Pete Swanson-Man With Potential

Que si Pete Swanson necesitaba dejar los Yellow Swans? Por supuesto! Y es que su obra se ha incrementado de manera exponencial casi de manera infinita desde que inició su carrera como solista, era algo en verdad necesario ver al “cisne” volar por si mismo este inquieto escultor de sonido nos trae su segunda obra en el año, si, Swanson se da el lujo de crear dos obras este año, DOS (contado su I Dont Rock At All), y que manera de complementar su obra, ya que mientras su disco anterior era más estático, con Swanson expandiendo la paleta sónica de esas grabaciones de guitarra manipuladas hasta crear enormes pesadillas de sonido, Man With Potential rompe por completo con ese modus operandi y nos trae nuevas reglas para este juego.

Misery Beat es todo menos un ritmo miserable, es Swanson metiéndonos en un ritmo minimal, compacto y después Swanson aplicando su magia (que aprendió escuchando discos dub hasta el cansancio…) y haciendo del ritmo algo masivo, denso y sudoroso, el trabajo de todo un artesano del sonido que ahora encuentra algo verdaderamente valioso en una nueva vertiente de sonido, si bien Swanson no abandona y difícilmente lo hará en el futuro, el drone o el noise, esta vez se concentra más en el sonido básico del techno o en la cacofonía de los ritmos tribales del África negra.

Remote View es más vaporosa, menos agresiva, más etérea, y para mi gusto tal vez, lo que David Lynch debió hacer en Good Day, o como debería sonar un rollo techno en sus películas, un ritmo bailable más surrealista, se pudiera decir, o que tal A&0xo?, otra pieza de pura abstracción techno con Swanson creando líneas corrosivas de melodía que parecieran estar atravesando la densa maraña de sonido reverberante que se carga Pete.

Far Out es menos abstracta, es puro sonido cacofónico y en plan hipnótico, si bien esas repeticiones incansables nos remiten a un rollo bastante afro que la música techno, el house y el acid house siempre han tenido, Swanson lo acentúa con ritmos tribales y toms en plan monstruoso que nos llevan de las alucinantes pistas de baile al mismo África ritualista, en un viaje que es puro alucine y adrenalina pura.

Man With Potential (si está hablando Swanson en el título del disco de si mismo, yo le apoyo!) hace que me venga a la mente el Merriweather Post Pavilion, pero mientras que los Animal Collective se acercaron tímidamente a las cacofonías electrónicas de influencia africana en ese disco, Swanson las aborda de lleno, se baña en ellas, y las lleva al extremo como pocas veces las hemos visto, si bien la música africana poco a poco se ha ido reivindicando y tomando el lugar que merece, discos como este o el de Cut Hands (Afro Noise) de William Bennett nos traen esa adrenalina y ese hipnotismo de la música africana en pleno matrimonio pagano con la electrónica extrema, que manera de evolucionar y fusionar géneros!

Face The Music es precisamente eso, ponerse de cara con la música y ver como esta poco a poco se va elevando cual inmensa ola, poniéndonos en una situación difícil y después desbordándose, con Swanson siempre al mando y sin soltar la rienda del sonido, algo en verdad sorprendente a estos niveles de distorsión, dejándonos una muy extraña escuela de como deben convivir el orden y el caos, Swanson sabe como construir sus piezas en un orden completo, en ningún momento nada es dejado a la deriva, pero cuando Swanson lo considera correcto pareciera saber como dejar aflorar el caos total, ruido, distorsión, corrosión y sorprendentemente ritmo, y lo mejor de todo saben que es, la mano firme y experimentada con que Swanson dirige este caos y que lo hace capaz de volver a retomar el control en todo momento.

Mika Vainio- Life (...It Eats You Up)

Descubría  los finlandeses de Pan Sonic casi por accidente, unas semanas después de grabar algunas cosas, fue grato darme cuenta que sin haberlos escuchado había grabado algunas piezas que tenían un sonido similar, lo cual me intrigo y me hizo sumergirme en sus discos, conocer el ingenio sónico de Mika Vainio y de Ilpo Vaisanen, como esos chicos del extremo superior del mundo mezclaban esos sonidos cuasi industriales con técnicas minimalistas y de dub.

Pues bien, supuestamente a partir del Gravitoni, Pan Sonic dejaron de ser grupo (espero algún día en el futuro nos sorprendan y desmientan esto) y Mika Vainio continúa con los experimentos sónicos a través de varios medios, bajo su nombre, bajo pseudónimos, o en colaboración con otros músicos como Vladislav Delay o con Lucio Capece, en particular dos caras de su nueva música me parecen atractivos, sus grabaciones bajo el pseudónimo de Ø, verdaderos artefactos de psicodelia electrónica y su trabajo como Mika Vainio, en dónde sonidos más familiares a su anterior grupo conviven con una atmósfera minimal, cercana al ambient, si bien este último proyecto no está diseñado para reventar bocinas, como los hacían los Pan Sonic, Mika Vainio y su música siguen haciendo que los decibeles aumenten con cada sonidos que emerge de las bocinas.

Si bien los nuevos trabajos de Vainio, Life (…It Eats You Up) su más reciente, no tienen nada que uno pueda reprocharle en cuanto a volumen, suman un ingrediente más al poderoso sonidos electrónico de Vainio, su inquietante abstracción, como si Vainio nos sumergiera en su mundo propio de sonido, en una obra muy personal que atrae por su poder y su esquivo significado, In Silence A Scream Takes A Heart es bastante parca, industrial en su esencia, pero de una forma extraña feedback, controlado, hasta cierto punto, y moldeado al deseo de Vainio, un sonido que emerge, pero que no se libera por completo, Vainio juega con el sonido y lo moldea a su antojo dejándole que tome varias formas, a mitad de la pieza Vainio abre las compuertas y un torrencial ruido nos golpea, el maestro ha tendido el anzuelo y nos ha enganchado y después nos golpea con su arsenal pesado y caemos al vacío.

Throat es ruido puro, similar a la estética sónica de Pan Sonic, sonidos metálicos se mezclan con puro ruido, con feedback proveniente de guitarras ultra distorsionadas, el cielo si les gustos el Metal Machine Music de Lou Reed, el infierno si lo suyo es el tal Justin Bibier, Throat nos lleva a varios niveles de castigo sónico, Vainio hace un desden completo por cualquier forma y su obra se presenta con un abstraccionismo total, en olas, en segmentos hasta desaparecer.

Mining es pura música industrial, aquellas de los inicios, no el rockscito industrial que nos recetaba Ministry, Vainio no toma prisioneros, y Mining es pura música industrial para disfrutar y nos concede la oportunidad de meternos en el groove con esa batería imponente y los riffs castigadores de guitarras, que parecieran querer liberarse y descargar su furia, pero al final solo amenazan y acrecientan la tensión.

No consideraría en lo personal a Vainio un guitarrista, es más, desconozco si esas guitarras que usa en este disco para crear sus obras sean ejecutadas por él, pero si puedo afirmar que Vainio está alcanzando un destreza tremenda y se acerca a los trabajos de otros escultores digitales  de guitarras como Peter Rehberg, Oren Ambarchi, Ben Frost o Fennesz o Pete Swanson ) quien ha estado haciendo esto últimamente con resultados muy interesantes), Open Up And Bleed confunde a conocedores y a no iniciados, si bien, si, es correcto, sugiere una versión del clásico poco conocido de los Stooges, es una “versión” muy a la manera de Vainio, casi irreconocible, destruida y reconstruida según sus propias reglas y lógica, y después el universo “Vainio” da un giro completo en modo siniestro y nos lleva al universo del drone y el minimalismo total, Crashed con sus guitarras oscuras y lejanas, semejantes a campanadas de una iglesia siniestra que poco a poco se van creciendo y volviéndose más intensas, o que tal Cage con sus sonidos asfixiados en el silencio, porque no todo en el rollo industrial era el poder de sus percusiones, también el sabio manejo del silencio y de las atmósferas y Vainio aprendió bien estas lecciones, y después un poco de el toque finlandés, con Vainio que pareciera querer reflejar los hostiles paisajes de Finlandia a través de su música, atmósferas hostiles, más feedback como vientos “enrrachados” que desgarran la piel, estamos en el gélido infierno versión Mika.

Mika pareciera manejar durante el disco una excelsa combinación de elementos sonidos de primer nivel, su bagaje como maestro del noise industrial, siempre presente, su habilidad con la manipulación digital de sonidos, su conocimiento del ambient y de atmósferas hostiles, su acercamiento al drone de bandas como Sunn O))) (aunque vaya manera de acercarse!), aunado a una visión muy personal de la música ( del sonido) hacen de este disco un auténtico espectáculo de sonido propio, y suficiente justificación para no quitarle la vista (y el oído) al trabajo de Vainio y a sus futuras entregas.

REVEH-God Hate Us So Much, Martyrs Of The Modern Era Records 010!

REVEH

God Hate Us So Much

Martyrs Of The Modern Age 010

Recorded In September 2010

Mixed In November 2011 at Hell´s Kitchen

All music composed, executed, recorded and mixed by: RV

Instruments used for this recording: Casio Keyboard and FX.

" A Live In The Studio recording of REVEH, a small keyboard and some effects, live noise improv..."

01 Heavy Gongs of Doom

02 In The Realms Of Chaos

03 A Way To Kill Them All

04 Time Is Crushing Me

05 In My Time of Dying

06 Never To See The Light Again

07 One Of Them Is Mine

DL: http://www.mediafire.com/?01ebb4eye12o88o

REVEH-El Sueño de la Araña, Martyrs Of The Modern Era Records 009!

REVEH

El Sueño de la Araña

Martyrs Of The Modern Age 009

Recorded In November 2011 at Shared Fortress

All music composed, executed, recorded and mixed by: RV

Instruments used for this recording: Guitars, Trumpets and FX.

01 El Sueño de la Araña

02 Mis Desvelos en Tus Tinieblas

03 Un Bordado de Oscuridad

04 Entre Redes de Cristal

05 Ultima Ofensa de Tu Veneno

Latest recording by mexican sound sculptor REVEH, a guitar and a trumpet deep in shadows, live improvising and mixed digital, tenebrous compositions to serve as soundtracks for tenebrous dreams..
http://www.mediafire.com/?x99dd8mdnl2dxi8

Lou Reed-New York

13 o 14 años debí tener cuando me encontré con el Nueva York de Lou Reed, y no, no es que viajara para allá, sino que me encontré esa maravilla de disco que Lou grabo en el 89 y que representaba un drástico cambio en su dirección musical, y que significó otro fuerte cambio en mi percepción hacia él.

Alguna vez les platiqué que conocí a Lou Reed y a la Velvet Underground a través de viejos elepés de recopilaciones en ediciones nacionales (lo cual al día de hoy me sigue pareciendo increíble, la Velvet editada en México, si señor.) pero hablar de tener el White Light/White Heat o el disco de la banana ya era algo más complicado, por otro lado, era un poco más sencillo encontrar los discos de solista de Lou, en aquella época grababa para una disquera multi nacional y adicional a esto fue una época en que Lou tuvo algo de éxito y reconocimiento mainstream que no sólo ayudó a que sus discos llegaran a México, sino que el mismo se presentara en el DF.

New York era algo inesperado, llegó a mis manos en formato de casete en una fecha cercana a la navidad, recuerdo que hacía bastante frío, aún trayendo botas industriales de casquillo, este se colaba, recuerdo que fui esa noche con mis padres a cada de mis abuelos y opté por no entrar y quedarme en un viejo cobertizo al lado de su casa, el frío calaba fuertemente pero yo quería escuchar ese disco, siendo fan de los Velvet y de repente ser sorprendido por el riff medio grungy de Romeo Had Juliette y una historia de amor latino, y después esa historia extraña contada en Halloween Parade acerca de una fiesta de disfraces de viejos amigos (evocando un poco esas fiestas de la Factory) dónde se dan cuenta que algunos ya no están presentes, y que contenía algunas referencias precisamente a algunos de los ex miembros de ese grupo artístico de Warhol que habían muerto de SIDA, uff! Lou se estaba poniendo denso en realidad.

Despúes llegaba Dirty Boulevard, un verdadero trancazo hecho música, con una historia desgarradora, puro Nueva York, pero está vez Lou hacia a la literatura un poco de lado y se metía de lleno en las cloacas, puro periodismo aplicado a unos riffs y a una sección rítmica ágil que lo apoyaba en todo momento, Lou arremetiendo contra todo lo superficial de la ciudad y diciendo las cosas como eran.

Recuerdo después ser gratamente sorprendido por There Is No Time, un tema heavy, con esas guitarras pesadas y esa sección rítmica compacta y Lou urgiendo al escucha a moverse rápido y dejar de lado las tonterías, el pasado proto punk de Lou de repente se colaba un poco en la escena, sin duda un gran disco de guitarra, Lou haciendo lo que mejor que nadie el sabe hacer.

Sin duda Lou le apostó en este disco fuertemente a la diversidad, su rollo de spoken word o poesía, latente en Last Great American Whale, me pone una sonrisa cada vez que la escucho y recuerdo cuando la gente me dice: “Lou no canta, habla…”, por supuesto, y habla mejor de lo que muchos cantan, por cierto, después la jazzy Beginning of a Great Adventure, uno de esos ejercicios divertidos de lou en que juega un poco con las palabras, esta vez ventilando su ansiedad con respecto a la paternidad y el posible nombre de su futuro hijo.

Busload of Faith con una sobresaliente ejecución vocal, recordándonos un poco que Lou es uno de los grandes intérpretes de la época (vamos alguna vez Dylan requirió cantar? Tiene una voz que identificas en dos segundos, Lou también) y que decir de Hold On, con Lou nuevamente haciendo buen uso de su voz y una melodía ágil que se torna memorable al llegar al coro, ligada con la un tanto nostálgica Good Evening Mr Waldheim, dedicada a todos los rollos político raciales de la época, se acuerdan de Jessy Jackson, el que decían sería el primer presidente estadohundidense de color? Y pensar que esa mala suerte le tocaría a Obama, sabia jugada de ajedrez, poner al amigo de color en tiempos difíciles, para que esto no vuelva a suceder, muy inteligentes.

El disco “casi” cierra con Strawman, un tema enorme, de lo mejor que ha hecho Reed solista, un verdadero reclamo a la alta sociedad, a la clase política de parte de alguien que en verdad sabe, un trabajo de guitarra y vocal excelso de parte de Lou, de esas que te ponen la piel de gallina en verdad, no se puede ser fan de Reed y desconocer este tema monumental, ya saben, quien escupe al viento, siempre se le termina regresando.

El viejo cobertizo, el frío, mis padres molestos buscándome y yo con los audífonos, sorprendido ante la belleza y poder de este disco, pensando en lo grande que Lou es, sin importar la dirección que tomara.

Antiguo Autómata Mexicano-Surspacea

Alguna vez en este blog incluí el anterior trabajo de AAM, el Chez Nobody, un disco ep que en lo personal me pareció un notable avance hacia un sonido más completo por parte de este proyecto de mi natal ciudad, la respuesta del creador del concepto fue un tanto ilógica para mi, me pidió quitar el enlace y esperar a que el disco saliera a la venta para que la gente lo comprara, porque me llegó a molestar este comentario? la principal causa es por que el mismo enlace se encontraba en blogs de mayor difusión, más comerciales y menos especializados y que no recibieron queja alguna por parte de AAM, meses después fui a una conocida tienda de discos y me encontré las mismas 3 copias del disco que el autor del disco pretendía vender, no estoy queriendo decir que el disco no fuera bueno, o que las intensiones del proyecto no fuesen buenas, pero creo que el alcance o el “hasta dónde pudo llegar el disco” se vio afectado por cierta miopía, cierto deseo de trascender cuantitativamente y no cualitativamente, puedo apostar a que ese disco se descargó miles de veces más que las unidades que se hayan vendido de él, porque el disco en verdad era muy bueno, para que limitar su repercusión?

Esta vez hay que admitirlo, Antiguo Autómata Mexicano aka Ángel Sánchez Borges lo logró, luego de varios discos llenos de ideas interesantes y sonidos cautivadores, que muchas veces fallaban en lo principal: “meternos en el ritmo y no dejarnos escapar” (como en el buen krautrock, que no?), AAM consigue captar un poco de ese espíritu experimental en su disco Surspacea, ese en el que en ocasiones se apoyaba en instrumentos en vivo y que le daban una nueva dimensión a su sonido, y es que vaya manera de evolucionar un sonido, ya que este proyecto ha ido avanzando y tomando cada vez más y más contundencia con cada capítulo.

Antigua Autómata Mexicano esta vez nos trae otro ep m8una sabia decisión en un mundo repleto de discos llenos de relleno innecesario y tan faltos de un buen editor o productor que sepa enfocar una grabación), si bien AAM no un artista prolífico en sus grabaciones, lo es en la esencia de su música, y podemos asegurar con unos estándares de calidad propios muy por encima de muchos otros actos de la ciudad, el disco se sitúa como libre descarga en la página de Static Discos, lo cual me llena de gusto, ya que pareciera una muestra de inteligente ambición y generosidad de la disquera (y del artista probablemente) de difundir el trabajo, de hacerlo llegar hasta dónde sea posible y que se le haga honor a quien honor merece, esta vez sin preocuparnos de cuantas unidades físicas se puedan vender.

Dedicado a la memoria de Jorge Reyes, uno de los grandes músicos mexicanos (que experimentó por igual con el prog, la electrónica y la música étnica con mucho exitoso en el extranjero), de esos que no pudieron ser profetas en su propia tierra (como tal vez le suceda a AAM), este disco de electrónica se aleja de los clichés típicos del genero, guitarras procesadas y un insistente ritmo mecánico (otra vez la referencia al krautrock y a su característico motorik) Surspacea, la pieza que abre el disco y que también le da nombre se despliega con una elegancia y con un sonido tan lleno de si mismo que en verdad no se había podido escuchar antes en discos de este autor, en ocasiones incluso adentrándose en ese ambient dub que nos enseñó años atrás Bill Laswell, AAM ha aprendido no sólo a creerse ambicioso, sino a serlo.

Si han escuchado a Prins Thomas o a Subway, pueden tener un fuerte referente de este rollo mezcla de kraut y electrónica bailable (con sus raíces en el techno, el electro y la música disco), con sus bajos sintetizados, arpegiators, y sus referencias muy modernas al trabajo que hacían gentes como los Neu! en el pasado, Speed, bien podría ser una actualización a esos temas de “viaje lineales” hechos por el dueto alemán en los 70s, con su ritmo fijo y sus ejercicios de guitarra y sintes ambient, además de esas características variaciones de velocidad (haciendo fuerte eco al Neu!2) manteniendo esa tensión sónica de principio a fin con singular destreza.

Optimale puede ser tomado de dos maneras, un singular update de Tangerine Dream y ese sonido que rockeaba sin ser rock, aunque aquí las percusiones nos ayudan a no dejar de serlo, aunque bajo otro contexto, un tanto inclinado al electro, como en Disco Guilty que casí, casi me trae memorias de aquel “Funky Town” aunque llevado a una fría robótica sin aflojar muestra alguna de humanidad, y después, sumando una vez más guitarras sintetizadas para darle un aguerrido efecto a la pieza.

El disco como tal llega hasta ahí, pero después nos repite la dosis con tres re mezclas de las piezas anteriores, una sumamente poderosa realizada por el también proyecto nacional SLZR, que sirve para acelerar las velocidad y darle mayor firmeza al ritmo, llevándonos a una experiencia de naturaleza anfetáminica que tal vez los Neu! nunca se imaginaron al jugar con las velocidades de sus discos, o quizás aquel Third Uncle de Brian Eno les vino a la mente durante las sesiones?

Los chilenos llevan mano en el rollo techno a nivel mundial, prueba de ellos está el estelarísimo Ricardo Villalobos y el buen Matías Aguayo, quien a dejado a un lado el techno minimal a favor de otros ritmos más exóticos, así que Sánchez se apoya en uno de esos chicos del cono sur, Andres Bucci, quien le da un giro al sonido de la pieza que da nombre al disco una mayor resonancia y después pareciera crear un espejismo sonoro en el cual resulta fascinante perderse.

Es también bienvenida la última pieza, re mezclada por el legendario Walter Schmidt, músico y escritor memorable para el rock de vanguardia y punta de lanza para la introducción de música verdaderamente relevante en este país.

En esta ocasión el Autómata ase alza con un disco en verdad poderoso, que nos llena de urgencia de escucharlo aumentado en vivo, que nos llena de orgullo y a la vez de una necesidad de seguir escuchándonos y maravillándonos de cómo ha crecido el proyecto y de cómo cada capítulo musical más, se enfila a convertirse en una verdadera leyenda nacional, liberado y aceptándose como un grande de la música de vanguardia, orgullosamente de Monterrey.

Ken Vandermark-Mark In The Water

Ken Vandermark, saxofonista y compositor americano, desconocido quizá para muchos, algún otro sabrá de que hablo, pero estamos aquí para conocer y para aprender no? Pobre del que crea saberlo todo, porque ya no aprenderá nada, Vandermark alguna vez tuvo algo de estudios musicales, pero se considera principalmente autodidacta, sus instrumentos de “batalla” son principalmente el saxofón, pero en ocasiones se hace del clarinete, su trabajo principalmente se enfoca a la live improv, o libre improvisación, es decir a la creación espontánea de música, arte un tanto difícil y abstracto, pero que ejerce alguna lógica con las explicaciones de el fallecido guitarrista, el enorme Derek Bailey, que decía: la libra improvisación es como la composición, pero en alta velocidad.

Mark In The Water es una nueva grabación de Ken, quien por lo general pareciera sentirse más confortable en grupos, ya que su amplia discografía barca grupos, ensambles, tríos, dúos y colaboraciones con otros artistas, este discos en particular es su segundo discos solista desde aquel Furniture Music grabado en el 2003, este disco en particular es un disco grabado “en vivo” es decir, no es un trabajo de estudio, sino Vandermark y sus instrumentos en tiempo real, Lead Bird es la pieza que abre el disco, Vandermark se muestra en pleno free jazz mode, siguiendo un tanto los pasos de grandes libre improvisadores del free jazz como Archie Shepp o joe McPhee, en esta pieza Ken busca sonidos cortos e intensos, como se suele acostumbrar en  el free jazz, el saxofón cobra vida y se convierte en un ser viviente que busca expresarse desesperadamente, Vandermark establece el idioma mediante sonidos chirriantes que van aumentando su intensidad, si con el título, Vandermark nos quiere dar a entender que su instrumento es como una ave de plomo, el mensaje queda recibido y aceptado con este canto metálico, que poco a poco que da paso a sonidos bajos y calmados que amplían el registro, al igual que otros como Butcher, Vandermark es de los pocos que buscan darle al saxofón un intenso registro y una explotación total de las probabilidades del sonido a través de micrófonos ultra sensibles que captan el sonido de los dedos al tocar las teclas, las respiraciones, exhalaciones y el paso del aire a través del instrumento en registros muy, muy bajos, incluso apenas audibles, el saxofón se rinde a sus pies y libera esa furia de manera desgarradora, fue Vandermark de quien alguna vez me platicaron derramaba sangre por la boca al tocar? Creo que si, y si así fuera con esto no me quedaría duda.

La furia queda atrás y un Vandermark más sereno e inclinado un poco al modal jazz (a veces hasta llegando al blues) muestra su rostro en Dekooning con registros bajos y una marcha más lenta, interrumpida por pequeños destellos de tonos altos, más cercanos al be-bop que al free jazz, mientras que Stream Giraffe, con sus ejercicios circulares nos re dirige al free jazz nuevamente con Vandermark usando todos los recursos de sonido reconocidos, con esas intrincadas ejecuciones, sonidos altos y graves, ejercios de respiración circular y sonido insistente.

Personal Tide en lo particular con su acelerado paso e interrupciones disonantes me recuerda un poco el trabajo de Anthony Braxton, a quien Vandermark ha señalado algunas veces como influencia, una influencia que sirve a Vandermark para desmarcarse del espectro del free jazz, algo muy común también en Braxton (quien por cierto era muy afín a los discos solistas, grabando el primero de un saxofonista de jazz).

White Lemon nuevamente nos cambia el estrepitoso ritmo y sorprende, ya que nos lleva a una melodía sencilla, elegante y delicada, mostrando que no todo es furia en la interpretación, ya que Vandermark sabe como sacar el alma, como usar su instrumento como un generador de calor humano, de nostalgia y de pasión y moviéndose lenta y delicadamente por cada una de las notas.

Quien espere un disco de un saxofonista de jazz será mejor que de la media vuelta y busque en algún otro lado, si bien Vandermark tiene bien fijos sus pies en el jazz, no se engancha con ningún género, ni con ninguna tradición, busca ir más allá, como otros antes que él (Braxton), amplia su horizonte y añade sonidos y técnicas que le son útiles son importarle nada más que el sonido y la composición, podrá haber más de uno que se sienta fuera de lugar ante la técnica de Vandermark o ante los sonidos inesperados que surgen de su sax, pero una cosa si es segura, quien busca una nueva experiencia sónica y una exploración del instrumento a niveles poco comunes saldrá con una sonrisa bien puesta, ya que Vandermark deja bien claro que es un excelente ejecutante del instrumento, un compositor sin limites y un improvisador sin miedo.

Chris Watson-El Tren Fantasma

En primer lugar, definamos algo, Chris Watson es un maestro del sonido, sabe como captar sonidos en campo y trasmitírnoslo, eso era algo ya de por si sabido (por algunos, para los que no, ahora ya lo saben), y ahora Watson nos da una muestra más de su enorme talento, El Tren Fantasma, antes que nada nuevamente vayámoslos a las definiciones,  algunos estarán familiarizados con el trabajo de Watson, otros no, Watson alguna vez fue parte de los Cabaret Voltaire, esa banda que junto a Throbbing Gristle se dedicaron a “destruir la civilización” a mediados de los 70s, mediante sus experimentaciones con imágenes, sonidos y demás multi media, el grupo se caracterizaba por sus atrevidos colages de sonidos, la conjunción con poderosas imágenes (algunas bastante turbadoras), lo que les valió el repudio de algunas fracciones conservadoras en Inglaterra y el reconocimiento en círculos vanguardistas, si bien Watson se desmarcó de estos movimientos y su obsesión con el sonido lo llevó por otros caminos, su obra no dejo de ser relevante e interesante.

Watson se ha convertido en un biógrafo sónico del mundo, enfocado a grabar los sonidos a su alrededor y presentarlos de una manera única y original, inspirando a la vez emociones, imágenes u otros escenarios de una manera única, que si Watson no es un músico en toda la extensión de la palabra, no, no lo es, un compositor, tampoco, preferiría situarlo en la categoría de creador de documentales sonicos de este mundo, ya sea grabando el mundo nocturno, el lado salvaje de la naturaleza (en lo particular su grabación que más me ha impactado) con sus depredadores devorando a sus victimas, canciones de aves, etc, o los fenómenos de la naturaleza como la lluvia, el viento y las tormentas, una característica esencial del trabajo de Watson es que su principal instrumento no es una mesa de mezclas, el principal instrumento de Watson es el micrófono, lo que lo ha llevado a conseguir aparatitos de estos de fidelidad muy superior a la conocida, capaz de captar el aleteo de una mosca, la caída de la lluvia etc, Watson, lejos de llevarnos a sonidos alterados, reconstruidos, distorsionados o deformados como suelen hacer algunos artistas que trabajan con grabaciones de campo, nos entrega las grabaciones tal cual, su magia esta en la insistencia, en la perseverancia y en saber cuando acercar el micrófono y que tanto, escuché alguna vez que alguien dijo: “Watson es dios, dice: voy a grabar lluvia”, y llueve…”, tal vez Watson no sea dios, pero el detalle con el que nos muertas las cosas nos puede hacer pensar que estamos ante los ojos de quien pudiera ser el creador de estas maravillas.

El Tren Fantasma es un viaje en tren por mi país, México, siguiendo una larga ruta que va desde la zona noroeste hasta el sureste (de Los Mochis a Veracruz), a travesando montañas, cañones, túneles y acantilados, si bien el tren ha quedado lejos de ser un medio de transporte para viajar de manera veloz (por lo menos en México) la oportunidad de disfrutar de asombrosos paisajes es un atractivo importante de este medio.

La Anunciante abre el disco, el viaje inicia y Watson capta ese inicio del viaje, el constante ruido de los vagones avanzando, los frenos rechinando y el ir y venir de los pasajeros, el cambio de vías, material divino para cualquier re mezclador que busque sonidos poderosos, Los Mochis es un paseo por el lado salvaje, por una tierra hermosa cerca del mar, una tierra que aún no se ha convertido en una ciudad y dónde la naturaleza aún se resiste a ceder su lugar a lo urbano, tal vez un viaje por las cercanías de un pueblo, aves, gallos, perros, la campana, el tren se acerca, pareciera que el sonido fuera el narrador elegido por Watson para esta historia, los frenos se activan, la llegada a una estación.

La impresionante Sierra Tarahumara, con su fauna a pesar de lo inhóspito del terreno, un lugar mágico y ancestral,  poseedor de impresionantes paisajes que Watson perversamente pareciera ignorar a favor de sus sonidos, Watson capta las aves, el rugir del tren, su paso por túneles y la majestosa calma del lugar, en El Divisadero, Watson agrega algo de ritmos, manipula las grabaciones, las transforma por primera vez en este disco, algo inusual pero que te gancha nuevamente en el viaje, Watson nos pone al filo de algo, aunque aún no sabemos de que.

Watson nos trae un bello paisaje sónico, un mundo que no requiere de los humanos para mostrarse poderoso, amenazador y avasallador, el tren como una metáfora de la serpiente que avanza y que deja tras de si una estela, Watson nos demuestra una vez más que este mundo no nos necesita, que las máquinas poco a poco decaen, convirtiéndose en pasado, mientras que la naturaleza sigue ahí, que este mundo tiene sus propios “compositores” y que son de peso, que antes de cualquier nota musical o escala, esta el SONIDO.

Danzig-Circle Of Snakes

Un nuevo comienzo para el buen Glenn Danzig y compañía, luego de su serie de discos numerados (con excepción del disco 1), de alguna manera Circle of Snakes representa un ciclo que regresa a su punto de partida, los excesos son depurados y al final queda un disco pesado de rock, como ese primero que hizo Danzig, Wotan´s Procession la pieza con la que abre el disco marca el tono de este, una marcha fúnebre, lenta y densa, cantos oscuros (Danzig en ocasiones se ha declarado admirador de los cantos gregorianos, no es el caso pero nos podemos dar una idea), para después literalmente arrancarnos la piel con Skin Carver, tema que da pie a un inicio majestuoso de la guitarra de Tommy Victor (si, el mismo que encabeza a los Prong), una guitarra más pesada que lo humanamente permitido, y una historia que nos habla de un asesino en serie obsesionado con la piel, un regreso bien recibido a esas oscuridades extrema que Glenn nos recetó con los Misfits y Samhain.

A un lado ha dejado Danzig cualquier inclinación a lo industrial que pudo haberle hecho perder foco en sus anteriores discos, esta es una verdadera banda clásica, vocales, guitarras, bajos y batería (si y un poco de teclados sólo para agregar atmósfera), Glenn nos hace pensar si en verdad todo su anterior catálogo de 14 años atrás fue un plan (numerado) y concebido de esa manera, y ahora una vez completado el ciclo regresa a ese rock duro y crudo de su primer disco, si bien el toque fino de John Christ no está presente, Danzig ha probado haberse convertido en uno de esos héroes post modernos (Beck, Bjork, Damon Albarn, Tricky) que no requieren de un grupo fijo y que brillan por escoger sabiamente a sus colaboradores, Tommy Victor reclutado de hace tiempo y estrenándose en un disco de Glenn da un músculo y una brutalidad inédita y muy requerida en un disco de Danzig, Victor va al impacto, deja a un lado lo sutil y sus riffs muestran como una creatura monstruosa con la cual Glenn tiene que luchar de manera épica casi todo el disco (poniendo al grupo en una posición bastante interesante).

Circle of Snakes obedece a la escuela de grooves de Danzig (si esa que inició con Twist of Cain, que siguió con Snakes of Christ y que después seguiría How The Gods Kill), un riff potente, demoledor y una melodía memorable, un gancho musical del cual sería imposible escaparse y rendirle tributo con algo de buen headbangin´.

Pero la genialidad del disco empieza a brillar fuertemente con 1000 Devils Reign, por un lado la sección rítmica formada por Montano y Davies aporta su peso en oro en esta pieza, permitiéndole a Victor descargar poderosos riffs disonantes mientras Glenn nos da una muestra de porque es uno de los mejores compositores en el rock moderno, melodías memorables, una impecable ejecución vocal y un coro que sin duda atrapa a cualquiera, demostrando que Danzig es todo menos un grupo del pasado y que aún hay futuro para su líder.

Skull Forrest es un alto al acelerado paso de las pieza anteriores, oscuridad hecha música, Victor metiéndose en la sutileza de la atmósfera y de las letras, Danzig sacando un poco ese “malvado Jim Morrison” que lleva por dentro, aunque de una manera discreta, explotando sabiamente esa semejanza sin convertirse en una parodia, y dándonos una muestra del talento compositivo, con una pieza elaborada, compleja y que a la vez nos deja algo muy de Glenn, coros compactos y pegajosos.

Hellmask es nuevamente un regreso al torbellino musical que enfrasca el disco, ritmos y riffs a toda velocidad a las órdenes de Glenn, no es difícil imaginarse en esta al buen Glenn enfrentándose a una sección rítmica prodigiosa que no da un paso atrás por un lado y a unas líneas de guitarra cual sierra eléctrica que lo amenazan por el otro lado, en medio de ese ataque multi lateral, Danzig sacando lo mejor de sí, con una ejecución vocal cercana a sus días con los Misfits, de lo más potente del disco, para después nuevamente bajar el ritmo y explorar otra de las obsesiones de Danzig, esas piezas oscuras, densas y lentas que nos dejan bien claro que Glenn ama a los Sabbath y a esos cuatro clásicos cuatro primeros discos de los maestros ingleses del metal, When We Were Dead, Night, BeSodom, My Darkness y Netehrbound nos muestran sin duda a un Danzig y a un Victor fascinados con esas exploraciones de metal oscuro y reptante, una muestra de que ese sonido que nos trajeron Iommi, Butler, Ward y Osbourne, no ha pasado de moda y sigue igual de vigente.

Circle os Snakes es mi disco favorito de la discografía de Danzig, una manera brillante de cerrar el disco es Black Angel, White Angel, dónde literalmente Glenn y compañía “echa toda la carne al asador”, con una pieza que en cierta forma trae a colación su pasado post punk, gótico, metálico y rockanrolero, una línea vocal que me recuerdan mucho a Morrissey (razón por la cual en ocasiones he expresado que Danzig debiera hacer un cover de los Smiths) una ejecución de la guitarra que por mucho es la más brillante de toda la discografía de grupo y que los expone como una mezcla de lo moderno y el pasado oscuro de su protagonista, melodía y poder mezclados de una manera impecable, sin duda una de las grandes composiciones (y tristemente sub valoradas) de Glenn.

Si bien Circle of Snakes pasó sin mucha pena o gloria, se debió a factores externos, poco interés en el genero (la época en que lo “alternativo” estaba de moda) y tal vez que muchos consideraban al grupo como una banda del pasado hicieron que el disco careciera de la trascendencia que debió tener, pero siempre hay la oportunidad de escuchar ese nuevo principio de la banda, una brutalidad musical inédita en la discografía del grupo, los riffs bestiales de Victor y la genialidad compositivita de Glenn muy cerca de sus mejores tiempos.

REVEH-In The End, We Were All Dead Ep, Martyrs Of The Modern Era Records 008!

In The End, We Were All Dead

Martyrs Of The Modern Age 008

Recorded In November 2011 at Shared Fortress

All music composed, executed, recorded and mixed by: RV

Instruments used for this recording: Guitars and FX.

"Improvised recordings in an extreme minimal style.."

01 Nights & Cough Syrup

02 In The End, We Were All Dead

http://www.mediafire.com/?it388uwp4o74db3

REVEH

200 Years-200 Years

Después de la tormenta siempre vendrá la paz, es una constante, es una regla de supervivencia natural, quien podría sobrevivir entre tormentas? Bueno ojo, en medio de las tormentas siempre esta “el ojo”, cuidado, no se vayan a confundir.

Elisa Ambrogio es alguien que sabe en verdad de tormentas, si conocen su trabajo con los Magik Markers, sabrán de que les hablo, a alguien que le gusta más la calma es a Ben Chasny y para muestra su trabajo con los interesantísimos Six Organ of Admittance, a mi gusto, de lo mejor en cuanto al nuevo folk “estadohundidense”, olvídense de esas tonterías de “freak folk”, o de “new weird america” que sólo son etiquetas que esos tontos de mercadotecnia usan para tratar de vender el arte como mero producto de consumo.

El folk de escenario no me interesa, de hecho no me gusta, prefiero el folk de recamara, de closet (sin alusiones sexuales) ese como el que los Velvet incluyeron tímidamente en su tercer disco, que en broma decían haber grabado dentro de un closet, y que hacía alusión a la calma después de la tormenta (y es que el White Light/White Heat, vaya que fue una tormenta!) los Velvet luego de aquella marejada de distorsión, dieron un giro radical a su dirección musical y se volvieron más introspectivos, más reflexivos y Reed creció como compositor, algo así es lo que más disfruto, ese sonido tan intimo, tan propio, “tan de casa”, curioso que Chasny se vuelva a unir a la Ambrogio (con quien ya ha trabajado bajo el esquema de los Six Organ of Admittance) y es que Chasny no es ajeno a la tormenta, algunos discos de los SOOA incluyen algo de abrasión, algunos discos que ha grabado con Rangda, con los Comets On Fire o con los MM de la Ambrogio dejan constancia de esto, pero en esta ocasión, como los 200 Years, la moneda esta del lado de la calma, del lado de la introspección, de lado interno.

De Chasny no resulta una sorpresa este lado amable, de la Ambrogio si, lo suyo, o a lo que nos tiene acostumbrados es al ruido, a la agresión, a la catarsis, y tal vez aquí la catarsis se hace presente, pero no de un modo agresivo, sino de un modo sentimental, aquí no imperan los gritos y los reclamos, sólo la calma y la auto reflexión, 200 Years es un disco casi acústico en su totalidad (algún arreglo eléctrico por aquí o por allá), con Chasny empuñando el arma de seis cuerdas, y la Ambrogio dándonos esa pesada carga emocional vía su voz, por un momento transportándonos a otro lugar, alejados del vulgar ruido de la ciudad, una bonita re valoración de aquel genero característico de los 70s de los “singer songwriters”, si ese que nos trajo a Dylan, a Jackson Browne, a Neil Young o a David Crosby, Wild White bien podría ser la Ambrogio y Chasny encerrados en un baño o en un closet si gustan pasando el rato, sin pensar que sus grabaciones fueran a llegar a otros escuchas, West Hartford sigue la misma línea, aunque el sonido se muestra más expansivo, y Chasny se ve más expresivo en las guitarras, pero Elisa retoma el protagonismo para Dead medicine, en dónde no nos queda duda de la capacidad vocal de la chica, capaz de transmitir un torrente de emociones, tanto que Chasny debe emplear alguno que otro efecto para apoyar esta trasmisión de emociones, o en City Streets dónde las guitarras adquieren algunos ecos y distorsiones para complementar las decadentes imágenes que tratan de trasmitir, si, este bien podría ser un disco de SOOA pero llevado al extremo emocional por las voces, 200 Years lejos de ser un acto de exhibicionismo, es un acto de confianza y madurez entre dos partes que se conocen bastante bien y saben como acoplarse, Chasny que confía ciegamente en las vocales de Ambrogio, al grado que le cede por completo la dirección del proyecto y Elisa que se arropa a la perfección en los frágiles arreglos de Chasny.

Partin Wayz y Thread con su drone de inicio cambian un poco el paso, Chasny llama fuertemente nuestra atención y después Elisa cambia el fraseo en la primera, pero sin salirse de esa línea intimista, que quizás no nos diga mucho sobre un disco relevante, pero si nos deja un muy buen sabor de boca, un momento de reflexión, un momento espiritual que ambas partes nos comparten, para Thread el drone se hace más presente que nunca, percusiones y la carga emocional que llega a lo más extremo, una bonita amalgama de sonidos (como Chasny nos ha demostrado, sabe hacer)un bonito disco que pareciera esa llama de la chimenea que nos calienta en el frío invierno, Elisa y Ben nos traen un disco bonito, una bonita fotografía de un momento, sin mucha trascendencia pero que nos da un pequeño apretón en nuestros adentros, para no olvidarnos que somos humanos y que no somos eternos.

Lou Reed & Metallica-Lulu Presentación en Alemania, Iced Honey

A que bonita es la televisión alemana que pasa este tipo de cosas

Lou Reed y Metallica en vivo, presentando el LULU, una canción de "rock clásico", el Sweet Jane de Loaded de los Velvet de inmediato me vino a la mente, que si Lou es un renegado del rock, un poeta que rockea, y que si Metallica es una banda de metal pesado, aqui sólo queda muestra de una cosa, ESTO ES ROCK CLASICO!

Mattin-Exquisite Corpse

Nuevo material del vasco Mattin es siempre bien recibido por un servidor, un verdadero artista revolucionario, que acostumbra cambiarnos las reglas del juego con cada una de sus grabaciones, ya sea en plan live improv, en el noise, como Billy Bao, en colaboración con otros y bajo su propio nombre, un gusto tener a Mattin de vuelta.

Exquisite Corpse es como se ha denominado a una metodología de trabajo (principalmente en creación literaria ideada por los surrelistas), consistente en el trabajo de conjunto de varios participantes, en el cual uno inicia con una propuesta y en orden variado cada uno va partiendo de dónde termina el participante anterior (sin conocer que escribió este), dándole giros inesperados al trabajo y creando nuevas ideas que en la suma traen un trabajo interesante en una suma de todos los esfuerzos, a veces difícil, complejo y que exige bastante de cada participante, a veces sujeto a tiempo, a veces sujeto a la capacidad de improvisar de cada uno de los participantes, no es de sorprendernos porque Mattin eligió este concepto para su nueva grabación.

Querer entender Exquisite Corpse únicamente a través de la música, sin todo el concepto global, sería como tratar de explicarse lo “monumental” del Biophilia de Bjork sin todo el rollo de los apps y la creación en Ipad que redondeaban el concepto de ese disco, y es que es necesario saber el proceso creativo al que Mattin sometió a los participantes para la creación de esta interesante obra.

Para esta grabación Mattin reclutó a importantes participantes del underground mundial, la portuguesa Margarida García en el bajo, Kevin Failure del grupo Pink Reason en la guitarra y el piano, el baterista Lloyd Frackkbonner y el mismo Mattin en la voz, y bien ahora que conocemos a las fichas de este juego, podemos proceder a saber como se gestó, la idea es una agresión directa y buena sacudida a los paradigmas de las grabaciones modernas, dónde por lo general se graban las baterías, los bajos, las guitarras y las voces en ese orden, en primer lugar, el siempre listo Mattin invierte los factores, primera sacudida, la única base para la grabación son las letras de Mattin, las cuales son entregadas a cada uno de los participantes en papel, cada uno de ellos tiene exactamente tres minutos para improvisar en base a esas letras (segunda sacudida), una sola toma, sin re grabaciones (tercera sacudida), en base a eso Mattin se encargó de mezclar las grabaciones individuales agregándoles su voz de manera digital, el resultado, en primer lugar, sorprendentemente suena coherente, es decir, no suena a partes separadas, nos remite a esas grabaciones que desconocían tiempos y métricas formales que nos recetaban el buen Capitan Beefheart, dónde a pesar de lo disparatado de cada uno de los inputs, el todo final lograba sonar de una pieza, como una hidra de mil cabezas.

Mattin tiene éxito con su cometido, mucho del sonido remite a la no wave, con Mattin agregando las torturadas vocales con que nos ha acostumbrado, como si John Lydon, ese de los PIL hubiera sufrido una lobotomía (vaya cosa, como si Lydon la necesitase), con una Margarida brutal como siempre, omnipresente usando su bajo como un poderoso instrumento de percusión en lugar de ajustarse tímidamente a un ritmo, golpeándolo, raspándolo, exprimiéndole hasta la última gota de sonido, con un Kevin Failure que flota libremente con sus desgarradoras aportaciones en la guitarra que recuerdan en mucho a Arto Lindsay en su época con los DNA, con un total desprecio por las rítmicas tradicionales, y cuyas incursiones de piano resultan un respiro ante tan frenético paso de los participantes y bueno, no podemos hacer menos la aportación de Frackkbonner, quien en parte improvisa o colorea y en parte mantiene ritmos de rock sólidos, una obra que a pesar de su muy arriesgado concepto, termina sonado de una sola pieza, Mattin se apunta otro acierto en dónde concepto y música van de la mano formando un todo como una obra mayúscula, sirviendo de admirable ejemplo para los demás de cómo la música o el sonido si prefieren llamarle así, puede ser llevada a otros niveles, re escribiendo por completo las reglas del juego.

Dispersión Caprina: 13 Pasos por el Lado Salvaje con Lou

Estaría de más explicarles que Lou Reed es de mis artistas favoritos, heredero del arte de crear canciones de gente como Jacques Brel y Bob Dylan, entre otros, el hombre que intentó llevar la novela a los escenarios musicales, para algunos, no más que una suerte de Dylan eléctrico (claro con un enorme plus en lo eléctrico), Lou Reed disfrutó de algo de éxito a principios de los 70s, luego de dejar su monumental banda, The Velvet Underground, Lou es llevado a Europa con David Bowie (un enorme admirador suyo) con la intención de crear todo un movimiento de glam rock en Inglaterra (entre otras resurrecciones de Bowie podemos contar a Iggy Pop y los Stooges y a Mott The Hoople), Lou rápidamente se desmarcó del movimiento e hizo una carrera (más camaleónica que la de Bowie creo yo) con una línea evolutiva, más discreta que la de muchos, pero bastante personal y arriesgada.

1 Transformer

Luego de la disolución de su banda The Velvet Underground y un bizarro disco de debut (grabado con los miembros de Yes!!!, que en verdad si no le tienen miedo a lo diferente esta bastante OK!), el hijo pródigo de Warhol regresa a las calles, con un look glam, y con el respaldo de Bowie y Mick Ronson (quienes se avientan casi toda la producción y los arreglos del disco), un disco fundamental para entender su renacimiento y posterior carrera, Lou se crea una imagen y una mística similar a la de Bowie (que Bowie en ciera forma se había hecho a partir de Iggy Pop, quien a su vez se había inspirado en Lou Reed y Jim Morrison, ya saben nada es nuevo), la música es puro drama al estilo Bowie, Lou le hereda algunas ideas, se aburre de la parafernalia inglesa, de todo ese brillo y prefiere regresar a las cloacas, pelea con Bowie y se separan por décadas (Bowie buscará alguien más en quien inspirarse, Iggy Pop, Brel,, Neu!, Kraftwerk, etc…).

2 Berlin

Una de las primeras obras llenas de ambición descomunal de Lou, Berlin, una drama oscuro y con destellos de humor negro llevado al disco con apoyo de Bob Ezrin (muchos dirán que es el mejor disco producido por Ezrin, auqnue tengamos claro que Ezrin andaba bien "fumigado" en esas épocas), algunos dijeron “el Sgt Peppers” de Lou (que locura), otros pensarían su peor obra, “un disco deprimente”, si tal vez, pero Lou no estaba para hacer sonrisas, estaba para reflejar una temática épica y oscura, una suerte de película de Fassbinder llevada al sonido, un fracaso comercial en su momento (con gente como Steve Winwood, Jack bruce y Tony Levin a bordo las expectativas era bastante altas) , reivindicada como pocas en el futuro, muchos dicen que el estilo deprimente (y aparentemente profundo) de Nirvana y compañía hundió el glam angelino (por su superficialidad), pregúntenle a Cobain quien inició esta oscura escuela? otro dato curioso, Lou se adelanta y pone en los reflectores una de las ciudades europeas que se convertiría en punta de lanza de la nueva música por venir.

3 Metal Machine Music

Por si quedaban dudas de quien lleva las riendas en su carrera, Lou trae a la luz el que podría ser el más grande suicidio comercial de todos los tiempos (el verdadero Rock N Roll Suicide y no la puesta teatral de Bowie, aquí no hay canciones, sólo sonido), su obra más abstracta, el eslabón perdido entre el rock y el avant garde, la piedra angular del noise, un insulto a las discográficas, una broma muy pesada, y la prueba más grande a su público (quien esta conmigo y quien se va?), después de este disco diría Lou, que sus fans se fueron por completo, yo diría, nos quedamos los que en verdad supimos apreciar este disco, otro disco más que el tiempo se encargaría de reivindicar (y de que manera!)

4 Coney Island Baby

Como suele suceder, la calma llega después de la tormenta (salvo que estes en el ojo de la tormenta, cuidado!), Reed empieza a mostrar un lado más humano en sus composiciones, retoma la guitarra y al parecer retoma su vida luego de los fuertes excesos y la acelerada vida del rock n roll, abandona un poco su imagen de junkie, y asume una nueva madurez en su obra, al aparecer purga sus demonios y una aceptación de sus fortalezas compositivas renace, Lou se ve a si mismo de nuevo como un compositor de rock y parte de su nueva música comienza a generar interés en nuevas bandas como los Cars o los Pretenders, es notorio que Lou esta creando musica demasiado adelantada a su tiempo, y que era algo que ya venía haciendo tiempo atrás).

5 Street Hassle

El punk muestra su cara fea y quien mejor que Lou Reed para encabezarlo, si bien Lou no compartía mucho territorio musical con los punks británicos, en NY, Lou era el rey, padre de una escena formada por los Ramones, Television, Talking Heads, Blondie y Patti Smith, Street Hassle es su aceptación como padre de ese punk cerebral, de ese arte brutal, de ese rock inteligente e independiente que sería la semilla del rock independiente de los 90s y demás y Street Hassle es Lou disfrutándolo sin empacho, su lugar como padre también de la new wave queda asegurado.

6 The Bells

Un disco que en su momento causo poco revuelo, se separaba de sus antecesores y del movimiento punk y sin duda anticipaba otras escenas vanguardistas, un disco avanzqado más en tono a lo que hicieron Bowie, Fripp y Eno (y en menor escala Iggy Pop) Lou igual agregaba a su sonido música disco, sintetizadores, arreglos en onda ambient y free jazz, una muestra más de lo especial de la obra de Reed (y de que también se le pude considerar como pionero del llamado post punk), ya que aunque tuvo cierta aceptación, los años le han hecho crecer y consolidarse como una de sus mejores obras.

7 The Blue Mask

Lou no solo madura, sino que también le mete mucho músculo a su obra, uno de sus discos más contundentes, más concisos, una obra mayúscula, que suma al Reed experimentador de los Velvet, al Reed osado del Berlin, al Reed fiero del Street Hassle, con colaboradores de primera como Robert Quine (veterano de la blank generation) guitarrista más intuitivo que técnico (por esto congenia de inmediato con Reed) ayuda a Lou a retomar la fuerza, contundencia y relevancia compositiva que no le veíamos desde sus años con los Velvet Underground, el bajista Fernando Saunders y Doane Perry en la batería les dan una fuerte base, la mejor obra de Lou en años, un delirío en cuanto a guitarras se refiere gracias al apoyo de Quine, un trabajo mayúsculo.

8 New York

Lou nuevamente se transforma (otra vez…), hace a un lado sus reflexiones personales y su visión regresa a las calles, el hijo pródigo regresa a su ciudad, se vuelve una especie de fotógrafo en prosa de Nueva York, escribe sobre la vida en Nueva York, cada canción es una historia de las tantas que se escriben en la ciudad, Lou empieza a ser finalmente reconocido como uno de los grandes compositores de la era, y el New York le respalda con las composiciones más sobresalientes y maduras de su carrera, podemos decir que es un disco de clase mundial, no es un fenómeno de ventas pero saca a Reed de su aparente estatus de outsider y lo ponen en los reflectores, en esa época Reed empieza codearse con gente como Dylan, Peter Gabriel y U2 y hace giras mundiales con ellos.

9 Magic & Loss

Aunque poco mencionada, una obra cumbre en su discografía, el Lou Reed más personal y a la vez el más maduro, Lou deja las calles y entra en un conflicto metafísico, crea un completo duelo musical en honor a dos amigos suyos, si bien la muerte ha estado cerca de la temática de Lou de manera constante, esta vez la enfrente de una manera más personal, Lou enseñándonos a más de uno (y me incluyo totalmente) a lidiar con la muerte de un ser querido, toda una lección, una obra que va más allá de la música, una auténtica lección de vida, inesperada, pero muy agradecida.

10 The Raven

Lou ya no es ajeno a temáticas complejas y temerarias y rinde un merecido homenaje a uno de sus antecesores, Edgar Allan Poe, The Raven es un disco concebido en paralelo a una puesta teatral en honor de Poe, un disco de gratas de colaboraciones dónde aparece gente como Bowie (con quien se reconcilia después de años), Ornette Coleman (una de las grandes inspiraciones musicales de Reed), Laurie Anderson (con quien Reed se casaría en años posteriores), entre otros, una obra sumamente audaz, másivo, que deja claro que Lou sabe manejar grandes desafios y llevar a buen término proyectos monumentales, obra que sirve de templete a una de las obras más ambiciosas de Reed en el futuro.

11 Inner Spaces

Lou da un nuevo giro, bastante radical en su dirección, Lou se pone en situación difícil y abandona su prosa a favor de un disco instrumental, como es posible que el poeta de Nueva York haga un disco instrumental? dificil de comprender para quienes sólo conozcan una faceta de reed, un disco natural y hasta esperado, la otra cara del Metal Machine Music concebido más de una década atrás, un disco de música ambient que más cercano a Eno que al Reed que conocemos, un disco que se convierte nuevamente en una bofetada al consumismo, a lo comercial, a lo que "vende", una obra totalmente personal y que provoca las mismas reacciones de duda y molestia entre el público que las causadas una década atrás por el MMM, una fascinante probada al experimentalismo que esta por llegar.

12 The Creation Of The Universe

La nueva estrategia de Reed es extremadamente fascinante y audaz: “Sin Canciones y Sin Letras”, Reed arranca por completo la hoja y vuelve a empezar, fascinado con sus experimentaciones electrónicas inicadas en el Inner Spaces, el noise del Metal Machine Music (recientemente reivindicado) y sus recientes apariciones con el grupo de improvisadores asociados con John Zorn, Lou Reed nos trae The Creation Of The Unuvierse, un disco grabado con el Metal Machine Trio, en el cual el ruido, el silencio, la electrónica y la libre improvisación se mezclan para mostrar una nueva cara de Reed y de su obra, que manera de mantener una vigencia, que manera no sólo de re inventarse y ponerse al tono con los tiempos, sino de adelntarse años luz a la actualidad, el mundo de la libre improvisación visto desde los ojos de Reed y una muestra más que Reed está a muchos años luz del resto de sus contemporáneos.

13 Lulu

Reed venía concibiendo esta obra de años atrás, desde el drama musical del Berlin, la abrasión extrema del Metal Machine Music, la música robusta del The Blue Mask, la brutal honestidad del Magic & Loss y la conjunción de lo literario con lo musical del The Raven, Lou emprende una aventura con Metallica, una unión difícil de imaginarse en papel (cerebro y músculo como UNA maquina perfecta), que termina funcionando de una manera inexplicable, Reed agrega más músculo y abrasión que nunca a su obra, sale bien librado y de pasada provoca a más de un fan del heavy metal, y nos da una muestra muy clara de que no todo esta escrito.

Pinch & Shackleton-Pinch & Shackleton

“Dosis masivas”, es una composición de palabras que he escuchado mucho últimamente, es el último recurso, es el ataque máximo y sumamente arriesgado con la esperanza de una respuesta positiva, el para “salvarlo tenemos que matarlo”, por otro lado que sucede cuando recibimos una dosis masiva de sonidos ultra bajos? Por un lado nuestro interior vibra, el sistema interno por completo se altera, ese sonido tan contundente y compacto a la vez que transforma el concepto musical, de algo que es meramente de escucha a algo que se convierte en contacto físico, una marea constante que nos golpea, que trata de movernos, de sacudirnos, y es que haciendo una analogía con la termo dinámica sabemos que está funciona en orden con variables como la temperatura y la presión, sonidos “bajos” graves que congelan la sangre, algo sólido que se niega a cambiar su estado, que no nos hace viajar, pero que es tan necio que trata de movernos, hablemos de dubstep, si ya saben, ese genero que en verdad sabe jugar con la presión, que juega peligrosamente con claustrofóbicos patrones rítmicos, dándonos el equivalente sónico a disparar dentro de un elevador, el dubstep se hace presente aquí.

Sam Shackleton, esa elusiva figura que rara vez da entrevistas, que pone como protagonista de su carrera a la música (como debe ser, que más?), Shackleton es un veterano de la escena dub inglesa, de ese extraña generación de músicos amantes del dub, pero que no quisieron caer en un mero revival de la música de Jamaica, que quisieron crear su propia versión y la fusionaron con los ritmos fríos del techno, los espacios del ambient e inclusive con el sonido expansivo de la música industrial, territorio en el que se manejan gente como Justin Broadrick, Kevin Martin o Mick Harris, escena de donde Shackleton se desliga, se va a Berlín sediento de la onda electrónica que ahí se maneja y en dónde trae a la vida una fusión muy al estilo de los legendarios Can, pero muy adaptada a nuestro tiempo, partes de dub, partes de industrial, partes de ambient, partes de techno y partes de música étnica (derivado de la obsesión de Shackleton por coleccionar percusiones primitivas) se fusionan en su música, una grana amalgama de sonidos y tonalidades.

Shacleton con el tiempo se ha dio convirtiendo en uno de los gigantes del genero, y en este Pinch & Shacleton, se fusiona musicalmente con otro grande del genero Pinch, para traernos este disco / colaboración (Ford and Lopatin, Lou Reed y Metallica, Massive Attack y Burial, se está convirtiendo este año en el año de las colaboraciones? O es la necesidad de repartir los costos y reducir el riesgo en las grabaciones en esta nueva era digital?)  cabe mencionar que poco conozco de la obra de Pinch, aunque las referencias que he recibido de su música siempre han sido buenas y lo que he escuchado de él me lleva a pensar que una mejor colaboración no pudo haber surgido (considerando el background de Pinch con la música étnica y su fusión con la electrónica moderna), calro), no así con la obra de Shackleton, que me es familiar y que he seguido, esa mezcla de bajos poderosos, percusiones tribales, ecos prominentes y la frialdad del techno amalgamadas en ese delicioso dubstep que rara vez suena al resto del dubstep,

Cracks In The Pleasuredome abre con bajos de alto calibre, de forma estelar la textura ambient comienza a envolvernos y es cuando esos ritmos peligrosos y contenidos comienzan a tomar forma, una música capaz de engañarnos y hacer que se confunda con el mismo ritmo de nuestro corazón aclarando nuestros ritmos internos de estrepitosa manera, avanzada la pieza los sintetizadores comienza a tomar el protagonismo, mientras el medio oriente se hace presente a través del sampleo de voces y cantos, una nueva clase de espiritualidad digital con todo lo herético que pueda sonar la frase.

Talvin Sing y su tabla pareciera materializarse en Jellybones, mientras que Shackleton y Pinch agregan generosas, “masivas” dosis de ruido y ecos, más tribalismo para la nueva era, pero como olvidarnos del bajo reptante que de alguna manera consigue salir a la superficie en una pieza que increíblemente tiene éxito en sus dos empresas, contagiarnos con el ritmo y a la vez compartirnos una experiencia casi espiritual a la que nos podrían inducir a través de esos aires enrarecidos. (E.S.P.-ritual).

Agradezcamos a los dos protagonistas de esta aventura musical por la contundencia de la percusión con que abre Torn and Submerged, ya que no sólo nos golpea, también nos muele a golpes, y después nos desorienta con sus sintetizadores sumergidos en reverb, Rambo regresó a Vietnam y esta sediento de venganza.

Dos titanes del género en una colaboración  a la que no se le ve en ningún lado el “parche”, perfectamente bien acoplados y concentrados en sumar un total, total que nos golpea y amenaza con moler nuestros huesos a golpes, sino desintegrarlos y pulverizarlos en baños de ecos y distorsiones.

Mike Patton-The Solitude Of Prime Numbers

Mucho del trabajo más reciente de Mike Patton opera de una manera similar, conjuntos de cuerdas bañan su obra, percusiones etéreas como de soundtrack de Danny Elfman,  mientras que sus vocalizaciones sometidas a diversos efectos y asumiendo infinidad de personalidades llevan el protagonismo, es valido decir que Patton busca su lugar en la música moderna no como un cantante de rock,  su pasado en este genero ha quedado ya bastante atrás, y hemos descubierto como Patton no es exactamente un “hijo” de Ozzy Osbourne o de Robert Plant, sino un descendiente de Ennio Morricone (el maestro italiano creador de la música de los spaghetti westerns de Sergio Leone) , el mencionado Elfman (conocido por sus fantasmales soundtracks hechos para gente como Tim Burton), o Bernand Hermann ese que metía cuerdas amenazantes en la música que hacia para Hitchcock, algo con lo que no concuerdo mucho es la dirección ultima que ha tomado sus carrera, muy inclinada a los la música de ocasión para películas, aderezada por uno que otro giro interesante, como su proyecto de Peeping Tom y el de Mondo Cane, atrás han quedado sus obras más vanguardistas como Adult Themes For Voice y Pranzo Oltranzista, lejos la locura de Mr Bungle o de los Tomahawk, ni que decir de Fantomas.

Una objeción a esta, su nueva dirección del momento, es demasiado común, aplaudo sus dos obras solistas, el Adult…y el Pranzo…que eran bastante únicas y personales y que mostraban un lado de Patton bastante cercano a Zorn o a otros compositores modernos, pero su gusto por las composiciones para cine no me es del todo agradable, carece de esa chispa de genialidad de los ya mencionados Elfman, Hermann o Morricone, no pongo en duda su calidad, pero si su capacidad de innovar, tal vez lo que haga Patton sea algo muy innovador para una ex estrella de rock, pero no en términos meramente musicales.

Algunas de sus obras más recientes, A Perfect Place, Crank High Voltage son soundtracks para una película, su naturaleza exuberante no se refleja aquí, tampoco Mondo Cane, su homenaje a la música tradicional italiana es perceptible en esta nueva grabación de música para película, Twin Primes muestra esos elegantes arreglos de cuerdas que ya habíamos mencionando acompañadas por la voz fantasmal de Patton, algo que de alguna manera y por poco tiempo me trae a la mente su trabajo con Fantomas, precisamente en ese disco que hicieron de canciones de películas, pero en Identity Matrix cambia el giro, piano y arreglos más robustos, además de percusiones por instantes traen a la mente esas suites de pop complejo y sinfónico que nos había prometido Brian Wilson en su época experimental con los Beach Boys (a quien curiosamente Patton homenajeo con el California cuando estaba con Mr Bungle), mientras que Method of Infinite Descent en momentos podría aproximarse a esa música ambient que hacia Steve Roach y que a veces se aproximaba peligrosamente al new age.

El ambiente de The Solitude Of Prime Numbers es sombrío, alejado de la exhuberancia a la que nos tiene acostumbrado Patton, las piezas fluyen de manera natural, sin mucho sobresalto, lo cual habla de composiciones que se amarran fuertemente a la temática de lo visual que están apoyando, y lejos de tomar el protagonismo sirven como mero ornamento, Contapositive podría traernos recuerdos de Satie y su “música de ornamento”, esa que inspiró a Eno a concebir la música ambient.

La característica principal de este nuevo conjunto de composiciones de Patton es la textura Cicatrix es una pieza de textura con “T” mayúscula, mientras que Abscissa es puro drama elaborado, crescendos al por mayor, pero al final nada que no hayamos visto antes con algún otro compositor “clásico”.

Al final creo que Patton nos debe algo de su genio, su música lejos de llenarse de esa chispa de genio loco que solía mostrarnos se ha vuelto demasiado seria, demasiado académica diría yo, si bien Supersingular Primes o Quadratix se desmarcan un poco, no dejan de quedar muy sumidas en el territorio de Elfman, Weight Of Consequences la pieza final salva por 7.05 minutos el disco, con su ambiciosa mezcla de influencias y el regreso de la voz de Patton, un disco que se vuelve bastante largo y tedioso, que desconcierta ya que tedio no es precisamente una palabra que podríamos esperar del señor Patton.