ejecuciones con lo abstracto de su música.

Fire! With Jim O´Rourke-Unreleased?

2011-12-31T00:49:00.000+08:00

El título de inmediato nos remite a que muy probablemente este material no estaba considerado para editarse de momento, pero bueno, primero iniciemos con las presentaciones de rigor, por un lado tenemos al ya muy conocido de todos Mats Gustafsson, saxofonista de origen sueco, luminaria de escena increíble escena de jazz libre escandinavo que no deja de sorprender y a la vez darnos esperanza en que no todo está perdido en este mundo, ya que precisamente, cuando genios como Albert Ayler y Eric Dolphy fueron tristemente ignorados por los ignorantes Estados Hundidos de Amnésica, lugares como Suecia, Noruega, Inglaterra, Francia y Alemania, dieron una gran acogida al free jazz, manteniendo vivo el movimiento, adaptándolo, transformándolo y haciéndolo evolucionar hasta nuestros días (de ahí han salido otras cosas muy interesantes, como el noise, el live improv, la forma libre y el reduccionismo).

Fire! Es un trío encabezado por Gustafsson, con Andreas Werliin en la batería y Johan Berthling en el bajo, Gustafsson, obviamente encargándose de los metales, Fire! No es un trío de free jazz propiamente, pero han adaptado la fiereza y flexibilidad del género, le han agregado influencias de las escenas noise, live improv, electrónica, rock, drone music y demás, y pues bueno, a Jim O´Rourke, quien no lo conoce? Ha pasado por infinidad de bandas, los más conocidos, los “Sonic-ya-no-tan-Youth”, y ha tenido una muy prolífica carrera como productor de gente como los Wilco o Johanna Newsom, a eso agréguenle sus colaboraciones con gente de primer nivel como Peter Rehberg, Oran Ambarchi, Fennesz y Keiji Haino.

Fire! With Jim O´Rourke, no suenan muy alejados de lo que normalmente nos trae el trío de Gustafsson, Unreleased? No es propiamente un disco de free jazz, aunque si es un elemento principal de la portentosa y aplastante mezcla que se da en el disco, si consideramos el primer tema, Are You Both Still Unreleased? Tenemos una sección rítmica que se pone al servicio de Gustafsson por completo, este realiza algunos ejercicios minimales y de tipo drone, y la incursión por momentos de O´Rourke en un sintetizador para “sublimar” la grabación, en una pieza que pareciera merodear, acosar, mantenerse expectante, sin abrirse explosivamente, una pieza que poco a poco avanza en un territorio de ritmo recurrente y que fácilmente podría resultar en una especie de psicodelia cósmica con tintes de jazz.

Please, I Am released inicia con una sección rítmica más robusta, con Werliin a la cabeza y un O´Rourke metiéndole abrasión a través del “feedback” de una guitarra, los ritmos casi “tribales” (verdaderamente tribales, no la aberración que llaman tribal aquí en México), invocadores de espíritus del norte de América se manifiestan y todo sonido emanado de el instrumento de O´Rourke y de Gustafsson parecieran hacer clara referencia a esos espíritus, manifestándose en la noche a la luz de una fogata, mientras los guerreros danzan a su alrededor, una vez más quine habló de free jazz? Estamos ante algo completamente distinto, evocador y explosivo a la vez.

By Whom And Why Am Previously Unreleased? Nuevamente corre a cargo de Werliin, quien toma papel central, un ejercicio más rico en percusiones, más relajado, que O´Rourke se encarga de “rellenar” con “feedback” y una harmónica fantasmal que evoca sin duda alguno esos “spaghetti westerns” de Sergio Leone que musicalizaba Ennio Morricone, una pieza relativamente de corta duración, que sirve más de preludio, que como un tema en si.

Happy Ending Borrowing Yours es posiblemente la pieza central del disco, el “grand finale”, nuevamente Werliin tomando iniciativa en plan demoledor, en plan Klaus Schulze cuando tocaba la batería con Ash Ra Tempel, sonando como diez bateristas a la vez, mientras O´Rourke se intercala entre la guitarra y el sintetizador, lanzando chispas de ruido por doquier, a lo que Gustafsson se une repentinamente, convirtiendo el tema en una auténtica máquina de demolición, para después dar un giro radical y traer al frente la calma, Berthling y su robusto bajo quedan al frente, todo el ruido para a un plano secundario, latente, mientras Berthling queda a cargo, poco a poco Werliin se une al proceso, la sección rítmica de Fire! Brillando en el ojo del huracán creado por O´Rourke y Gustafsson, O´Rourke poco a poco ganado terreno con su sintetizador, taladrando la pared de sonido como Eno solía hacer en sus inicios con Roxy Music, Gustafsson tomando el papel protagonista posteriormente, el maestro Gustaffson liberando el poder completamente, exhalando hasta el último aliento para alimentar su poderos instrumento, mientras que la sección rítmica avanza a paso tormentoso, punzante, un final avasallador sin duda alguna, de un disco no de free jazz (en gran parte gracias a O´Rourke), sino de algo más, de verdadera música libre hecha de fuego.

Michael Chapman-The Resurrection And Revenge of The Clayton Peacock

2011-12-30T23:32:00.000+08:00

Antes que nada, los hechos, tal como son, si pones Michael Chapman en Google, encontraras que Chapman, es músico, pintor, deportista, maestro en una universidad en estados hundidos de amnésica, etcétera, pero el Michael Chapman que nos interesa, es un músico inglés que vio la luz en la brillante escena folk inglesa, si, esa en dónde los Fairport Convention, los Pentangle, entre otros nos trajeron ese genero hibrido del folk norteamericano, y las tradiciones celtas europeas, a pesar de una carrera prolífica como canta autor, al estilo de las tradiciones de los 70s (como Neil Young, David Crosby, Joni Mitchell, Jackson Browne, entre otros), la carrera de Chapman nunca despegó como una muy popular, un pequeño culto se formó para seguir su carrera pero Chapman siempre fue importante, sólo para un circulo my reducido.

Siempre inquieto, Chapman hacía pequeños esfuerzos por traer una línea experimental a su música, muchos de ellos mejor ejecutados en vivo que en disco, inclusión de nuevos ritmos, nuevas tecnológicas, arreglos, estructuras menos tradicionales, pero experimentos que nunca terminaron de cuajar con su base de seguidores, pero siempre hay algo pequeño ahí termina cambiándonos la vida, por lo menos por un momento, y un renacimiento en la escena folk de norteamericana, daría nueva vida a la visión de Chapman y a su “resurrección”, gente como Jack Rose, Thurston Moore de los “Sonic no-tan-youth-ya”, y Tom Carter de los Charalambides, poco a poco comenzarían a mencionar a Chapman entre sus descubrimientos más recientes, los que haría que poco a poco la leyenda de Chapman empezara crecer.

Thurston Moore le conoce y lo invita a hacer uno de “esos discos raros” (no olvidemos que Moore fue quien en alguna gira con Neil Young le recomendó “ensamblar” el disco ARC, que se convertiría en una especie de “Metal Machine Music” para Neil, un collage bastante abstracto de feedback y distorsión, que pondría los pelos de puntas a más de un fan de Young, pero que en lo personal considero bastante bueno y disfrutable desde un punto de vista experimental.

Todo esto nos hace llegar a como “un culto crea culto hacia otro culto”, de que demonios estoy hablando? The Resurrection and Revenge of the Clayton Peacock, disco más reciente de Chapman para la disquera de Moore, Ecstatic Peace, hace una clara alusión a John Fahey y su canción “The Death of the Clayton Peacock”, no sabemos si Chapman hace una analogía entre su carrera y el título de la canción de Fahey, la reconfigura para hacer una nueva alusión personal y es así como da un inesperado giro a su carrera como artista de culto, con una fuerte referencia a Fahey, otro enorme artista de culto.

Esto no es otro estúpido disco de rock, este es una fotografía de puro sonido desdoblándose, creándose y transformándose, Chapman, quien ya se había acercado a ese sonido de guitarra cósmica en base a ecos de John Martyn, contemporáneo y paisano suyo, que había hecho interesantes exploraciones con el echoplex, pues bien Chapman toma algo de aquel sonido de Martyn y lo lleva a un plano completamente abstracto, como aquellas grabaciones de carácter sumamente experimental de John Fahey, mezcladas con algo de ruido y atmósferas ambient, amarrando todas esas vertientes de sonido y trasformándolas en algo completamente nuevo, con una sorprendente madurez, coherencia y naturalidad, que pareciera que Chapman hubiese hecho este tipo de discos toda su vida.

Blut Aus Nord-777 Sect(s)

2011-12-27T05:00:00.000+08:00

Muchos se preguntarán porque no situé este disco de los Blut Aus Nord en mi lista de "lo menos peor del 2011” y porque puse a los Wolves In the Throne Room, la respuesta no es tan compleja, Wolves In The Throne Room ya llevan un avanzado camino evolutivo, es posible que la banda haya llegado a la cúspide de su carrera con el Celestial Lieneage y sin afán de sonar pesimista, será difícil que la banda pueda sobrepasar este disco en el futuro, Celestial Lineage suena a una banda que como decía Neil Young, prefriere estallar que desvanecerse poco a poco, veámoslo desde un punto de vista un tanto radical, el black metal de los “Estados cada vez más hundidos” se está transformando, esta en pleno tumulto, y una nueva música estará por surgir, pero como hemos visto, es necesario evolucionar, morir, para renacer, quiero pensar y estoy bastante convencido de ello, que lo que siga con los Wolves y con la escena black metal de los “Estados cada vez más hundidos” será algo muy distinto, música que reflejara la turbulencia interna en la que está por entrar el vecino del norte, si bien grupos como los Liturgy ya empiezan a mostrar la evolución del genero en esas tierras, no es obviamente “el futuro”, pero sinceramente creo que el futuro del genero en esas tierras ya lo vi, y no estoy muy errado.

Bueno, Blut Aus Nord, regresando a nuestra plática principal, un grupo de misteriosos orígenes franceses, cuyo nombre traducido al español significa “Sangre del Norte”, en tierras mexicanas esto significaría música norteña, acordeones, bajo sextos y “corridos” (esos que en verdad evolucionaron de las hermosas polka europeas), pero que en Francia implica música en verdad oscura y altamente evolucionada, nuevamente algo que llama poderosamente nuestra atención es que el futuro del genero, por lo menos en Europa esté en manos de estos franceses, con ya casi 15 años de pasado, esta banda ha llevado el genero a lugares dónde nunca pudo haber llegado a manos de nuestros amigos escandinavos, con un nivel de solidez y sofisticación que dejaría a más de uno con la boca abierta, pero que es tan sorprendente de los Blut Aus Nord? Que los hace más con un pie en el futuro que las viejas legiones de “verdadero black metal”, en primer lugar tenemos el trabajo vocal de Vinsval, muy en tono con el rollo “black metal”, pero esto sólo cuando al amigo se le ocurre cantar, o vociferar, ya que en realidad la música del grupo usa escaso uso de las vocales, las guitarras a cargo del mismo, como sierras eléctricas, cual debe ser, en un ataque intenso pero tan controlado a la vez, rara vez esas guitarras tan salvajes y lo fi que son cliché del genero, no, aquí no se pierde para nada la furia, pero suenan bastante técnicas, y en ocasiones con leves coqueteos con una parte melódica.

Si nos ponemos a pensar en que la escena “black” de Francia, con bandas como los Blut, los Alcest, los Deathspell Omega, los Spektr, Vlad Tepes, Peste Noire y Mutiilation, nos da una clara muestra de dónde se encuentra el verdadero futuro del genero y el hecho de que una banda francesa, con nombre de raíces germanas, nos pone en mucho a pensar que el futuro no sólo de nuestros hermanos de Europa y de la música se encuentra en manos de países como Francia y Alemania casualmente (o no por una casualidad).

777 Sect(s) brilla fuertemente con esa parte industrial que la banda ha venido desarrollando poco a poco, acercándose más y más a esos infiernos urbanos a que nos tenían tan acostumbrados los Godflesh de Justin Broadrick, sin duda los Blut son una banda que mamó fuertemente de esa escena de la Earache y el grindcore, pero que ahora nos transmiten con una madurez, una inteligencia y una energía admirable, unn disco en dónde todos los temas llevan el nombre de Epitome seguido por su número de aparición, Epitome 1 es un fiero ejemplo de lo anterior, con un pasaje al final muy al estilo de esos sinistros ritmos de los ya mencionados Godflesh, que nos hace recordad más y más cuanto les extrañamos.

Epitome 2 es un rollo más de textura, con las vocales Vinslav tras la música, confundiéndose con ella, más que dominándola, mientras que Epitome 3 es puro black metal compacto y a la yugular, apoyado fuertemente por unos teclados que se alejan de los clichés sinfónicos que tanto engordan el genero, estamos ante un torbellino de brutalidad sumamente ágil, una banda que suena en plena forma, capaz de llevar su música al extremo que ellos deseen.

Una auténtica banda de compositores, no de entretenedores, como dicen algunos, orgullosos de su música que no están dispuestos a desperdiciar un segundo de sus composiciones, un grupo que pareciera incapaz de cometer un error que nos hace pensar y maravillarnos de hasta dónde ha llegado un genero bastante primitivo que pareciera no tener mucho futuro por tantas copias y copias de los grupos originales, pero que de la mano de sus participantes más osados ha sabido ir transformándose sin peder su furiosa y oscura esencia , tal vez no el mejor disco de metal extremo del año, pero si la banda más prometedora del genero en los últimos años!

Ulcerate-The Destroyers Of All

2011-12-27T01:13:00.000+08:00

The inicio los ritmos “blast” cortesía de Jamie Saint Merat y los “riffs” de guitarra de Michael Hoggard fueron una poderosa evocación a una de mis bandas favoritas del genero, los Portal (una banda de Death Metal tan extraña que podría haberse originado en la mente de David Lynch), también de por aquella zona del globo terráqueo (Australia), los Ulcerate de Nueva Zelanda se separan por completo de las tendencias en el Death Metal mediante el uso extendido de atmósferas, de líneas de guitarra más largas que saben entrelazar a la perfección con momentos verdaderamente intensos, las vocales (a cargo de Paul Kelland), a todo lo que da en el glorioso estilo de alguien como David Vincent (cuando los Morbid Angel estaban en la cima de la montaña con discos como el Blessed Are The Sick), ritmos en verdad compactos y magistralmente manejados a voluntad y después esos pasajes otra vez, una banda en verdad, decididos a darnos una buena sacudida.

Y es que el Death Metal es en verdad un genero difícil, tan lleno de clichés y formulas, que en verdad resulta fácil perderse, convertirse en uno más del montón, y es que esos ritmos de doble bombo, ritmos “blast” y las vocales guturales cortesía del “Cookie Monster” son requisitos para entrarle al género, pero son características tan fuertes y predominantes que resulta fácil perder la identidad, es entonces dónde la inventiva de los nuevos grupos juega un papel importante en saber quien sobresale y quien simplemente se pierde por completo en estos territorios infernales.

Pero ojo, porque aquí los Ulcerate con su The Destroyers Of All nos traen uno de los discos ejemplares del ya saliente 2011, si bien el título es ya una tremenda bofetada a la escena, la banca no da paso atrás y respalda cada una de las palabras de él en cada canción.

Temas como Dead Oceans en verdad muestran una identidad completamente única, con sus guitarras atmosféricas y esas baterías que parecieran por momento dejarnos en suspensión total y después nos rematan con un redoble, una banda que no recae en los recientes excesos de los tecnicismos que invaden a las bandas del Death Metal últimamente, pero que tampoco los dejan en el primitivismo, una banda 100% capaz de crear sus propio sonido, su propio universo a través de memorables líneas de guitarra y una amplia capacidad de flexibilidad y dinamismo en sus temas, que podemos decir de Beneath con su sonido tan único y tan especial que y esos pasajes melódicos y texturas que difícilmente podríamos “arrojar” tan fácilmente con el resto de las bandas que surgen, sino que nos los confirman como una banda en plena madurez de una visión original.

Si bien ya con el Everything Is Fire del 2009 la banda ya nos había dado una muestra de lo que eran capaz, Destroyers of All lo confirma que el Death Metal esta en excelente estado, y que si bien el genero se hundió nuevamente en el “underground” en los últimos años, no es por falta de talento o por falta de bandas rescatables, sino porque simplemente lo que está arriba del “underground”, se ha convertido en material desechable (pop, hip hop, pop punk y demás) como alguna vez lo fuera el rap metal, el nu metal, el “alternativo”, el grunge y demás géneros olvidables, de los cuales el buen Death Metal se ha sabido aislar, para seguir fermentando sus oscuras y densas sinfonías.

Ha sido un buen año para el metal extremo, con bandas como Disma, Wolves In The Throne Room, Blut Aus Nord y Ulcerate, entre otras dejándonos buenos ejemplos de un genero que alguna vez estuvo a punto de hacer el anhelado “crossover” al mainstream, pero que en verdad da gusto que no lo haya hecho y que esa temida película protagonizada por Johnny Depp acerca del Death Metal, que pretendía catapultar el género como alguna vez lo hizo “Singles” con el grunge, jamás se haya llevado a cabo, y que el genero siga como a muchos nos gusta, “enterrado vivo”!

Los Santos Difuntos-Technochtitlan, Martyrs Of The Modern Era Records 012!

2011-12-25T00:07:00.000+08:00

Los Santos Difuntos
Technochtitlan

Martyrs Of The Modern Age 012

Recorded In December 2010, Mixed at Shared Fortress In December 2011
All music composed, executed, recorded and mixed by: RV
Instruments used for this recording: Drums, synths, field recordings and FX.

01 Morning Naked Dance
02 A Walk On Sacrifice Square
03 Cold Ceremonial Stone
04 Pure Souls Will Rise
05 A Trip To Mictlan
06 A Trip To Mictlan (Technochtitlan Remix)

"Just as Can made their own ethnological forgery series, Los Santos Difuntos dig deep on their countrys roots to find the old sound to take them right into the future, cosmic pop for the dawning of a new era..."

dl: http://www.mediafire.com/?5bq2iotih6mda18

Mike Patton-Adult Themes For Voice

2011-12-22T23:21:00.002+08:00

Llegó un momento en que muchos dieron por perdido a Mike Patton, y durante su estancia con los tremendos Faith No More , no supieron verlo como nada más que un clon de Anthony Kiedis (si el que canta con los Chili Peppers), si bien es muy obvio que Patton en esa época tomó bastante inspiración de Kiedis, Patton, aquel chico al que le llegó la fama luego de arrojar un demo de su entonces desconocido grupo Mr. Bungle a manos de los Faith No More, no era como se dice vulgarmente “un perro de un solo truco”, Patton traía en si muchas sorpresas para los que optaron por seguirlo, si bien la llegada de Mr Bungle a los escenarios profesionales nos tomó por sorpresa a varios, con una rango aún mayor de versatilidad y más extremo en gustos que los FNM (que habían editado el enorme Angel Dust), para cuando el célebre Disco Volante (muy superior, en mi opinión, al disco debut que les produjo John Zorn, por cierto) llegó, la banda ya había sobrepasado y por mucho a los FNM, para cuando llegó el todavía aún más evolucionado California, Patton ya andaba en otros proyectos bastante alejados de los reflectores, formando otras bandas, haciendo nuevas amistades y haciéndose una carrera como solista.

Adult Themes for Voice se convertiría en su disco de debut, y debutar con la Tzadik de John Zorn no es cualquier cosa, es ponerse al nivel de uno de los más grandes y vanguardistas compositores modernos, Patton no sólo editó con la Tzadik, también formó partes de varios ensambles de la época y de la escena de Nueva York, grabó con Zorn, con Laswell, entre otros, y nos trajo este singular disco, un disco que sin duda sería bienvenido y común en la discografía de alguien como Yamatanka Eye (vocalista de los Boredoms) que de sobra sabemos que le encanta llevar la voz a extremos en verdad escalofriantes, pero no de un artista que fuera sensación del MTV, con discos de platino etcétera.

Pero es en Adult Themes for Voice en dónde Patton reveló la verdadera naturaleza de su voz y de su naturaleza como artista, haciendo de sus cuerdas vocales un instrumento en toda la extensión de la palabra, no sólo un vocalista más, sino un compositor que usaba su voz como instrumento para expresar sus más extravagantes ideas, muy al estilo de otros antes que él, como Patty Waters, Yoko Ono o Diamanda Galas, entre otros, el scat salido del jazz, el beatboxing salido del hip hop, los death growls salidos del death metal y los gritos sacados de la opera japonesa, si algo podemos admitir es que Patton además de intensidad ha sabido usar un extravagante sentido de la composición para llevar sus piezas a un nivel bastante extremo a comparación de otros artistas vocales.

Adult Themes for Voice fue creado de manera en verdad austera, micrófonos al servicio de Patton, quien grababa en hoteles durante sus giras con Faith No More, más cercano al llamado “japanoise” que al rock extremo, al heavy metal o al hardcore, ya sea Patton gritando al extremo de sus posibilidades (y poniéndonos los pelos de punta y la piel de gallina a más de uno), imitando animales y todo esto bajo una densa capa de distorsión hacen de este disco una delicia para fans de la música extrema o composición moderna, si bien los amantes de la música de “notación” no encontraran absolutamente nada de interés aquí, me sigue pareciendo sorprendente e interesante los caminos compositivos que toma Patton en este disco, debo confesar que si, en efecto, la primera vez que lo escuché me pareció algo completamente radical, extraño a más no poder, pero conforme uno se va adentrando más y más en las piezas, es obvio la seriedad con que Patton toma su nuevo rol de compositor, su cercanía con otros extremistas de la voz, y lo cercano en espíritu que Patton se encuentra en verdad de gente como Joan La Barbara u otros que como el decidieron hacer de algo tan primitivo como la voz humana misma, un instrumento de vanguardia, capaz de competir y vencer los instrumentos más sofisticados que podamos imaginar, que si son temas adultos? Claro que lo son, y muestran la clara evolución de la adolescencia artista de Patton a su plena etapa adulta como o compositor.

Frank Zappa-Aniversario, Youtube

2011-12-22T07:49:00.002+08:00

Nacido un 21 de Diciembre de 1940, el buen Frank, nos llevó el avant garde directo a la avitación, nos hizo conocer a Varese, a Cage y a Stockhausen a los que nos gustaba solamente el rock, llevó la música moderna a los extremos conocidos de musicalidad, espectaculo y atrevimiento, un renegado de primera, impulso a otros "freaks y renegados visionarios" como al Capitán Beefheart, a Alice Cooper y a Wild Man Fischer o a Steve Vai, nos trajo los discos dobles conceptuales, la inteligencia en la música, la sátira, fue altamente progresivo sin ser aburrido, atacó a los Beatles, tocó con Lennon y con Yoko, cuestionó fuertemente la censura a la música, este mundo sería más féliz con más Zappas, por lo menos mucho más interesante.

Lil B-I´m Gay

2011-12-21T06:29:00.000+08:00

Desconozco la verdad la sexualidad de Lil B, si es gay o no, no es asunto mío y no creo que sea de nadie más que de el mismo, el disco se titula I´m Gay, pero el titulo hace más alusión al significado literal de la palabra “gay”, algo así como feliz, contento, etc.

Pero que si Lil B nombró así a su disco? Ni más ni menos que es un titulo para revolucionar y poner de cabeza al mundo del hip hop, porque? Porque pocos géneros musicales en este mundo cuentan con una reputación tan fuerte con respecto a la homofobia, de ahí que ya de inicio el título del disco sea suficiente para sacudir a más de uno, pero bueno, el tema principal aquí es la música, y a pesar de un buen título, disco que no respalda con música sus primeras promesas, es para olvidarse.

Quien no conozca a Lil B éntrese, este cuate tuvo un “grupito” hace un par de años y un “sencillo” que se convirtió en una sensación local, su disquera les “botó” ya que poco pudo capitalizar con el grupo, pero Lil B no cejó en su empeño de hacer música, se convirtió, muy a su manera en un fenómeno del Internet, como? Retacando de canciones y videos hechos caseramente las redes sociales, si bien Lil B no es precisamente diestro en el manejo vocal como Nas, o como Chuck D, Lil B es exageradamente prolífico, lo suyo es lo surrealista, y sus letras hablan de sexo, drogas (aunque argumenta no usarlas), vivir la vida de manera despreocupada, sus rimas son poco elaboradas, desordenadas, involuntariamente cómicas o de plano fatales, su música es una broma? Si y no, su obra es prolífica, 10 o 15 discos editados por año, infinidad de videos, pero este año sucedió algo curioso, Lil B metió freno a su velocidad de producción y se concentro en la calidad y no en el volumen, otro punto fascinante aquí es que Lil B poco o nada sabe de música, y sus rimas las monta sobre música que algunos de sus seguidores le hacen llegar, y créanme es increíble la música que algunas veces le hacen llegar, si de por si ya estas referencias lo hacen extraño, imagínense sus rimas a ritmo de música ambient o new age, y esto nos pone frente a todo un fenómeno que se esparce como virus.

Rimas improvisadas, música ambient y una muy baja fidelidad en sus grabaciones le convierten en posiblemente uno de los hip hoppers más inusuales, sin la furia o coraje de muchos de sus contemporáneos, Lil B hace rimas sobre una vida relajada, habla de amor entre sus seguidores, de su adicción al Internet y cosas por el estilo, lo cual nos hace en verdad preguntarnos si es Lil B el encargado en verdad de re escribir las reglas en el hip hop, de finalmente ponerle alto a la homofobia, a la violencia y demás clichés que han vuelto al genero una parodia de lo que en sus inicios era.

Clams Casino, un chico de la otra costa suele mandarle música hecha en la computadora de sus padres (más que agregar a la leyenda) y es precisamente Casino quien hace brillar musicalmente al proyecto de Lil B, aunque ambos jamás se han conocido, se hacen llegar la música por la red, los discos solistas de Casino nos muestran a un músico con una visión muy propia, cercana en ocasiones al pop de ensueño de James Ferraro, al hip hop “rebajado” de Dj Skrew o a la música ambient de The Caretaker, lo cual nos da como resultado un hip hop bastante evolucionado, alucinado y en total oposición a lo que conocemos del genero.

No estamos ante una obra maestra del genero, pero si ante uno de sus principales opositores, alguien con una visión que de de inicio nos puede sonar en extremo bizarra, que aboga por lo espontáneo, lo verdaderamente independiente y por la forma libre, que propone una nueva forma de jugar el juego y que de alguna manera ha encontrado un importante nicho para su música, por el momento disfruten este inusual hip hop de la mano de uno de sus más inusuales personajes.

Joe Morris & Agustí Fernández-Ambrosia

2011-12-20T08:10:00.000+08:00

Joe Morris es la crema de la crema respecto a guitarristas de free jazz actuales, sin probablemente algunos le meterán una distorsión estruendosa, probablemente otros hagan cosas más salvajes, pero Morris pareciera conservar su cordura, su intelectualidad, que le permite abarcar igual el jazz más clásico, el más vanguardista, acústico, eléctrico y además ser capaz de ingresar sonidos ajenos al jazz, como la música africana (kora en especial) sin salirse de contexto.

Ambrosia es un disco de Morris a dueto con el español Agustí Fernández, para quien no conozca Agustí les diré que es un pianista de vanguardia, alumno de Iannis Xennakis (si, ese compositor de vanguardia rumano, de padres griegos y naturalizado francés, ni más ni menos, y que solía meterle matemática a su música, mucho antes de esas cosas como el math rock, y que fuera importante influencia en nuestro Julio Estrada Velasco).

Morris ataca estos 6 duetos con Fernández de manera valiente, sin miedo, Fernández tal vez lidere los duetos, Ambrosia #1 abre con rápidas líneas del español, mientras que Morris pareciera irse descubriendo poco a poco, intrincadas líneas de guitarra desplazan poco a poco el piano de Fernández por momentos, Morris pareciera tomar por partes iguales la influencia del genial Derek Bailey (con quien Fernández alguna vez colaboró), aunque a diferencia de Bailey, Morris se contiene un poco, cosa que no sucede en Ambrosia #2, dónde Morris mete por completo el Bailey mode, y usa su guitarra en la mera enseñanza disonante de John Cage, o la velocidad más que humana de un Conlon Nancarrow, a lo que Fernández se suma con un piano preparado (de esos que gustaba Cage, repletos de clips, tornillos y desarmadores).

Para Ambrosia #3, es Fernández el que abre la pieza, con un Morris como sombra tras de él, Morris demostrando que es tan fiero en la guitarra acústica como en la eléctrica, con un estilo elegante y bien pensado, que a veces me ha hecho decir que me recuerda al gran Django Reinhardt, , pero que no le teme a sacar su lado salvaje como lo hacía Bailey, como al final de la pieza en que ninguno de los dos cede territorio y parecieran sacar notas como armas de manera audaz y ágil.

Ambrosia #4 no es free jazz, tampoco es live improv, es una poderosa aplicación de mi tan ya mencionado noise como herramienta de composición, Morris pareciera empuñar más un violoncelo o una viola, (parientes rasposos del violín), más que una guitarra y Fernández…pues Fernández pareciera empuñar un serrucho y usarlo contra su piano, apuesto a que los Wolf Eyes se pondrían tan celoso del ruido que llegan a generar estos dos cuando se lo proponen.

Ambrosia #5 muestra ambos con la cordura recuperada y con intensos y veloces ejercicios, mientras que Morris pareciera crear barrocos ejercicios en su guitarra, Fernández se esfuerza por crear sonidos rápidos más semejante a un instrumentos de percusión, como un xilófono, que a un piano.

El disco cierra con la fabulosa Ambrosia #6, dónde Fernández pareciera descubrir las notas más bajas de su piano, mientras que Morris suena en desenfrenada batalla con las cuerdas y los trastes de su guitarra, para después situarnos en un caos total cuando Fernández comienza a manipular las cuerdas internas de su piano (si señores, los pianos tienen cuerdas por dentro, Cage disfrutaba cortándolas o raspándolas en ocasiones).

Un disco disfrutable e intenso de principio a fin, para el cual no se requiere ser conocedor del free jazz o del live improv o del jazz para disfrutarse, ya que ambos ejecutantes suenan tan fieros y aguerridos como si esto fuera el mejor punk, hard core o heavy metal que pudieran imaginarse, el que halla pensado que el jazz es aburrido, que se tire a un pozo por favor, aquí esta la prueba que lo desmiente!

John Wiese-Seven of Wands

2011-12-20T07:22:00.000+08:00

Hablar de John Wiese es hablar de uno de los más reconocidos innovadores y ejecutantes del noise, cabe mencionar que me molesta hablar del noise como un género y prefiero lo veamos como ya he mencionado antes, como un instrumento de composición, más que como un genero o un estilo, aunque habrá muchos que digan: “yo hago noise”, lo más probable es que hagan pop, rock, música concreta, música electrónica, composición moderna o free jazz, usando el ruido como una herramienta compositiva, así que viendo las cosas desde ese ángulo podemos afirmar que Wiese es uno de los compositores modernos más interesantes y que sin duda en una senda evolutiva que seguirá deleitándonos.

Seven of Wands es uno de sus más recientes trabajos como solista (Wiese es proclive a las colaboraciones), y cabe mencionar que este disco en verdad muestra a Wiese haciendo un uso más cerebral del noise, un disco que pareciera querer presentarse ante nosotros como un collage sonoro, un encuentro brutal en cámara lenta de miles de sonidos que parecieran integrase y desintegrarse de la mano de Wiese, si Wiese finalmente esta pensando en entrar de lleno en la zona de los compositores modernos, Seven Of Wands es un paso seguro en este rumbo y que nos deja claro que su carrera no es mera coincidencia y que si alguna vez se lo considero alejado de cualquier connotación musical, quien pensara así estaba complemente equivocado.

De inicio The New Dark Ages es minimalista, fría y casi atmosférica, llena de pequeños timbres que parecieran revelarse, desdoblarse e ir adquiriendo brillo de manera intensa hasta desaparecer, lo cual para los que han seguido las grabaciones de Wiese pudieran significar algo verdaderamente intrigante, ya que se aleja por mucho de los ataques sónicos a los que puedan estar acostumbrados.

Scorpion Inmovilization Sleeve es rica en sonidos rítmicos aleatorios que parecieran remitirnos a la música concreta más experimental, golpes, caídas, impactos parecieran ser la parte central (muchos de ellos proporcionados por el baterista de los Liars), aunque Wiese no deja de un lado el drone y el feedback que libera a su voluntad para enrarecer la atmósfera y crear un verdadero torbellino de sonidos duros que nos rodean, ahí precisamente es dónde encontramos la magia de Wiese que nos lleva de un sonido a otro, nos rodea por todas direcciones con una diversidad de ellos, nos pone en el epicentro de un movimiento telúrico y nos deja como testigos ciegos del proceso destructivo.

Seven of Wands extrañamente no es un ataque a los oídos, pero si es una especie de Alicia en el País de las Maravillas sónico, dónde las cosas no son lo que parecen, los sonidos se transforman ante nosotros y pareciera que la habitación en dónde nos encontráramos cobrase vida y las cosas empezaran a chocar, agitarse o moverse de un lugar a otro.

Alligator Born In Slow Motion y Burn Out parecieran hacer referencia a sus colaboraciones con los Sunn O))), drone en su máxima expresión y nos hace pensar que junto a Mika Vainio, Wiese es de los que más nos han deleitado últimamente con los drones, quien dijo que el chico sólo sabía hacer ruido? También sabe crear atmósferas oscuras, elevar la tensión y ponernos en suspensión.

Corpse Solo es pura gimnasia estilo Wiese, aunque sin la abrasión continua marca de la casa, más bien se mueve de manera caprichosa y en pequeñas fracciones de tiempo lanza su aguijón, misma situación que se presenta en Dont Move Your Finger, en dónde Wiese comienza a lanzar verdaderos proyectiles sónicos al escucha y deja claro que este no es un “viaje de placer” sino un fuerte e incómodo viaje a través del sonido.

Un trabajo de excelsa madurez por parte de Wiese, si esta es la dirección que tomará a futuro, es requisito estar al pendiente de sus futuros trabajos!

Colin Stetson-New History Warfare Vol. 2: Judges

2011-12-20T02:38:00.000+08:00

Alguna vez en otro medio ya había mencionado el tremendo trabajo sónico de Colin Stetson y de cómo junto a gente como John Butcher y Radu Malfatti, estaban cambiando por completo la ejecución de los instrumentos de viento hechos de metal, reinventando las técnicas y rompiendo cualquier esquema conocido, si bien en el pasado nos maravillamos de cómo gente como Albert Ayler, Miles Davis, Ornette Coleman, Peter Brotzmann, Anthony Braxton, entre otros habían creado una nueva dimensión sónica con sus instrumentos, ahora, gracias a la tecnología era posible llegar a nuevos extremos.

El trabajo de Stetson es alucinante, psicodélico, delirante e increíble, el sonido de todo integrándose, y a la vez magnificándose, usando un saxofón bastante bajo (como ese que hemos visto a Anthony Braxton empuñar, por decirlo de alguna manera), Stetson nos trae un poderoso sonido en plan drone para iniciar el disco, cabe mencionar la sensibilidad tan impresionante de los micrófonos usados y colocados estratégicamente para esta grabación, que comparte el crédito de el sonido de Stetson, veamos, está el saxofonista, el bajista, el percusionista y el vocalista, pero que hay de extraordinario en esto? Que no hay tal grupo realmente todo el sonido emana de Stetson, de su cuerpo, caja toráxico, pulmones, garganta y boca en tiempo real.

Stetson usa su instrumento al máximo, usando esos micrófonos de gran sensibilidad para captar el sonido digitando las teclas del saxofón, dando la impresión de estar junto a un percusionista, lo que escuchamos básicamente es Stetson digitando y las teclas haciendo clicks y clicks amplificados, las líneas de bajo son básicamente el fondo del sonido de sus instrumento, mientras que el “vocalista” no es otro que Stetson pasando su voz (y no sólo su aliento) a través del instrumento, impresionante? Si, en exceso, varios micrófonos recogen varias fuentes de sonido al mismo tiempo, uno situado en el instrumento para captar el sonido percutivo de las teclas, y la voz de Stetson, otro en su cuello para captar los bajos y otros a su espalda y frente a él a lo lejos para captar las distintas facetas del sonido.

Judges es pura psicodelía con un trabajo vocal que bien nos pudo traer un Tom Waits que idolatrara a Damo Suzuki, mientras que la línea de bajo no hace otra cosa que hacer girar nuestra mente, al igual que en The Stars In His Head, con su sonido insistente y sus vocales desesperadas, para después romper un poco con la intensada maniática y “darnos un respiro”, lo que suena gracioso y malévolo en un disco de instrumentos de viento no? All The Days ive Missed You es pura introspección, una pieza lenta y bella a la vez, que si bien no es un derroche de técnica, si lo es de emoción, cuando Stetson nos permite disfrutar la melodía en varias partes tocadas al unísono aprovechando la acústica y la colocación de los micrófonos, From No Part Me Could I Summon a Voice es drama puro, una vez más Stetson haciendo magia con la acústica, esta vez en una pieza con épico sonido Wagneriano, y con esas miles de notas que parecieran evocar un furioso enjambre replicándose una y otra vez.

Que decir de una pieza como Home, que no suena a jazz, sino a música electrónica minimalista, el mismo sentimiento de encontrarnos desarmados para describir o entender la naturaleza y origen de los sonidos que se nos presentan sucede nuevamente, si bien John Butcher nos hizo dudar miles de veces si lo que escuchábamos era de origen electrónico o en verdad un saxofón, Stetson nos aplica la misma disyuntiva, pero agrega la variante de su voz, y de la percusión, haciendo el acertijo más complejo, y difícil de descubrir, y que decir de Red Horse (Judges II) dónde los dedos de Stetson golpean tan fuertemente las teclas que es muy difícil imaginar en realidad que el origen del sonido no sea otra cosa que un tambor, será esto pop, electrónica, free jazz, puro vanguardismo? Tal vez la incursión de las vocales de Lqaurie Anderson nos pueda dar una clara imagen de que es esto en realidad, pop y vanguardismo, tomados de la mano.

Lord I Just Cant Keep From Crying Sometimes es una pieza extraordinaria con una verdadera vocalista y una extravagante mezcla de gospel y blues, que con ese drone generado en el sax podría convertirse en una clara señal de lo que pudiese estar por venir con eso de que los Sunn O))) quieren agregar gospel a su poderoso ya de por si sonido.

Un disco impresionante, que una vez más nos deja claro que no todo esta hecho o dicho en cuanto a música se refiere, que aún hay artistas con una ambición desmedida por lograr nuevas cosas y que mientras hay quienes siguen tradiciones, también hay quien está dispuesto a romper con todo y re inventar lo que conocemos como música.

Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O.-The Ripper At The Heaven's Gates Of Dark

2011-12-20T01:40:00.000+08:00

Primero el sonido como de una alarma, después unos desquiciados y poderosos riffs con que inicia este disco acompañados de esas vocales como de banshee nos hacen pensar de inmediato lo siguiente: se trata de un track perdido de Led Zeppelin rescatado del más allá para deleitarnos este fin de año? Acaso Plant, Page, Jones y Bonham grabaron algo que dejaron por ahí perdido? Agréguenle a eso las vocales de alto registro como en los mejores tiempos del buen Robert Plant, quisiera decir que si y como su líder Kawabata Makoto señaló alguna vez, el objetivo principal de los Acid Mothers Temple, su razón de ser es mezclar ese rock tonto y enorme de los 70s, con el que más de uno nos iniciamos con este rollo de la música, con los experimentos electrónicos de vanguardia de compositores como Karlheinz Stockhausen, etcétera, en Chinese Flying Saucer, Makoto y los suyos (destaquemos las vocales de Tsuyama Atsushi) de plano se van de boca con ese rock machacón de los Zeppelin, un sentido homenaje a esa gloria musical de los hard rockeros ingleses, que a más de un amante del buen rock de los 70s le hará caerse de su silla, Makoto de plano deja salir el guitar hero que lleva dentro con esos riffs contundentes y esos leads desgarradores,

Si dividimos esa primer pieza en dos partes, nos daremos cuenta de las obsesiones de Makoto, quien poco a poco empieza a deformar sus riffs, en sonidos más abstractos y la pieza en general comienza a hundirse en ruido y sonidos electrónicos, como si ambos extremos musicales de los 70s se unieran en una sacrílega ceremonia cósmica, precedida en partes iguales por Stockhausen y por Jimmy Page (de tan sólo imaginarlo dan escalofríos no?), esto sólo sucede en estos discos sorprendentes de los Acid Mothers, con su descarada referencia a los clásicos (Black Sabbath, Pink Floyd, Frank Zappa, Led Zeppelin, King Crimson, Deep Purple) al mismo tiempo que a la música más descabellada (la electrónica de Stockhausen, Cage, Niblock, la música medieval, oriental etc…)

Chakra 24 aborda el folk (que de hecho no nos aleja mucho del rollo Zeppelin (recordarán aquellas desviaciones folkies del zeppelin de plomo…) la voz de Atsushi sigue invocando imágenes del Plant más alucinado y la guitarra de Makoto se planta cercana al Page más folkie, ese que se quitaba el sombrero ante Roy Harper, y hasta incluye el sonido hindú de la sitara, que creo Page no conoció, sólo Brian Jones y George Harrison, si no me equivoco), no sin dejar a un lado ese burbujeante sintetizador omnipresente, que vuelve esto un track que pudo ser grabado por un alucinante Led Zeppelin, por un más extravagante Pink Floyd o por un más trippeado T Rex de los inicios.

Back Door Man Of Ghost Rails Inn me recuerda por momentos a los Zeppelin más místicos, en otros a Pink Floyd (con Barrett poniéndose loco en la guitarra), mientras que las vocales mantienen un cierto shamaninsmo como ese que manejaba Jim Morrison, pero llegando a los extremos que manejaba un “fan” de Morrison como Iggy Pop, otro fan de Morrison, también oriental, Keiji Haino también me viene a la mente durante esta pieza, el alucine en plan fin del mundo que manejaban los Amon Duul (1 y 2) también podría ser otro referente importante aquí.

Un disco más oscuro y cósmico que los anteriores que les he escuchado, las guitarras a diferencia de la primera pieza suenan dispersas, las vocales, esos si, más alucinantes que nunca, un trabajo de bajo y batería inmersos hasta el cuello en la psicodelia de los 70s, como bien lo anuncian en el título del disco, los Pink Floyd (o los Syd Floyd como suelo nombrarlos cuando estaban con Barrett) son un inequívoco referente aquí, esos pasajes de guitarras disonantes que hacia Barrett (que en ocasiones usaba un encendedor o una moneda para conseguir se hacen presentes), que si bien no era un guitarrista técnico, hay que mencionar que era uno muy inventivo y de rebosante creatividad.

Bienvenidos al show de sus sueños en dónde Led Zeppelin es abridor de un épico concierto en dónde Barrett se avienta un jam increíble con los Amon Duul y no se asusten por despertar, ya que lo pueden escuchar una y otra vez, el año empieza a írsenos de las manos, esperemos dejar la menor cantidad de discos sin reseñar posibles de este buen 2011.

Lo Menos Peor del 2011

2011-12-13T02:12:00.002+08:00

Y bueno damas y caballeros, se va a el año, se dice mucho para el otro año, las condiciones mundiales y nacionales se presentan catastróficas en un principio, esperemos que salgamos avantes no como pueblo, no como nación, sino como sistema global que somos, que nuestros amigos de Europa resuelvan su dificil situación, que nuestroa amigos de Africa en verdad metal el acelerador en su desarrollo, que nuestros amigos asiáticos no nos lleven de encuentro en su acelerado desarrollo, que los gringhoes aprendan a sobrellevar su nueva realidad de una manera pacífica, buscándo el verdadero bien común y que México en el inter sepa sacar adelante sus problemas de seguridad, sociales, educativos y de gobierno, señores el 2012 se viene emocionante y retador, venga lo mejor (o lo menos peor) del 2011!!!

1.-Lou Reed & Metallica-Lulu
La controversia llama de inmediato, Lou hace uno de sus mejores y más contundentes discos, demuestra una teoría que divulgo desde hace tiempo, que dicta que los mejores discos que hemos visto últimamente los hacen músicos de más de 50 años, genial de principio a fin, dificil de entender pero gratificante al final!

2.-The Beach Boys-The Smile Sessions
Finalmente el proyecto de Brian Wilson y compañía llega a puerto despúes de más de 40 años, el capítulo final del viaje de Wilson llega a su fin, cuantas generaciones soñaron con ver la versión definitiva de uno de los discos más legendarios de la historia y finalmente aqui está en nuestras manos!

3.-Tim Hecker-Ravedeath, 1972
No hubo un gran discos de Ben Frost este año (hubo una colaboración, eso si), pero tenemos un disco enorme de Tim Hecker (casualmente producido por Frost), grabado en una iglesia (que están más de moda que los Morrisound Studios en Florida en la época de gloria del death metal) y sumido en densas y oscuras vibraciones!

4.-Seun Kuti-From Africa With Fury: Rise
El hijo de Fela poniendose a la altura del legado de su padre, de la mano de Brian Eno (olvidense del Brian Eno que produce a Coldplay, este si es Eno!) concentrando la fuerza del afro beat marca Kuti en canciones compactas y poderosas, ya no podemos esperar por lo que siga en este tormentoso y turbado mundo, pero Seun nos dará sin duda un nuevo soundtarck de la turbulencia por venir!

5.-Oneothrix Point Never-Replica
Lopatin más experimental que nunca, por tercer año consecutivo nos trae un disco extraordinario, la evolución de un viejo músico de noise creando algo completamente nuevo dónde comulga el presente y el pasadao, más experimentos arriesgados con sintetizadores y ritmos más esquizofrénicos que nunca!!

6.-Prurient-Bermuda Drain
Otro profeta del noise se desmarca de los clichés del genero, Fernow crea una nueva bestia que ya no sólo se alimenta de la voz de Fernow y sus pedales de distorsión, la bestia ahora se convierte en una atemorizante máquina de ruido!

7.-Skullflower-Fucked On A Pile of Corpses
El regreso de Bower y sus oscuras operas, el drone llevado a su máxima y extrema expresión, que sigue nen la carrera de Bower, probablermente más misas negras y dirigir una tormenta masiva!!!

8.-Oren Ambarchi, Jim ORourke, Keiji Haino-In a Flash Everything Comes Together As One…
Tres genios del avant garde se reunen por segunda vez para darnos una nueva descarga de sonidos extremos, grandes los tres!!!

9.-James Ferraro-Far Virtual Side
Ferraro en verdad está re inventando la música como la conocemos, el Andy Warhol del pop bizarro nos trae música plástica insolente, que pone nuestra lógica de cabeza!!!

10.-Wilco-The Whole Love
Tweedy y compañia de regreso, apoyado por el ruidosísimo Nels Cline, entre otros, el disco más disfrutable de los Wilco desde el clásico Yankee Hotel Foxtrot, así de fácil!!!

11.-Corrupted-Garten Der Unbewusstheit
Más oscuros que la oscuridad misma, más densos que lo más denso que se puedan imaginar, hechiceros en pie de guerra, guerreros místicos y de los músicos más heavies y extraños que puedan encontrar en la actualidad!!!

12.-The Fall-Ersatz G.B.
Mark E Smith no se cansa, será un vampiro? por eso se rodea de músicos jóvenes? es The Fall una máquina poderosa eterna? ya con el disco anterior nos había dejado sin aire, ahora con este nuevamente nos da un golpe muy fuerte que vuelve a dejarnos desconcertados, que grande eres Mark!!!

13.-Laurel Halo–Hour Logic
El término inteligent dance music siempre ha parecido estúpido en verdad, sólo lo puede escuchar gente muy inteligente, está prohibido que los estúpidos lo escuchen? por favor! que gran tontera!, ah pero si esa es la lógica, Laurel crea música bailable de altísimos coeficientes intelectuales!!!

14.-DJ Rashad-Just A Taste
Minimalismo, hip hop, los ritmos más quebrados y disparatados que se puedan imaginar repeticiones a más no poder, el producto de una mente alterada en verdad y esa loca maravilla llamada Footwork, discazo!!!

15.-Cut Hands-Afro Noise 1
Africa y el noise se unen en esta bestia, el pasado y el futuro en plena colisión, bienvenidos al festín dónde el plato principal son tu oídos, Bennett (Whitehouse) se olvida un poco de la neuro programación y se mete de lleno en los rituales de la Africa más oscura!!!

16.-Pete Swanson-Man With Potential
Quien diría que algún día el ex Yellow Swans encontraría una combinación sorprendentemente equilibrada entre el drone y el techno, techno fantasmal? techno para película de David Lynch? Si Lynch alguna vez quisiera ponernos a bailar, ya saben a quien debe consultar primero!!!

17.-Wolves in The Throne Room-Celestial Lineage
Los del norte nos traen una nueva opera ecológica y tenebrosa, black metal bio degradable que se penetra por la tierra hasta la raíz misma del mundo, melodías Wagnerianas a volúmenes extremos, si el mundo algún día se rebela contra nuestros ataques a la naturaleza, este sería el terrible soundtrack!!!

18.-Bill Orcutt-How the Thing Sings
Orcutt y su genial híbrido de las disonancias fantasmales de John Fahey y los experimentos salvajes y atonales de Derek Bailey, el único hombre capaz de liberar semejante furia con una guitarra acústica vuelve a demostrarnos de que es capaz!!!

19.-PJ Harvey-Let England Shake
La Harvey, cada vez mejor compositora, cada vez mejor interprete, su música deja ún lado los excesos y cada vez más nos presente a la compositora femenina más interesante de los últimos años, agreguenle a eso que canta bien, que es buena en el piano y la guitarra y que pareciera la re encarnación de la misma Patti Smith, que se cuide Bjork!!!

20.-Wadada Leo Smith´s Organic-Heart´s Reflections
Este disco fue un verdadero deleite, el reconocido heredero del grande Miles Davis se hace presente una vez más en un disco de épicas dimensiones, Wadada no sólo revive a Miles Davis y su trompeta poderosa, también trae de vuelta ese ensordecedor período del Miles más eléctrico!!!

21.-Los Llamarada-Gone Gone Cold
Banda local que se despide de esta manera tan fascinante como desoladora, como condenado a la silla eléctrica, Los Llamarada crean un disco épico y digno de un verdadero artesano en desgracia, que deja lo mejor de si mismo al borde de su último aliento.

22.-Radiohead-The King Of Limbs
Mi relación con Radiohead es de amor/odio, por un lado es importante recalcar su admiración por bandas de krautrock, techno, dub y rock vanguardista, por otro detesto esa época en que andaban de rockeros alternativos en plan Nirvana, admito que discos como Kid A, Amnesiac o In Rainbows han tenido agradables sorpresas (sobre todo Kid A) cada vez más abundantes, que si en The King Of Limbs me reconcilio con ellos, si y no, me reconcilio con su música, que cada vez se escucha y huele más al krautorck de Can, lo cual me haría imposible odiarles completamente o ignorarles, pero si te gusta Can, que caso tiene escucharles?

23.-Cold Cave-Cherish The Light Years
Fernow como sideman, en un proyecto que revive esos sintetizadores de los ochentas, pero que no vive en la nostalgia, sino en la pura furia destructiva, eso que tanto nos gustaba de bandas como New Order, los Smiths, etcétera pero a bordo de un tanque de guerra!!!

24.-Gang Gang Dance-Eye Contact
Banda de gustos híbridos que igual integra el exotismo de Bjork, los ritmos inquietos del grime, las atmósferas ambient de Eno y las investigaciones étnicas de los Can, agreguenle a esos las increíbles vocales de Lizzy Bougastos!!!

25.-Bjork–Biophilia
Dificil entender el concepto de Bjork sin tener el paquete completo, no sólo un disco, sino un atrevimiento tecnológico, me quedo con la música y con una Bjork que cada vez se siente más segura de su principal instrumento musical: su voz!!!

Cut Hands-Afro Noise 1

2011-12-10T01:08:00.002+08:00

Es momento de platicar del que posiblemente sea uno de los grandes discos del año, ya lo había discutido en otros foros, pero sería algo inadmisible no platicarles de él aquí, para los que no sepan, Cut Hands es un proyecto a cargo de William Bennett, si, el mismo William Bennett que nos ha deleitado por décadas con sus trabajos extremos en el grupo de power electronics conocido como Whitehouse.

Y bien si Bennett es ya reconocido por Whitehouse, que de nuevo nos trae ahora con Cut Hands? Todo y nada a la vez, sabemos que Bennett es una persona encarrilada, difícilmente sabremos que Bennett se distraiga de su línea noise, claro tal vez cuando Bennett se mete en la onda italo disco con su proyecto de DJ Bennotti, pero quien lo culparía, después de todo el italo disco es un genero bastante peculiar y entretenido dentro de la música bailable, y que a pesar de lo frívolo que pudiera prestarse a pensar que es, nos ha dado cosas profundas y trascendentales como la música de Giorgio Moroder, por ejemplo, pero no nos distraigamos tanto del tema, Cut Hands, y que es Cut Hands y que nos presenta Bennett en este Afro Noise 1? (vaya título que resume todo).

Afro Noise 1 es una sorpresa total, si bien Bennett no abandona ni un ápice su afinidad por el ruido y los extremos, si nos presenta una nueva faceta de este, la evolución total de un genero/técnica de composición, como gusten definir el noise, que muy probablemente pueda tener su raíz en el poder que ha tomado la música africana en nuestros días, en particular me trae a la mente los poderosos Konono No.1, quienes introducen a la música africana dos vertientes sonoras importantes, uno es el uso de la electrónica primitiva, y el otro el uso (tal vez casual) de distorsión en su música, recordemos que a la banda en particular le gustan los altos volúmenes y el uso de amplificadores destartalados de guitarra (que si bien, obedece más a una situación económica de la banda, pero que estos han sabido convertirlo en un extra de su sonido y no en algo que lo limite lo degrade.), otros referentes los habrá, pero en lo particular me quedo con este.

Bennett hace uso de su alquimia sónica y le suma el sabio uso de poderosas percusiones basadas en ritmos africanos, dando una poderosa y surreal combinación de pasado y futuro, de futurismo y primitivismo, rara vez visto desde el nacimiento del techno en Detroit (con la excepción ya mencionada de los Konono No1 y con sus obvias diferencias), Bennett no cede en l más mínimo su visión caótica y extrema, el volumen, la distorsión y la estática siguen presentes, el espíritu de Whitehouse sigue presente (y como no, si está en la sangre de Bennett) pero la visión adquiere nuevas formas, no pierde foco, por el contrario, se vuelve más compacta, Welcome To The Feast of Trumpets, la breve introducción, suena amenazante, atemorizadora, con esa percusión que obviamente anuncia algo terrible y drones completamente familiares al trabajo de Bennett, Stabbers Conspiracy usa una percusión más florida, más exótica y de densidad masiva, estamos en África cortesía de uno de los artesanos sónicos más extremos y a la vez estamos en el futuro gracias a un sonido manipulado y llevado al extremo mediante el uso de ecos y filtros, Rain Washes Over Chaff es una excursión al África más negra, en medio de la lluvia de las densas selvas, dónde el peligro amenaza a cada segundo, es importante volver a mencionar la omnipresente densidad del sonido, la sensación abrasadora del trabajo de Bennett o de Cut Hands en particular con un sonido que envuelve, que subyuga y que le pone a uno la piel de gallina.

Nzambi la Lufua es puro Whitehouse, ese manejo insolente al que Bennett ya nos tiene acostumbrados se cruza, se materializa y nos hace girar nuestros cerebros, en ocasiones el mensaje es tan poderoso que no requiere el aplastante refuerzo de la percusión, en otras la pura fuerza percutiva se manifiesta, como en Who Knows Go Knows, otras como Backlash pareciera que Bennett nos metiera en un remolino sónico mezcla de magia digital, sonidos envolventes, contundencia africana y porque no algo de asombrosa psicodelia.

El disco poco a poco empieza a irse a los extremos que disfruta William Bennett, Shut Up And Bleed es Cut Hands al extremo, sálvese quien pueda con este Whitehouse más negro o como si los Konono No1 de plano hubieran enloquecido y fueran producidos por Trent Reznor en la casa dónde Manson se despacho a Sharon Tate, mientras que Munkisi Munkondi hace un lado lo africano en favor de los extremos sónicos no tan étnicos, pero no menos brutales, si de por si nos encanta hablar de visionarios incomprendidos que suelen ir décadas adelantados a las modas actuales, William Bennet/Cut Hands nos da una muestra poderosa de cómo se hace con gracia y con contundencia, un disco surrealista, futurista, escalofriante y una apuesta muy segura a ser uno de los discos del año.

REVEH-In My Time Of Dying Youtube

2011-12-08T08:13:00.000+08:00

Composición de la casa!

Danzig-Cold Cold Rain Youtube

2011-12-08T08:11:00.000+08:00

Temota del buen Glenn Danzig, supuestamente "perdido", pero bueno, al fin encontrado, clara demostración de las capacidades compositivas del muchachote poseído por Morrison y Elvis

Lou Reed-The View (Youtube)

2011-12-08T08:08:00.001+08:00

Videito de Lou Reed y el tema The View del disco Lulu, de mis favoritos de este año, finalmente esa visión que ha venido buscándo Lou en discos como Berlin, Blue Mask, Metal Machine Music y The Creation of The Universe y The Raven se cristaliza por completo, nuevamente el maestro Lou muy adelantado a su época.

Dirigido por Darren Aronofsky, si no saben quien es, dense una checada de mente!

Kate Bush-50 Words For Snow

2011-12-07T06:06:00.002+08:00

Luego de Director´s Cut un nuevo disco de Kate Bush para este año? Debemos estar soñando, un disco de 7 canciones? Son pocas para el estándar a que nos tiene acostumbrado Kate, pero bueno veamos que tal.

Para el no iniciado en estos tema, pongámosle sobre aviso, Kate Bush es una verdadera anomalía en el ámbito musical, Bush maneja su propio tiempo y espacio y sus discos son rara vez frecuentes, sus giras, impensables, su música a pesar de ser poco comercial en términos musicales, es muy apreciada y vende un buen número de unidades, podemos ver a Bush como una precursora de las carreras poco usuales de gente como Bjork, Tori Amos o en menor grado PJ Harvey, Bush fácilmente podría adjudicarse el mote de “madre de todas ellas”, (con un Scott Walker como posible padre…).

50 Words For Snow, es nuevamente, un reto intelectual y musical de parte de Bush, un disco poco común, en el cual el concepto principal es la nieve (un disco de navidad de Kate Bush! BASTANTE INUSUAL!), al parecer y según los comentarios de la misma mucha nieve se presento durante la concepción de este disco, lo cual inclinó mucho a Kate a crear todo un concepto alrededor de este tema, después de todo, no es la voz de la Bush algo muy parecido a la nieve, etérea, transparente, magnánima, delicada y a la vez frágil, claro!

Snowflake es extrañamente la Bush imaginándose como un copo de nieve cayendo sobre este mundo (parte del trabajo vocal, aquí, llevado por el hijo de la Bush, Bertie), todo esto a ritmo de un parco acompañamiento de piano (a cargo de Kate) y el sonido de sintetizadores como fondo muy tenue, Lake Tahoe es un poco más de lo mismo, aunque en esta ocasión Bush inicia su pirotecnia vocal, con un coro casi a niveles operáticos, y un acompañamiento clásico que aumenta el drama a niveles épicos (con bastante influencia del colega minimalista de Philip Glass, Michael Nyman, que nos hace pensar porque Nico Muhly no considera hacer un disco con la Bush?).

Misty continua un poco la escuela de “cosas extrañas que nos cuenta la Bush”, con una historia de una chica que forma un mono de nieve sólo para intentar hacerle el amor y después ver como este se derrite junto a ella, un relato un tanto frío, arriesgado, triste y absurdo, que habla en términos un tanto acordes al universo de Bush, los arreglos un poco más robustos de piano, bajo y conjunto de cuerdas, son apoyados por un trabajo de batería cercano al jazz que aparece y desaparece (cortesía del gran Steve Gadd, reconocido baterista de jazz y fusión)), la pieza más larga del disco con casi 14 minutos de la hermosa voz de la Bush, y un apacible trabajo jazzistico que en momento va creciendo, sin muchos aspavientos ocasionalmente pero con una calidad que se agradece.

Wild Man denota el clásico sonido de Bush, una mezcla de pop retorcido, gimnasia vocal y arreglos derivados de la música progresiva, todo ello llevado al up tempo a base de los sintetizadores que tanto agradan a la Bush, no entremos muy a detalle de las rarezas de Bush y esta oda al abominable hombre de las nieves conocido como el Yeti y ese enorme coro que golpea como tormenta invernal.

Snowed In At Wheeler Street es Kate Bush en su modo más sexy, acompañada por Sir Elton John, en lo personal una pieza que no hace mucho por mi, luego de Wild Man creo que está, hace que se pierda un poco el ritmo del disco que se iba a incrementando, pero nuestra lógica rara vez funciona en el mundo de Kate Bush, como en 50 Words For Snow, dónde todo suma, guitarras, baterías, bajos, sonidos en “loops”, y las llamadas 50 palabras en infinidad de idiomas que describen la nieve, mencionadas por Stephen Fry y la Bush diciendo cosas como: “Llevas 15… te faltan 40”, ya saben el hermoso mundo bizarro de la Bush por el cual morimos y con el cual gozamos cada rara ocasión que se le ocurre grabar un disco (este año doble festejo ya que nos trajo este y un re trabajo de varias piezas anteriores.)

Among Angels es el cierre épico de este disco de una magia tan poco común, tan propio de Kate, su propio universo nevado que a diferencia de la nieve pareciera no consumirse de manera tan efímera, Bush ha hecho un señor disco de pop, que no sonará en la radio, cuyos videos serán olvidados, si es que los hay, pero que no demerita en nada su discografía, sino por el contrario, la robustece, y hace crecer la leyenda, con paso firme como cada disco que Kate ha editado, ya tenemos soundtrack para el frío.!

Los Llamarada-Gone Gone Cold

2011-12-07T00:25:00.001+08:00

El escalofriante adiós (aparentemente definitivo) de una de las bandas más significativas de Monterrey de los últimos años, si bien Los Llamarada, para el común de la gente de la ciudad no existen o son completamente desconocidos, Los Llamarada serán recordados por haber hecho las cosas a su manera y obtener una repercusión significativa fuera del país, no siempre se podrá ser profeta en tierra propia, y los que lo son a veces es porque vendieron su alma, este no es el caso aquí, si bien, para reseñar el Biophilia de Bjork, de una manera exitosa se requería de un manual y los apps del ipad, y para reseñar el Exquisite Corpse de Mattin se requería de antemano que nos explicaran en que consistía el concepto de la grabación, para poder entender el Gone Gone Cold de Los Llamarada se requeriría pasar unas semanas en Monterrey, y vivir el miedo que se ha sufrido y la decepción tan grande que se ha sufrido al ver una “próspera” ciudad convertirse en un campo de batalla, la paranoia al ver unidades “patrullando” las zonas, cuerpos colgados de puentes peatonales conocer el terrorismo y constantes noticias sobre cuerpos disueltos en acido, Gone Gone Cold es un disco de oscuro, sucio, molesto y brutal, desde la fúnebre portada, el título, el sonido y demás, coherencia de principio a fin para transmitir un mensaje final, un amargo adios.

Inmersos en su característica y poderosa nube densa de feedback y ruido, Los Llamaradas artesanos geniales del lo-fi arrancan con la insistente Bury The Light, acaso una manifestación inconsciente del deseo de cerrar los ojos y dejar de ver tantas cosas malas que han sucedido en la ciudad? Una pieza de garage puro, cacofonía sin concesiones como si Glenn Branca aquel celebre compositor, pieza clave para el surgimiento de la no wave (y podríamos decir padre de los Sonic Youth) se decidiera a hacer una versión libre y propia del Louie Louie de los legendarios Kingsmen.

Hace algunos años (muchos por ciertos) unos amigos solían tener una banda de metal extremo llamada Inmortal (sic) Death, nombre que debo admitir, en su momento me causo mucha risa, ya que el nombre llevaba implícito algo de incongruencia desconocimiento e ignorancia, pero vuelvo a topar con un juego de palabras similar, esto casi dos décadas después, esta vez bajo otro contexto y como nombre de una canción, Death Will Die, y tristemente las cosas hacen sentido, en una ciudad como esta hasta la muerte estaría atemorizada con tanta brutalidad y desprecio por la vida. folk cósmico? folk funebre?, creo que ni los mismos Llamaradas tendrían la respuesta aquí, una pieza fúnebre, un dirge in the dark, de esos que acusaban a los Velvets de tocar hace casi 4 décadas, y después una feroz un ataque de ruido a los sentidos, una feroz conclusión al puro estilo Llamarada con teclados para anunciar el fin del mundo (por lo menos del que conocemos), en verdad estos chicos saben más de lo que aparentan? En realidad están convencidos de una fatalidad que está por llegar?

The Sudden Flesh es puro garage, un sonido característico en la banda, su sonido, informado por un ritmo cercano a esas adaptaciones del krautrock que hacían The Fall o Wire en pleno auge del post punk, y por momento, esas vocales que me recuerdan a la genial Phew con los Aunt Sally o que tal Heaven of Glass, de la cual pudiera decirse que es la pieza principal del disco, una versión fantasmal del blues tocado en alambre de púas que el tejano Jandek suele hacer, esas líneas de guitarra que lastiman, que te hacen pensar en dedos ensangrentados y una armónica espectral que pareciera dar un toque funesto aún mayor a esta marcha oscura.

Gone Gone Cold sobresale por su manufactura totalmente sumergida en el lo-fi, una grabación tan casera, tan gloriosamente hecha en casa, que me pone la piel de gallina pensar lo atemorizados que debieron estar los vecinos de estos chicos durante las grabaciones, el post punk descarado de Tu Diversión (extrañamente la única con titulo en español) con una guitarra poseída y sumamente expresiva, y esas vocales de victima de secuestro atada en la cajuela del auto, que sólo le dan un contexto más fúnebre, o ese sonido tan distorsionado que se precipita y funde las bocinas de Switch Static que nos trae a Los Llamaradas más bestiales, en total punk mode, como pocas veces les habíamos escuchado invocando la furia de una ciudad que busca una salida, la búsqueda de la máxima aceleración para lograr la transformación en pura energía.

El disco termina en dos partes, con la majestuosa All Gods Collapse, una marcha poderosa, que puesta en movimiento pareciera ir convirtiéndose en una bola de nieve, su insistente sonido magnificándose, sus poderosas guitarras rabiosas y finalmente Inside The Fire (en verdad el adiós definitivo?) un blues poderoso hecho con mano firme, la banda que hizo del caos un estilo propio, finalmente se alza con la victoria en pleno dominio de su sonido, vaya manera de terminar una carrera, el mejor disco de la banda, y la última oportunidad para apreciar una propuesta que no debimos perdernos desde la primera vez que surgió.

REVEH-, Revolution Drone, Martyrs Of The Modern Era Records 011!

2011-12-06T05:56:00.000+08:00

REVEH

Revolution Drone

Martyrs Of The Modern Age 011

Recorded In October 2010
Mixed In November 2011 at Hell´s Kitchen
All music composed, executed, recorded and mixed by: RV
Instruments used for this recording: Piano, Harmonium, Stings and FX.

01 The Revolution Is Marching On
02 A New System To Them Merge All
03 Fear Is The Factor Out Of This Ecuation
04 The Sum of All Of Our Dreams Is Someone Else Knowledge

"Powerful abstract drone-ambient sounds from Mexico´s finest..."

dl: http://www.mediafire.com/?te6beeuh9dno9ig

Keiji Haino-Un Autre Chemin Vers L´Ultime

2011-12-03T07:44:00.000+08:00

Enigmático disco del siempre genial Keiji Haino, maestro de la guitarra más bestial y noise salido de las nobles tierras japonesas, Un Autre Chemin Vers L´Ultime es un disco extraño, hasta cierto punto, para el que no esté habituado a la magia de Haino, si bien Haino es conocido por su estilo libre y estridente de tocar la guitarra, pura brutalidad eléctrica, pero bueno, la guitarra es sólo una de las múltiples virtudes de este genial compositor e improvisador japonés.

Si quisiéramos poner en palabras realmente lo que Haino hace a las guitarras, debo pensar que en realidad no existe una descripción correcta, destriparla, deshacerla, desgarrarla, destrozarla, se acercaría, más no de una manera definitiva, ahora, cambiemos la situación y enterémonos de que Haino no sólo le hace esto a una guitarra, lo hemos visto hacérselo a una batería y ahora podemos ser testigo de la magia de Haino aplicada a su voz.

Un Autre Chemin Vers L´Ultime es un disco en verdad inusual, Haino una figura predominantemente enganchado en el rollo eléctrico, no sólo hace a un lado la guitarra, también la electricidad y propiamente los escenarios como tales, grabado durante una gira por Europa, Haino es llevado a sitios poco usuales (aunque no nos sorprende, ya que el gran saxofonista John Butcher ya había hecho algo similar) en los cuales la acústica surgida es sorprendente e inesperada, es ahí dónde Haino suelta la magia (ok, desata, es una mejor palabra) y se apoya en su experiencia como improvisador para usar su voz como único instrumento y aprovecha los espacios para dar un nuevo poder a sus creaciones, Un Autre Chemin Vers L´Ultime más que un disco de Haino, es un estudio a la voz de Haino, a su poder, a su ingenio, a su magia.

Iglesias viejas, cuevas, barrancos, un túnel, bosques, son los escenarios en los cuales Haino explaya su voz, la deja libre, deja que esta vague por los espacios o se atasque en ellos, cuevas reducidas en las cuales apenas tiene cabida el cuerpo de Haino y unos micrófonos sirven para poder captar estos sonidos en verdad fuera de lo ordinario por parte de Haino, quien va desde gruñidos animales, poderosos trabajos de garganta, gritos agónicos, chillidos, lamentos espectrales, todos ellos emanados de Haino como sólo él sabe hacerlo, si bien, debemos aclarar que hay discos muy respetables de artistas que han dedicado años a trabajar sus voces y a presentarlas de una manera artísticamente aceptable, también debemos regocijarnos que exista gente como Keiji que acepta el reto de poner su voz a escrutinio, a exponerla de esta manera tan natural como extrema, a dejarnos maravillar por su habilidad de manejarla como un instrumento más, como algo abstracto, primitivo, demasiado humano y animal a la vez, Haino en verdad derrota a la máquina, derrota a lo externo, demuestra que esas cosas tan extrañas y aterradoras que a veces nos vienen a la mente están dentro de nosotros y a veces sólo hay que cerrar los ojos para hallarlas, o usar lentes oscuros como siempre lo hace Haino.

10 horas de grabaciones de las vocalizaciones de Haino y su equipo realizadas en infinidad de lugares, uno de ellos una vieja cueva en Francia, repleta de apellidos, se cree que durante la invasión alemana a este país, familias enteras se refugiaron en esas cuevas y dejaron testimoniales escritos, tal vez Haino pudo canalizar la angustia y desesperación de esas familias, purificar el ambiente, canalizar todo lo malo que rodea a los hombres y transformarlo en algo sublime que nos eriza la piel, tal vez todo esto es un viaje increíble hasta los limites más recónditos de lo que puede llegar a hacer la voz humana, no aquella entrenada y perfeccionada, sino la que no conoce límites y se encuentra en estado pura, o tal vez Haino nos ha dado una demostración a nivel de medium de cómo canalizar espíritus humanos y animales a través de si, una joya difícil de asimilar a la primera, o por el no iniciado en los rollos que hace Haino, pero una prueba más de su genio creativo y artístico.

CAN-Tago Mago 40th Anniversary Edition

2011-12-02T06:27:00.001+08:00

CANdidato sin duda alguna a uno de los discos más extraños de la historia, a la vez que uno de los más fascinantes, si ya de por si decir que CAN eran herederos de tradiciones vanguardistas de artistas como The Velvet Underground, Frank Zappa, Karlheinz Stockhausen y Lee “Scratch” Perry, ya es decir bastante (bastante para que pocos les hayan entendido), mientras que es común decir de artistas de vanguardia, que estos van 1 o 2 pasos por delante de la mayoría de los artistas (en el caso de Lou Reed, como ya lo ha dejado claro, AÑOS LUZ), con CAN, el hecho es que iban fácilmente 3 o 4 pasos adelante, conformándose como férreos experimentadores muy por fuera de cualquier expectativa musical forjando el camino para bandas futuras en ámbitos como la música industrial, alternativa (término que me produce asco), electrónica y bailable.

Si bien sus inicios fueron conformados con una furiosa descarga musical informada en la ya mencionada Velvet Underground y el garage rock, de la mano del americano Malcolm Mooney, quien en mucho usaba una técnica parecida a la de Jamezs Brown que le ayudaba en el más puro estilo funk a adelantar los movimientos del grupo y acomodar con prodigiosa precisión sus vocales, por más inusuales que estas fuesen, los CAN eran una banda en extremo volátil, si bien la personalidad de Mooney en los inicios les dio algo bastante característico el carácter inestable del afro americano los puso entre la espada y la pared, Mooney, propenso a ataques de furia parecería candidato a llevar a los CAN a convertirse en una de las primeras bandas proto punk al encausar una furia similar y continuos enfrentamientos con sus audiencias (que me recuerda lo que le pasaba a los Bad Brains décadas después con su vocalista), la banda optó por despachar a Mooney y mandarlo directo a un loquero, y asociarse con el japonés Damo Suzuki, la banda mutó en una máquina poderosa con un mayor deseo de exploración, si bien Mooney les daba una energía explosiva, Suzuki les concedía una flexibilidad inusitada que los llevaría a recargar y transformar por completos sus ritmos mutantes, dándoles como resultado la concepción del Tago Mago.

Mientras que la banda se acercaba peligrosamente a un descarrilamiento con Mooney, Suzuki poseía tna flexibilidad prodigiosa, capaz de adaptarse a los nuevos extremos desarrollados por el grupo, en ocasiones frenéticos, en otros introspectivos, Tago Mago llegó a este mundo en 1971, luego de varias grabaciones con el vocalista anterior, la banda más que nunca se avocó a esas grabaciones maratónicas (que después serían editadas mágicamente por Holger Czukay, bajista del grupo) en que el grupo desarrollaba un extraño sentido de comunicación telepática, el grupo creaba melodías improvisando velozmente, al tiempo que la agilidad mental y gimnasia vocal de Suzuki creaba las palabras para relatar historias, no necesariamente que estas fueran ciertas, lógicas, en inglés, japonés, alemán, español o en algún idioma terrestre conocido, Suzuki era conocido por comentar que hablaba idiomas no conocidos por el hombre, el idioma del viento y el de los árboles, si esto era o no cierto, lo cierto era que Suzuki tenía habilidades inusitado para comunicarse si bien no en un idioma coherente, si a través de su voz como un instrumento más.

Desde la esquizofrenia psicodelica de Paperhouse, con Suzuki yendo de lo sublime a lo tenebroso, Liebezeit convertido en un metrónomo humano junto a Karoli poseedor de un estilo rítmico único (que siempre me ha recordado a Sterling Morrison de los Velvet Underground, poseedor de uno de los estilos rítmicos más poderosos que he escuchado), mientras que Mushroom hace gala de un ritmo eterno, aplastante, puro lucimiento de Liebezeit, quien se convertiría en uno de los eternos maestros de los ritmos adictivos que después serían reproducidos por máquinas en las pistas de baile, Oh Yeah, un claro precursor del post punk (en tiempos en que el punk no era aún concebido), Hallelluwah con su rítmico funk étnico que llegaría influenciar a los nacionales Toncho Pilatos de una manera casi definitiva (a pesar de las distancias), así como a bandas más nuevas como los Primal Scream, Aumgn con toda su esencia bizarra cercana a la locura de Zappa y sus Mothers, precedentes de los experimentos de otros como John Zorn, Mike Patton, entre otros.

Una de las piezas que llama poderosamente mi atención es Pecking O visualizada por muchos como una especie de Freak Out o explosión musical de la banda sin mucha repercusión, pero ojo, escuchándola a detalle nos damos cuenta que el sonido conseguido por la banda es por mucho precursor de todo un genero protagonizado años más tarde por artistas tan importantes como Aphex twin, DJ Shadow o Flying Lotus, agréguenle a eso el estilo vocal se Suzuki, estilo que tipejos como Thom Yorke han copiado y explotado hasta el cansancio engañando a más de uno haciéndoles creer que su concepto es muy innovador, aquí esta la prueba de que no, de que CAN lo hizo antes y mejor, 40 años atrás.

El Camarón de la Isla-Al Verte Las Flores Lloran

2011-12-02T04:07:00.001+08:00

Pinàculo español de mùsica llena de pasiòn y poder, misteriosamente esta serie de discos, fruto de la colaboraciòn del genial cantante español Camaròn de la Isla (irònicamente un guitarrista un tanto frustrado) y el gran guitarrista flamenco Paco de Lucìa (irònicamente un cantante de flamenco frustrado) carecen de tìtulo y se les ha nombrado con la primer canciòn del disco.

Grabado en el 69, Paco de Lucìa un consagrado de la guitarra admirado por muchos y detestado por otros, esto ùltimo debido a sus "crossovers" con el jazz y el rock, algo mal visto en los circulos tradicionalistas flamencos, asì como el cantante Camaròn de la Isla, otro mùsico fuera de serie, màs parecido a un "rockstar" que a un "cantaor" flamenco.

Camaròn y Paco nos brindan un disco espactacular, controversial como pocos en su època, que la verdad a mi me suena màs a rock n roll que a cualquier otra cosa, recordemos que el rock naciò de una expresiòn de rebeldìa, de una necesidad de expulsar energìa y pasiòn, de la misma manera Camaròn y Paco explotan de manera irrepresible a travès de cada melodìa, Paco por un lado con sus incendiarias ejecuciones, fruto de horas y horas de pràctica, que se debaten entre el profundo conocimiento de la tradiciòn y el arriegue de incluir una furiosa dosis de energìa y una aventurada mirada a la improvisaciòn, por otro lado, el poderoso Camaròn, con una voz màs arrebatadora que cantante màs triste de blues, remitiendome un poco a aquellos legendarios cantantes de Rembetika (algo asì como el blues greco-turco por decirlo de alguna manera) que cantaban de manera desgarradora sus historias de dolor, enfermedad, pobreza y drogadicciòn, Camaròn nos arrastra a ese mundo de dolor y pena perpetuo, como las oscuras melodìas de Jacques Brel, a travès de mundos donde se sufre, se llora, pero que al terminar resultan un vertiginosa catarsis, llena de poder, que irònicamente revitaliza, un disco tan poderoso, violento y oscuro, que al terminar nos hace ver la vida de una manera gentil, plàcida y llena de luz.

Un disco destinado a romper de lleno con las tradiciones, llevar el canto flamenco a otras audiencias, consagrar a sus ejecutores y dar el impulso adecuado a sus carreras, Paco consagrandose como un talento inusual y osado experimentador y Camaròn, como el hombre con una voz desgarradora, capaz de erizar la piel de cualquiera, con su poder de transmitir mil emociones y no sòlo eso, capaz de llevar el flamenco a lugares insospechados.

Ben Frost-By The Throat

2011-12-02T03:52:00.000+08:00

Sería difícil para mi, dejar de reconocer este disco como uno de los más grandes de la década, y es que si bien, Frost nos ha dado anteriormente un buen disco y otro excelente (Steel Wound y Theory of Machines, respectivamente), esta vez, cualquier expectativa a sido rebasada, su música es impresionante, fácilmente atraviesa el aspecto sonoro y se transforma en una experiencia audiovisual, y es que es difícil el no imaginarse todo el trance desarrollado por Ben Frost en este increíble By The Throat.

Si bien Theory of Machines era un disco, un tanto robótico, mecánico o muy calculado, como quieran llamarle, este By The Throat es completamente lo opuesto, salvaje, furioso, animal, sangriento, es la sensación de frío, soledad, lobos, instinto y supervivencia, ustedes hagan la historia que quieran, Frost les da la base, la atmosfera, la adrenalina y el soundtrack, esos terroríficos gruñidos en The Carpathians, pone a cualquiera los nervios de punta, la música de Frost alcanzó niveles fríamente mecánicos con esas descargas controladas de distorsión y ruido en Theory of Machines, ahora Frost hace un viaje a través del más puro instinto animal, sus raíces minimalistas siguen vigente más que nunca, referencias sonoras a gente como Arvo Part, Messiaen y demás músicos “sacros” se manifiestan en cada momento, las líneas de bajo fluyen de manera dolorosa, la distorshón hasta las nubes, como si Frost hubiese digerido bastante la música de gente como Burial , si, parafraseando un poco la canción de aquel “mediocre vocalista hijo de otro vocalista no tan mediocre”, esta es casi una experiencia religiosa, Frost mezcla maravillosamente lo perversamente instintivo con lo sublime y sagrado, su música va de la calma espectral, a la violenta tensión, Frost se manifiesta igualmente admirador de gente como Arvo Part, Chris Watson, The Deftones, Trent Reznor y Michael Gira, lo cual nos puede dar una amplia referencia de la experiencia ante la cual nos encontramos, la espiritualidad de Part, los impresionantes sonidos de la naturaleza de Watson, el volumen de unos Deftones, el sonido frio de Reznor y el minimalismo atormentado de Gira y sus Swans.

Frost, nativo de Australia reside ahora en Islandia, dónde se ha hecho parte de la llamada Bedroom Community o comunidad de productores y músicos de “habitación” por decirle de alguna manera, gente como Nico Muhly, Valgeir Sigurdsson y Sam Amidon, quienes participan en este disco, por otro lado también la inclusión de las exquisitas cuerdas de los Amiina, nativos de Islandia, sin duda ese país ha resultado ser una poderosa fuente de inspiración para Frost, quien hace maravillas con el material proporcionado por el grupo de Death Metal/Grindcore Crowpath, cuyo material llama “materia prima” y que procesa de una manera extraordinaria para llevarnos de los extremos sonidos religiosos de Part a la dureza del metal más pesado.

Haciendo alusión a alguna entrevista de Frost señala que platicando con Oren Ambarchi, otro genial músico australiano, definió su música señalándole un disco de Arvo Part y de los Deftones y le peguntó a Ambarchi que musicalmente que había en medio, Ambarchi, no supo que contestar y frost le señaló que él se encontraba en medio de esos dos espectros, lo cual me resulta increíble, pero en la mezcla, Frost nos deja muy claro que habla en serio.

Aun-Phantom Ghost

2011-12-02T03:41:00.002+08:00

Pareciera que el dúo conocido como Aun estuviera bien enfocado en un extraño viaje interno hacia un estado etéreo, como si la banda quisiera desaparecer, cada disco el sonido de la banda de Montreal, Canadá se vuelve más expansivo, la forma empieza a perderse, los elementos de fuerza y contundencia parecieran decolorarse y abrirse en mil direcciones y el sonido, alguna vez lineal ahora revienta y se convierte en una niebla densa de sonido.

Alguna vez los Aun estuvieron asociados a los Voivod (ambos canadienses claro está), agréguenle que Away, el baterista de banda, hizo acto de presencia en su disco VII, cuando la banda ostentaba una dirección más encarrilada a algo cercano al metal de vanguardia, etiqueta que poco les duró colgada, ya que para el Black Pyramid, la banda ya estaba bastante instalada en un rollo electrónico con tintes ambient.

Ahora bien, 2011 y Aun edita su Phantom Ghost, se requiere alguna explicación adicional, luego de el título del discos y las referencias anteriores? Phantom Ghost es un disco fantasmal, tanto que Aun decide incluir voces femeninas que parecieran desvanecerse a segundos de aparecer, la portada obviamente apuntala todo el concepto, un rollo bastante fantasmal, en parte heredado por los coqueteos ambient de Eno y compañía y en parte eras fabulosas atmósferas etéreas de voces femeninas de los Cocteau Twins, Phantom es puro espíritu femenino en estado gaseoso, mientras que Out Of Mind ya incluye un poderoso ritmo minimal y guitarras bastante procesadas que nos remite obviamente a las anteriores producciones del grupo, obviamente aquí es dónde la banda empieza a enganchar al escucha, Travellers se mete un poco más al rollo electrónico a la vez que integra percusiones de clara herencia nativo-americana, como si la banda tratar de invocar esos espíritus del pasado contenidos en sendos tótems sónicos.

1984 es pura nostalgia contenida en esos sintetizadores espectrales, y después esas percusiones bañadas en ecos no hacen otra cosa que hacernos pensar como es que la banda pueda componer estas piezas que de alguna manera parecieran sonidos concebidos dentro de nuestras cabezas en sueños, Orga II es otra pieza más de ambient puro con un ritmo electrónico totalmente minimalista, mientras que Light Years se asemeja mucho a esas investigaciones electrónicas de proyectos como Oneothrix Point Never, en dónde los sintetizadores se llenan de nostalgia en su viaje a través de filtros de sonidos interminables.

Ghost inicia con un poderos drone, el cual se va volviendo más poderoso y después se suma a ecos y distorsiones, un ritual sonido marcado a penas por una percusión demasiado baja, como si Aun se comunicara telepáticamente con los Sunn O))) en un plano muy similar a los de Seattle, poco a poco la pieza comienza a perder forma, a distorsionarse y la entrada de vocales, ayudan a la pieza a convertirse en una verdadera “pared de sonido”, mientras que la pieza final del disco, Berlín, me hace pensar si Aun está señalando una de las ciudades pioneras en la electrónica o la soledad y tristeza que esta provoca (cualquiera de los dos elementos esta fuertemente entrelazado, no por nada esa ciudad alemana es la meca de todo el movimiento electrónico, hablemos de electro, techno, ambient, etc., aunque otro elemento, sino berlinés, si alemán sale a colación al final de la pieza, ya que pareciera volverse una de esas evocaciones electrónicas a las que los Tangerine Dream nos tenía tan acostumbrados.

Aun continúa su exitosa carrera, disolviendo disco tras disco su composición física y transformándose ante nuestros ojos en pura energía y puro sonido.

Pete Swanson-Man With Potential

2011-11-29T03:22:00.000+08:00

Que si Pete Swanson necesitaba dejar los Yellow Swans? Por supuesto! Y es que su obra se ha incrementado de manera exponencial casi de manera infinita desde que inició su carrera como solista, era algo en verdad necesario ver al “cisne” volar por si mismo este inquieto escultor de sonido nos trae su segunda obra en el año, si, Swanson se da el lujo de crear dos obras este año, DOS (contado su I Dont Rock At All), y que manera de complementar su obra, ya que mientras su disco anterior era más estático, con Swanson expandiendo la paleta sónica de esas grabaciones de guitarra manipuladas hasta crear enormes pesadillas de sonido, Man With Potential rompe por completo con ese modus operandi y nos trae nuevas reglas para este juego.

Misery Beat es todo menos un ritmo miserable, es Swanson metiéndonos en un ritmo minimal, compacto y después Swanson aplicando su magia (que aprendió escuchando discos dub hasta el cansancio…) y haciendo del ritmo algo masivo, denso y sudoroso, el trabajo de todo un artesano del sonido que ahora encuentra algo verdaderamente valioso en una nueva vertiente de sonido, si bien Swanson no abandona y difícilmente lo hará en el futuro, el drone o el noise, esta vez se concentra más en el sonido básico del techno o en la cacofonía de los ritmos tribales del África negra.

Remote View es más vaporosa, menos agresiva, más etérea, y para mi gusto tal vez, lo que David Lynch debió hacer en Good Day, o como debería sonar un rollo techno en sus películas, un ritmo bailable más surrealista, se pudiera decir, o que tal A&0xo?, otra pieza de pura abstracción techno con Swanson creando líneas corrosivas de melodía que parecieran estar atravesando la densa maraña de sonido reverberante que se carga Pete.

Far Out es menos abstracta, es puro sonido cacofónico y en plan hipnótico, si bien esas repeticiones incansables nos remiten a un rollo bastante afro que la música techno, el house y el acid house siempre han tenido, Swanson lo acentúa con ritmos tribales y toms en plan monstruoso que nos llevan de las alucinantes pistas de baile al mismo África ritualista, en un viaje que es puro alucine y adrenalina pura.

Man With Potential (si está hablando Swanson en el título del disco de si mismo, yo le apoyo!) hace que me venga a la mente el Merriweather Post Pavilion, pero mientras que los Animal Collective se acercaron tímidamente a las cacofonías electrónicas de influencia africana en ese disco, Swanson las aborda de lleno, se baña en ellas, y las lleva al extremo como pocas veces las hemos visto, si bien la música africana poco a poco se ha ido reivindicando y tomando el lugar que merece, discos como este o el de Cut Hands (Afro Noise) de William Bennett nos traen esa adrenalina y ese hipnotismo de la música africana en pleno matrimonio pagano con la electrónica extrema, que manera de evolucionar y fusionar géneros!

Face The Music es precisamente eso, ponerse de cara con la música y ver como esta poco a poco se va elevando cual inmensa ola, poniéndonos en una situación difícil y después desbordándose, con Swanson siempre al mando y sin soltar la rienda del sonido, algo en verdad sorprendente a estos niveles de distorsión, dejándonos una muy extraña escuela de como deben convivir el orden y el caos, Swanson sabe como construir sus piezas en un orden completo, en ningún momento nada es dejado a la deriva, pero cuando Swanson lo considera correcto pareciera saber como dejar aflorar el caos total, ruido, distorsión, corrosión y sorprendentemente ritmo, y lo mejor de todo saben que es, la mano firme y experimentada con que Swanson dirige este caos y que lo hace capaz de volver a retomar el control en todo momento.

Mika Vainio- Life (...It Eats You Up)

2011-11-29T02:33:00.000+08:00

Descubría los finlandeses de Pan Sonic casi por accidente, unas semanas después de grabar algunas cosas, fue grato darme cuenta que sin haberlos escuchado había grabado algunas piezas que tenían un sonido similar, lo cual me intrigo y me hizo sumergirme en sus discos, conocer el ingenio sónico de Mika Vainio y de Ilpo Vaisanen, como esos chicos del extremo superior del mundo mezclaban esos sonidos cuasi industriales con técnicas minimalistas y de dub.

Pues bien, supuestamente a partir del Gravitoni, Pan Sonic dejaron de ser grupo (espero algún día en el futuro nos sorprendan y desmientan esto) y Mika Vainio continúa con los experimentos sónicos a través de varios medios, bajo su nombre, bajo pseudónimos, o en colaboración con otros músicos como Vladislav Delay o con Lucio Capece, en particular dos caras de su nueva música me parecen atractivos, sus grabaciones bajo el pseudónimo de Ø, verdaderos artefactos de psicodelia electrónica y su trabajo como Mika Vainio, en dónde sonidos más familiares a su anterior grupo conviven con una atmósfera minimal, cercana al ambient, si bien este último proyecto no está diseñado para reventar bocinas, como los hacían los Pan Sonic, Mika Vainio y su música siguen haciendo que los decibeles aumenten con cada sonidos que emerge de las bocinas.

Si bien los nuevos trabajos de Vainio, Life (…It Eats You Up) su más reciente, no tienen nada que uno pueda reprocharle en cuanto a volumen, suman un ingrediente más al poderoso sonidos electrónico de Vainio, su inquietante abstracción, como si Vainio nos sumergiera en su mundo propio de sonido, en una obra muy personal que atrae por su poder y su esquivo significado, In Silence A Scream Takes A Heart es bastante parca, industrial en su esencia, pero de una forma extraña feedback, controlado, hasta cierto punto, y moldeado al deseo de Vainio, un sonido que emerge, pero que no se libera por completo, Vainio juega con el sonido y lo moldea a su antojo dejándole que tome varias formas, a mitad de la pieza Vainio abre las compuertas y un torrencial ruido nos golpea, el maestro ha tendido el anzuelo y nos ha enganchado y después nos golpea con su arsenal pesado y caemos al vacío.

Throat es ruido puro, similar a la estética sónica de Pan Sonic, sonidos metálicos se mezclan con puro ruido, con feedback proveniente de guitarras ultra distorsionadas, el cielo si les gustos el Metal Machine Music de Lou Reed, el infierno si lo suyo es el tal Justin Bibier, Throat nos lleva a varios niveles de castigo sónico, Vainio hace un desden completo por cualquier forma y su obra se presenta con un abstraccionismo total, en olas, en segmentos hasta desaparecer.

Mining es pura música industrial, aquellas de los inicios, no el rockscito industrial que nos recetaba Ministry, Vainio no toma prisioneros, y Mining es pura música industrial para disfrutar y nos concede la oportunidad de meternos en el groove con esa batería imponente y los riffs castigadores de guitarras, que parecieran querer liberarse y descargar su furia, pero al final solo amenazan y acrecientan la tensión.

No consideraría en lo personal a Vainio un guitarrista, es más, desconozco si esas guitarras que usa en este disco para crear sus obras sean ejecutadas por él, pero si puedo afirmar que Vainio está alcanzando un destreza tremenda y se acerca a los trabajos de otros escultores digitales de guitarras como Peter Rehberg, Oren Ambarchi, Ben Frost o Fennesz o Pete Swanson ) quien ha estado haciendo esto últimamente con resultados muy interesantes), Open Up And Bleed confunde a conocedores y a no iniciados, si bien, si, es correcto, sugiere una versión del clásico poco conocido de los Stooges, es una “versión” muy a la manera de Vainio, casi irreconocible, destruida y reconstruida según sus propias reglas y lógica, y después el universo “Vainio” da un giro completo en modo siniestro y nos lleva al universo del drone y el minimalismo total, Crashed con sus guitarras oscuras y lejanas, semejantes a campanadas de una iglesia siniestra que poco a poco se van creciendo y volviéndose más intensas, o que tal Cage con sus sonidos asfixiados en el silencio, porque no todo en el rollo industrial era el poder de sus percusiones, también el sabio manejo del silencio y de las atmósferas y Vainio aprendió bien estas lecciones, y después un poco de el toque finlandés, con Vainio que pareciera querer reflejar los hostiles paisajes de Finlandia a través de su música, atmósferas hostiles, más feedback como vientos “enrrachados” que desgarran la piel, estamos en el gélido infierno versión Mika.

Mika pareciera manejar durante el disco una excelsa combinación de elementos sonidos de primer nivel, su bagaje como maestro del noise industrial, siempre presente, su habilidad con la manipulación digital de sonidos, su conocimiento del ambient y de atmósferas hostiles, su acercamiento al drone de bandas como Sunn O))) (aunque vaya manera de acercarse!), aunado a una visión muy personal de la música ( del sonido) hacen de este disco un auténtico espectáculo de sonido propio, y suficiente justificación para no quitarle la vista (y el oído) al trabajo de Vainio y a sus futuras entregas.

REVEH-God Hate Us So Much, Martyrs Of The Modern Era Records 010!

2011-11-26T08:09:00.000+08:00

REVEH

God Hate Us So Much

Martyrs Of The Modern Age 010

Recorded In September 2010
Mixed In November 2011 at Hell´s Kitchen
All music composed, executed, recorded and mixed by: RV
Instruments used for this recording: Casio Keyboard and FX.

" A Live In The Studio recording of REVEH, a small keyboard and some effects, live noise improv..."

01 Heavy Gongs of Doom
02 In The Realms Of Chaos
03 A Way To Kill Them All
04 Time Is Crushing Me
05 In My Time of Dying
06 Never To See The Light Again
07 One Of Them Is Mine

DL: http://www.mediafire.com/?01ebb4eye12o88o

REVEH-El Sueño de la Araña, Martyrs Of The Modern Era Records 009!

2011-11-25T06:03:00.000+08:00

REVEH

El Sueño de la Araña

Martyrs Of The Modern Age 009

Recorded In November 2011 at Shared Fortress
All music composed, executed, recorded and mixed by: RV
Instruments used for this recording: Guitars, Trumpets and FX.

01 El Sueño de la Araña
02 Mis Desvelos en Tus Tinieblas
03 Un Bordado de Oscuridad
04 Entre Redes de Cristal
05 Ultima Ofensa de Tu Veneno

Latest recording by mexican sound sculptor REVEH, a guitar and a trumpet deep in shadows, live improvising and mixed digital, tenebrous compositions to serve as soundtracks for tenebrous dreams..
http://www.mediafire.com/?x99dd8mdnl2dxi8

Lou Reed-New York

2011-11-23T23:50:00.003+08:00

13 o 14 años debí tener cuando me encontré con el Nueva York de Lou Reed, y no, no es que viajara para allá, sino que me encontré esa maravilla de disco que Lou grabo en el 89 y que representaba un drástico cambio en su dirección musical, y que significó otro fuerte cambio en mi percepción hacia él.

Alguna vez les platiqué que conocí a Lou Reed y a la Velvet Underground a través de viejos elepés de recopilaciones en ediciones nacionales (lo cual al día de hoy me sigue pareciendo increíble, la Velvet editada en México, si señor.) pero hablar de tener el White Light/White Heat o el disco de la banana ya era algo más complicado, por otro lado, era un poco más sencillo encontrar los discos de solista de Lou, en aquella época grababa para una disquera multi nacional y adicional a esto fue una época en que Lou tuvo algo de éxito y reconocimiento mainstream que no sólo ayudó a que sus discos llegaran a México, sino que el mismo se presentara en el DF.

New York era algo inesperado, llegó a mis manos en formato de casete en una fecha cercana a la navidad, recuerdo que hacía bastante frío, aún trayendo botas industriales de casquillo, este se colaba, recuerdo que fui esa noche con mis padres a cada de mis abuelos y opté por no entrar y quedarme en un viejo cobertizo al lado de su casa, el frío calaba fuertemente pero yo quería escuchar ese disco, siendo fan de los Velvet y de repente ser sorprendido por el riff medio grungy de Romeo Had Juliette y una historia de amor latino, y después esa historia extraña contada en Halloween Parade acerca de una fiesta de disfraces de viejos amigos (evocando un poco esas fiestas de la Factory) dónde se dan cuenta que algunos ya no están presentes, y que contenía algunas referencias precisamente a algunos de los ex miembros de ese grupo artístico de Warhol que habían muerto de SIDA, uff! Lou se estaba poniendo denso en realidad.

Despúes llegaba Dirty Boulevard, un verdadero trancazo hecho música, con una historia desgarradora, puro Nueva York, pero está vez Lou hacia a la literatura un poco de lado y se metía de lleno en las cloacas, puro periodismo aplicado a unos riffs y a una sección rítmica ágil que lo apoyaba en todo momento, Lou arremetiendo contra todo lo superficial de la ciudad y diciendo las cosas como eran.

Recuerdo después ser gratamente sorprendido por There Is No Time, un tema heavy, con esas guitarras pesadas y esa sección rítmica compacta y Lou urgiendo al escucha a moverse rápido y dejar de lado las tonterías, el pasado proto punk de Lou de repente se colaba un poco en la escena, sin duda un gran disco de guitarra, Lou haciendo lo que mejor que nadie el sabe hacer.

Sin duda Lou le apostó en este disco fuertemente a la diversidad, su rollo de spoken word o poesía, latente en Last Great American Whale, me pone una sonrisa cada vez que la escucho y recuerdo cuando la gente me dice: “Lou no canta, habla…”, por supuesto, y habla mejor de lo que muchos cantan, por cierto, después la jazzy Beginning of a Great Adventure, uno de esos ejercicios divertidos de lou en que juega un poco con las palabras, esta vez ventilando su ansiedad con respecto a la paternidad y el posible nombre de su futuro hijo.

Busload of Faith con una sobresaliente ejecución vocal, recordándonos un poco que Lou es uno de los grandes intérpretes de la época (vamos alguna vez Dylan requirió cantar? Tiene una voz que identificas en dos segundos, Lou también) y que decir de Hold On, con Lou nuevamente haciendo buen uso de su voz y una melodía ágil que se torna memorable al llegar al coro, ligada con la un tanto nostálgica Good Evening Mr Waldheim, dedicada a todos los rollos político raciales de la época, se acuerdan de Jessy Jackson, el que decían sería el primer presidente estadohundidense de color? Y pensar que esa mala suerte le tocaría a Obama, sabia jugada de ajedrez, poner al amigo de color en tiempos difíciles, para que esto no vuelva a suceder, muy inteligentes.

El disco “casi” cierra con Strawman, un tema enorme, de lo mejor que ha hecho Reed solista, un verdadero reclamo a la alta sociedad, a la clase política de parte de alguien que en verdad sabe, un trabajo de guitarra y vocal excelso de parte de Lou, de esas que te ponen la piel de gallina en verdad, no se puede ser fan de Reed y desconocer este tema monumental, ya saben, quien escupe al viento, siempre se le termina regresando.

El viejo cobertizo, el frío, mis padres molestos buscándome y yo con los audífonos, sorprendido ante la belleza y poder de este disco, pensando en lo grande que Lou es, sin importar la dirección que tomara.

Antiguo Autómata Mexicano-Surspacea

2011-11-23T03:48:00.000+08:00

Alguna vez en este blog incluí el anterior trabajo de AAM, el Chez Nobody, un disco ep que en lo personal me pareció un notable avance hacia un sonido más completo por parte de este proyecto de mi natal ciudad, la respuesta del creador del concepto fue un tanto ilógica para mi, me pidió quitar el enlace y esperar a que el disco saliera a la venta para que la gente lo comprara, porque me llegó a molestar este comentario? la principal causa es por que el mismo enlace se encontraba en blogs de mayor difusión, más comerciales y menos especializados y que no recibieron queja alguna por parte de AAM, meses después fui a una conocida tienda de discos y me encontré las mismas 3 copias del disco que el autor del disco pretendía vender, no estoy queriendo decir que el disco no fuera bueno, o que las intensiones del proyecto no fuesen buenas, pero creo que el alcance o el “hasta dónde pudo llegar el disco” se vio afectado por cierta miopía, cierto deseo de trascender cuantitativamente y no cualitativamente, puedo apostar a que ese disco se descargó miles de veces más que las unidades que se hayan vendido de él, porque el disco en verdad era muy bueno, para que limitar su repercusión?

Esta vez hay que admitirlo, Antiguo Autómata Mexicano aka Ángel Sánchez Borges lo logró, luego de varios discos llenos de ideas interesantes y sonidos cautivadores, que muchas veces fallaban en lo principal: “meternos en el ritmo y no dejarnos escapar” (como en el buen krautrock, que no?), AAM consigue captar un poco de ese espíritu experimental en su disco Surspacea, ese en el que en ocasiones se apoyaba en instrumentos en vivo y que le daban una nueva dimensión a su sonido, y es que vaya manera de evolucionar un sonido, ya que este proyecto ha ido avanzando y tomando cada vez más y más contundencia con cada capítulo.

Antigua Autómata Mexicano esta vez nos trae otro ep m8una sabia decisión en un mundo repleto de discos llenos de relleno innecesario y tan faltos de un buen editor o productor que sepa enfocar una grabación), si bien AAM no un artista prolífico en sus grabaciones, lo es en la esencia de su música, y podemos asegurar con unos estándares de calidad propios muy por encima de muchos otros actos de la ciudad, el disco se sitúa como libre descarga en la página de Static Discos, lo cual me llena de gusto, ya que pareciera una muestra de inteligente ambición y generosidad de la disquera (y del artista probablemente) de difundir el trabajo, de hacerlo llegar hasta dónde sea posible y que se le haga honor a quien honor merece, esta vez sin preocuparnos de cuantas unidades físicas se puedan vender.

Dedicado a la memoria de Jorge Reyes, uno de los grandes músicos mexicanos (que experimentó por igual con el prog, la electrónica y la música étnica con mucho exitoso en el extranjero), de esos que no pudieron ser profetas en su propia tierra (como tal vez le suceda a AAM), este disco de electrónica se aleja de los clichés típicos del genero, guitarras procesadas y un insistente ritmo mecánico (otra vez la referencia al krautrock y a su característico motorik) Surspacea, la pieza que abre el disco y que también le da nombre se despliega con una elegancia y con un sonido tan lleno de si mismo que en verdad no se había podido escuchar antes en discos de este autor, en ocasiones incluso adentrándose en ese ambient dub que nos enseñó años atrás Bill Laswell, AAM ha aprendido no sólo a creerse ambicioso, sino a serlo.

Si han escuchado a Prins Thomas o a Subway, pueden tener un fuerte referente de este rollo mezcla de kraut y electrónica bailable (con sus raíces en el techno, el electro y la música disco), con sus bajos sintetizados, arpegiators, y sus referencias muy modernas al trabajo que hacían gentes como los Neu! en el pasado, Speed, bien podría ser una actualización a esos temas de “viaje lineales” hechos por el dueto alemán en los 70s, con su ritmo fijo y sus ejercicios de guitarra y sintes ambient, además de esas características variaciones de velocidad (haciendo fuerte eco al Neu!2) manteniendo esa tensión sónica de principio a fin con singular destreza.

Optimale puede ser tomado de dos maneras, un singular update de Tangerine Dream y ese sonido que rockeaba sin ser rock, aunque aquí las percusiones nos ayudan a no dejar de serlo, aunque bajo otro contexto, un tanto inclinado al electro, como en Disco Guilty que casí, casi me trae memorias de aquel “Funky Town” aunque llevado a una fría robótica sin aflojar muestra alguna de humanidad, y después, sumando una vez más guitarras sintetizadas para darle un aguerrido efecto a la pieza.

El disco como tal llega hasta ahí, pero después nos repite la dosis con tres re mezclas de las piezas anteriores, una sumamente poderosa realizada por el también proyecto nacional SLZR, que sirve para acelerar las velocidad y darle mayor firmeza al ritmo, llevándonos a una experiencia de naturaleza anfetáminica que tal vez los Neu! nunca se imaginaron al jugar con las velocidades de sus discos, o quizás aquel Third Uncle de Brian Eno les vino a la mente durante las sesiones?

Los chilenos llevan mano en el rollo techno a nivel mundial, prueba de ellos está el estelarísimo Ricardo Villalobos y el buen Matías Aguayo, quien a dejado a un lado el techno minimal a favor de otros ritmos más exóticos, así que Sánchez se apoya en uno de esos chicos del cono sur, Andres Bucci, quien le da un giro al sonido de la pieza que da nombre al disco una mayor resonancia y después pareciera crear un espejismo sonoro en el cual resulta fascinante perderse.

Es también bienvenida la última pieza, re mezclada por el legendario Walter Schmidt, músico y escritor memorable para el rock de vanguardia y punta de lanza para la introducción de música verdaderamente relevante en este país.

En esta ocasión el Autómata ase alza con un disco en verdad poderoso, que nos llena de urgencia de escucharlo aumentado en vivo, que nos llena de orgullo y a la vez de una necesidad de seguir escuchándonos y maravillándonos de cómo ha crecido el proyecto y de cómo cada capítulo musical más, se enfila a convertirse en una verdadera leyenda nacional, liberado y aceptándose como un grande de la música de vanguardia, orgullosamente de Monterrey.

Ken Vandermark-Mark In The Water

2011-11-23T01:53:00.000+08:00

Ken Vandermark, saxofonista y compositor americano, desconocido quizá para muchos, algún otro sabrá de que hablo, pero estamos aquí para conocer y para aprender no? Pobre del que crea saberlo todo, porque ya no aprenderá nada, Vandermark alguna vez tuvo algo de estudios musicales, pero se considera principalmente autodidacta, sus instrumentos de “batalla” son principalmente el saxofón, pero en ocasiones se hace del clarinete, su trabajo principalmente se enfoca a la live improv, o libre improvisación, es decir a la creación espontánea de música, arte un tanto difícil y abstracto, pero que ejerce alguna lógica con las explicaciones de el fallecido guitarrista, el enorme Derek Bailey, que decía: la libra improvisación es como la composición, pero en alta velocidad.

Mark In The Water es una nueva grabación de Ken, quien por lo general pareciera sentirse más confortable en grupos, ya que su amplia discografía barca grupos, ensambles, tríos, dúos y colaboraciones con otros artistas, este discos en particular es su segundo discos solista desde aquel Furniture Music grabado en el 2003, este disco en particular es un disco grabado “en vivo” es decir, no es un trabajo de estudio, sino Vandermark y sus instrumentos en tiempo real, Lead Bird es la pieza que abre el disco, Vandermark se muestra en pleno free jazz mode, siguiendo un tanto los pasos de grandes libre improvisadores del free jazz como Archie Shepp o joe McPhee, en esta pieza Ken busca sonidos cortos e intensos, como se suele acostumbrar en el free jazz, el saxofón cobra vida y se convierte en un ser viviente que busca expresarse desesperadamente, Vandermark establece el idioma mediante sonidos chirriantes que van aumentando su intensidad, si con el título, Vandermark nos quiere dar a entender que su instrumento es como una ave de plomo, el mensaje queda recibido y aceptado con este canto metálico, que poco a poco que da paso a sonidos bajos y calmados que amplían el registro, al igual que otros como Butcher, Vandermark es de los pocos que buscan darle al saxofón un intenso registro y una explotación total de las probabilidades del sonido a través de micrófonos ultra sensibles que captan el sonido de los dedos al tocar las teclas, las respiraciones, exhalaciones y el paso del aire a través del instrumento en registros muy, muy bajos, incluso apenas audibles, el saxofón se rinde a sus pies y libera esa furia de manera desgarradora, fue Vandermark de quien alguna vez me platicaron derramaba sangre por la boca al tocar? Creo que si, y si así fuera con esto no me quedaría duda.

La furia queda atrás y un Vandermark más sereno e inclinado un poco al modal jazz (a veces hasta llegando al blues) muestra su rostro en Dekooning con registros bajos y una marcha más lenta, interrumpida por pequeños destellos de tonos altos, más cercanos al be-bop que al free jazz, mientras que Stream Giraffe, con sus ejercicios circulares nos re dirige al free jazz nuevamente con Vandermark usando todos los recursos de sonido reconocidos, con esas intrincadas ejecuciones, sonidos altos y graves, ejercios de respiración circular y sonido insistente.

Personal Tide en lo particular con su acelerado paso e interrupciones disonantes me recuerda un poco el trabajo de Anthony Braxton, a quien Vandermark ha señalado algunas veces como influencia, una influencia que sirve a Vandermark para desmarcarse del espectro del free jazz, algo muy común también en Braxton (quien por cierto era muy afín a los discos solistas, grabando el primero de un saxofonista de jazz).

White Lemon nuevamente nos cambia el estrepitoso ritmo y sorprende, ya que nos lleva a una melodía sencilla, elegante y delicada, mostrando que no todo es furia en la interpretación, ya que Vandermark sabe como sacar el alma, como usar su instrumento como un generador de calor humano, de nostalgia y de pasión y moviéndose lenta y delicadamente por cada una de las notas.

Quien espere un disco de un saxofonista de jazz será mejor que de la media vuelta y busque en algún otro lado, si bien Vandermark tiene bien fijos sus pies en el jazz, no se engancha con ningún género, ni con ninguna tradición, busca ir más allá, como otros antes que él (Braxton), amplia su horizonte y añade sonidos y técnicas que le son útiles son importarle nada más que el sonido y la composición, podrá haber más de uno que se sienta fuera de lugar ante la técnica de Vandermark o ante los sonidos inesperados que surgen de su sax, pero una cosa si es segura, quien busca una nueva experiencia sónica y una exploración del instrumento a niveles poco comunes saldrá con una sonrisa bien puesta, ya que Vandermark deja bien claro que es un excelente ejecutante del instrumento, un compositor sin limites y un improvisador sin miedo.

Chris Watson-El Tren Fantasma

2011-11-20T01:32:00.000+08:00

En primer lugar, definamos algo, Chris Watson es un maestro del sonido, sabe como captar sonidos en campo y trasmitírnoslo, eso era algo ya de por si sabido (por algunos, para los que no, ahora ya lo saben), y ahora Watson nos da una muestra más de su enorme talento, El Tren Fantasma, antes que nada nuevamente vayámoslos a las definiciones, algunos estarán familiarizados con el trabajo de Watson, otros no, Watson alguna vez fue parte de los Cabaret Voltaire, esa banda que junto a Throbbing Gristle se dedicaron a “destruir la civilización” a mediados de los 70s, mediante sus experimentaciones con imágenes, sonidos y demás multi media, el grupo se caracterizaba por sus atrevidos colages de sonidos, la conjunción con poderosas imágenes (algunas bastante turbadoras), lo que les valió el repudio de algunas fracciones conservadoras en Inglaterra y el reconocimiento en círculos vanguardistas, si bien Watson se desmarcó de estos movimientos y su obsesión con el sonido lo llevó por otros caminos, su obra no dejo de ser relevante e interesante.

Watson se ha convertido en un biógrafo sónico del mundo, enfocado a grabar los sonidos a su alrededor y presentarlos de una manera única y original, inspirando a la vez emociones, imágenes u otros escenarios de una manera única, que si Watson no es un músico en toda la extensión de la palabra, no, no lo es, un compositor, tampoco, preferiría situarlo en la categoría de creador de documentales sonicos de este mundo, ya sea grabando el mundo nocturno, el lado salvaje de la naturaleza (en lo particular su grabación que más me ha impactado) con sus depredadores devorando a sus victimas, canciones de aves, etc, o los fenómenos de la naturaleza como la lluvia, el viento y las tormentas, una característica esencial del trabajo de Watson es que su principal instrumento no es una mesa de mezclas, el principal instrumento de Watson es el micrófono, lo que lo ha llevado a conseguir aparatitos de estos de fidelidad muy superior a la conocida, capaz de captar el aleteo de una mosca, la caída de la lluvia etc, Watson, lejos de llevarnos a sonidos alterados, reconstruidos, distorsionados o deformados como suelen hacer algunos artistas que trabajan con grabaciones de campo, nos entrega las grabaciones tal cual, su magia esta en la insistencia, en la perseverancia y en saber cuando acercar el micrófono y que tanto, escuché alguna vez que alguien dijo: “Watson es dios, dice: voy a grabar lluvia”, y llueve…”, tal vez Watson no sea dios, pero el detalle con el que nos muertas las cosas nos puede hacer pensar que estamos ante los ojos de quien pudiera ser el creador de estas maravillas.

El Tren Fantasma es un viaje en tren por mi país, México, siguiendo una larga ruta que va desde la zona noroeste hasta el sureste (de Los Mochis a Veracruz), a travesando montañas, cañones, túneles y acantilados, si bien el tren ha quedado lejos de ser un medio de transporte para viajar de manera veloz (por lo menos en México) la oportunidad de disfrutar de asombrosos paisajes es un atractivo importante de este medio.

La Anunciante abre el disco, el viaje inicia y Watson capta ese inicio del viaje, el constante ruido de los vagones avanzando, los frenos rechinando y el ir y venir de los pasajeros, el cambio de vías, material divino para cualquier re mezclador que busque sonidos poderosos, Los Mochis es un paseo por el lado salvaje, por una tierra hermosa cerca del mar, una tierra que aún no se ha convertido en una ciudad y dónde la naturaleza aún se resiste a ceder su lugar a lo urbano, tal vez un viaje por las cercanías de un pueblo, aves, gallos, perros, la campana, el tren se acerca, pareciera que el sonido fuera el narrador elegido por Watson para esta historia, los frenos se activan, la llegada a una estación.

La impresionante Sierra Tarahumara, con su fauna a pesar de lo inhóspito del terreno, un lugar mágico y ancestral, poseedor de impresionantes paisajes que Watson perversamente pareciera ignorar a favor de sus sonidos, Watson capta las aves, el rugir del tren, su paso por túneles y la majestosa calma del lugar, en El Divisadero, Watson agrega algo de ritmos, manipula las grabaciones, las transforma por primera vez en este disco, algo inusual pero que te gancha nuevamente en el viaje, Watson nos pone al filo de algo, aunque aún no sabemos de que.

Watson nos trae un bello paisaje sónico, un mundo que no requiere de los humanos para mostrarse poderoso, amenazador y avasallador, el tren como una metáfora de la serpiente que avanza y que deja tras de si una estela, Watson nos demuestra una vez más que este mundo no nos necesita, que las máquinas poco a poco decaen, convirtiéndose en pasado, mientras que la naturaleza sigue ahí, que este mundo tiene sus propios “compositores” y que son de peso, que antes de cualquier nota musical o escala, esta el SONIDO.