Red Horse-Red Horse

Bueno free improv es cuando el músico se mete al estudio y comienza a improvisar, como solían hacer los viejos free jazzistas, como Albert Ayler, o Archie Shepp, o John Tchicai, o el gran John Coltrane, sólo un estudio amplio, los músicos viéndose frente a frente, unos buenos micrófonos y pocas tomas y pocos overdubds, sino es que ninguno, live improv, son esos chicos que desdeñan bastante el estudio y su rollo es tocar en vivo, construir en vivo, y si por casualidad son grabados pues que bien, si algo es live improv o free improv, la verdad ya queda en manos de cada quien discernir que es que, pero si sería necesario darnos una buena idea para poder pasar a lo siguiente.

En estos terrenos un tanto sinuosos nos topamos al dúo de Red Horse, sería difícil definirlos como algo en particular, ya que si bien, el rol de Eli Keszler es propiamente el de un baterista que no necesariamente ve el rollo de los ritmos, el de Steve Pyne es un poco más complejo y abstracto, ya que Pyne se encarga de crear sonidos, ya sea através de la guitarra o por cualquier medio que se le plazca, ya sea creando instrumentos el mismo, que sirven para brindar un sonido más expansivo a este par de creativos, si bien sería difícil con estos antecedentes poder describir que hacen y que no hacen Red Horse sonoramente, ya que hablando del genero, la alineación, podríamos pensar que estamos ante otro de esos dúos como Lightning Bolt o Hella (en sus inicios), pero la verdad no haríamos verdadera justicia, ya que mientras los Bolt y los Hella hacen de las suyas domando sus instrumentos a velocidades metanfetamínicas, los Red Horse no parecieran estar muy interesados en la velocidad, hasta pudiéramos pensar que su música es más estática, densa, una sacudida más al interior que al exterior, algo muy parecido a estar dentro de una lavadora en marcha, Keszler es un torbellino en la batería, más interesado en “colorear” como los viejos bateristas del free jazz, y en nusar su batería y demás percusiones al máximo, más que en llevar un ritmo, lo suyo es crear, llenar espacios, expandir su sonido, y vaya manera de hacerlo, sus ritmos son omnipresentes, abstractos, paralelos, divergentes y no se que tantas cosas a la vez, Brian Chippendale de los Lightning Bolt en su versión más abstracta podría ser una buena comparación (lo que hace Chippendale como Black Pus, pero menos primitivo y sin los gadgets electrónicos que suele usar).

Pyne en la guitarra se inclina por completo por el drone, usando su guitarra para rechinar, gruñir, zumbar y sonar como una campana gigante a su voluntad, sería muy difícil poder hacer una descripción exacta de lo que sucede, ya que en verdad, en este disco y en cada una de las piezas suceden muchas cosas a la vez, Pyne sonando a veces como un Ben Frost en la guitarra sin muchos procesadores en su sonido, otras como un Sonny Sharrock en el echoplex, otras como Bailey, dándole un carácter a la guitarra de instrumento de percusión, más que de cuerda, otras yéndose de plano a zonas oscuras y cósmicas como suele hacer Oren Ambarchi, sin duda aplicando creatividad a todo lo que sobre su instrumento, aprovechándolo por completo.

Son Red Horse el extremo impensable en ocasiones del free improv?, muy probablemente si, y a la vez su conexión con el rock duro, con la escena noise de un Merzbow, con la no wave de los Sonic Youth, con el free jazz de los Fire! y con el noise rock de los Lightning Bolt, probablemente un claro ejemplo de la bifurcación, evolución de un genero tan envolvente e incluyente, capaz de abarcar monstruosamente un gran espacio.

Cada una de las piezas es un auténtico derroche de energía, creatividad y experimentación, un auténtico atrevimiento sónico a explorar todas y cada una de las capacidades de sus instrumentos, un llamado a re escribir las reglas de que es una batería, de que es una guitarra, de que es música y un  choque total de lo físico de sus ejecuciones con lo abstracto de su música.

Fire! With Jim O´Rourke-Unreleased?

El título de inmediato nos remite a que muy probablemente este material no estaba considerado para editarse de momento, pero bueno, primero iniciemos con las presentaciones de rigor, por un lado tenemos al ya muy conocido de todos Mats Gustafsson, saxofonista de origen sueco, luminaria de escena increíble escena de jazz libre escandinavo que no deja de sorprender y a la vez darnos esperanza en que no todo está perdido en este mundo, ya que precisamente, cuando genios como Albert Ayler y Eric Dolphy fueron tristemente ignorados por los ignorantes Estados Hundidos de Amnésica, lugares como Suecia, Noruega, Inglaterra, Francia y Alemania, dieron una gran acogida al free jazz, manteniendo vivo el movimiento, adaptándolo, transformándolo y haciéndolo evolucionar hasta nuestros días (de ahí han salido otras cosas muy interesantes, como el noise, el live improv, la forma libre y el reduccionismo).

Fire! Es un trío encabezado por Gustafsson, con Andreas Werliin en la batería y Johan Berthling en el bajo, Gustafsson, obviamente encargándose de los metales, Fire! No es un  trío de free jazz propiamente, pero han adaptado la fiereza y flexibilidad del género, le han agregado influencias de las escenas noise, live improv, electrónica, rock, drone music y demás, y pues bueno, a Jim O´Rourke, quien no lo conoce? Ha pasado por infinidad de bandas, los más conocidos, los “Sonic-ya-no-tan-Youth”, y ha tenido una muy prolífica carrera como productor de gente como los Wilco o Johanna Newsom, a eso agréguenle sus colaboraciones con gente de primer nivel como Peter Rehberg, Oran Ambarchi, Fennesz y Keiji Haino.

Fire! With Jim O´Rourke, no suenan muy alejados de lo que normalmente nos trae el trío de Gustafsson, Unreleased? No es propiamente un disco de free jazz, aunque si es un elemento principal de la portentosa y aplastante mezcla que se da en el disco, si consideramos el primer tema, Are You Both Still Unreleased? Tenemos una sección rítmica que se pone al servicio de Gustafsson por completo, este realiza algunos ejercicios minimales y de tipo drone, y la incursión por momentos de O´Rourke en un sintetizador para “sublimar” la grabación, en una pieza que pareciera merodear, acosar, mantenerse expectante, sin abrirse explosivamente, una pieza que poco a poco avanza en un territorio de ritmo recurrente y que fácilmente podría resultar en una especie de psicodelia cósmica con tintes de jazz.

Please, I Am released inicia con una sección rítmica más robusta, con Werliin a la cabeza y un O´Rourke metiéndole abrasión a través del “feedback” de una guitarra, los ritmos casi “tribales” (verdaderamente tribales, no la aberración que llaman tribal aquí en México), invocadores de espíritus del norte de América se manifiestan y todo sonido emanado de el instrumento de O´Rourke y de Gustafsson parecieran hacer clara referencia a esos espíritus, manifestándose en la noche a la luz de una fogata, mientras los guerreros danzan a su alrededor, una vez más quine habló de free jazz? Estamos ante algo completamente distinto, evocador y explosivo a la vez.

By Whom And Why Am Previously Unreleased? Nuevamente corre a cargo de Werliin, quien toma papel central, un ejercicio más rico en percusiones, más relajado, que O´Rourke se encarga de “rellenar” con “feedback” y una harmónica fantasmal que evoca sin duda alguno esos “spaghetti westerns” de Sergio Leone que musicalizaba Ennio Morricone, una pieza relativamente de corta duración, que sirve más de preludio, que como un tema en si.

Happy Ending Borrowing Yours es posiblemente la pieza central del disco, el “grand finale”, nuevamente Werliin tomando iniciativa en plan demoledor, en plan Klaus Schulze cuando tocaba la batería con Ash Ra Tempel, sonando como diez bateristas a la vez, mientras O´Rourke se intercala entre la guitarra y el sintetizador, lanzando chispas de ruido por doquier, a lo que Gustafsson se une repentinamente, convirtiendo el tema en una auténtica máquina de demolición, para después dar un giro radical y traer al frente la calma, Berthling y su robusto bajo quedan al frente, todo el ruido para a un plano secundario, latente, mientras Berthling queda a cargo, poco a poco Werliin se une al proceso, la sección rítmica de Fire! Brillando en el ojo del huracán creado por O´Rourke y Gustafsson, O´Rourke poco a poco ganado terreno con su sintetizador, taladrando la pared de sonido como Eno solía hacer en sus inicios con Roxy Music, Gustafsson tomando el papel protagonista posteriormente, el maestro Gustaffson liberando el poder completamente, exhalando hasta el último aliento para alimentar su poderos instrumento, mientras que la sección rítmica avanza a paso tormentoso, punzante, un final avasallador sin duda alguna, de un disco no de free jazz (en gran parte gracias a O´Rourke), sino de algo más, de verdadera música libre hecha de fuego.

Michael Chapman-The Resurrection And Revenge of The Clayton Peacock

Antes que nada, los hechos, tal como son, si pones Michael Chapman en Google, encontraras que Chapman, es músico, pintor, deportista, maestro en una universidad en estados hundidos de amnésica, etcétera, pero el Michael Chapman que nos interesa, es un músico inglés que vio la luz en la brillante escena folk inglesa, si, esa en dónde los Fairport Convention, los Pentangle, entre otros nos trajeron ese genero hibrido del folk norteamericano, y las tradiciones celtas europeas, a pesar de una carrera prolífica como canta autor, al estilo de las tradiciones de los 70s (como Neil Young, David Crosby, Joni Mitchell, Jackson Browne, entre otros), la carrera de Chapman nunca despegó como una muy popular, un pequeño culto se formó para seguir su carrera pero Chapman siempre fue importante, sólo para un circulo my reducido.

Siempre inquieto, Chapman hacía pequeños esfuerzos por traer una línea experimental a su música, muchos de ellos mejor ejecutados en vivo que en disco, inclusión de nuevos ritmos, nuevas tecnológicas, arreglos, estructuras menos tradicionales, pero experimentos que nunca terminaron de cuajar con su base de seguidores, pero siempre hay algo pequeño ahí termina cambiándonos la vida, por lo menos por un momento, y un renacimiento en la escena folk de norteamericana, daría nueva vida a la visión de Chapman y a su “resurrección”, gente como Jack Rose, Thurston Moore de los “Sonic no-tan-youth-ya”, y Tom Carter de los Charalambides, poco a poco comenzarían a mencionar a Chapman entre sus descubrimientos más recientes, los que haría que poco a poco la leyenda de Chapman empezara crecer.

Thurston Moore le conoce y lo invita a hacer uno de “esos discos raros” (no olvidemos que Moore fue quien en alguna gira con Neil Young le recomendó “ensamblar” el disco ARC, que se convertiría en una especie de “Metal Machine Music” para Neil, un collage bastante abstracto de feedback y distorsión, que pondría los pelos de puntas a más de un fan de Young, pero que en lo personal considero bastante bueno y disfrutable desde un punto de vista experimental.

Todo esto nos hace llegar a como “un culto crea culto hacia otro culto”, de que demonios estoy hablando? The Resurrection and Revenge of the Clayton Peacock, disco más reciente de Chapman para la disquera de Moore, Ecstatic Peace, hace una clara alusión a John Fahey y su canción “The Death of the Clayton Peacock”, no sabemos si Chapman hace una analogía entre su carrera y el título de la canción de Fahey, la reconfigura para hacer una nueva alusión personal y es así como da un inesperado giro a su carrera como artista de culto, con una fuerte referencia a Fahey, otro enorme artista de culto.

Esto no es otro estúpido disco de rock, este es una fotografía de puro sonido desdoblándose, creándose y transformándose, Chapman, quien ya se había acercado a ese sonido de guitarra cósmica en base a ecos de John Martyn, contemporáneo y paisano suyo, que había hecho interesantes exploraciones con el echoplex, pues bien Chapman toma algo de aquel sonido de Martyn y lo lleva a un plano completamente abstracto, como aquellas grabaciones de carácter sumamente experimental de John Fahey, mezcladas con algo de ruido y atmósferas ambient, amarrando todas esas vertientes de sonido y trasformándolas en algo completamente nuevo, con una sorprendente madurez, coherencia y naturalidad, que pareciera que Chapman hubiese hecho este tipo de discos toda su vida.

Blut Aus Nord-777 Sect(s)

Muchos se preguntarán porque no situé este disco de los Blut Aus Nord en mi lista de "lo menos peor del 2011” y porque puse a los Wolves In the Throne Room, la respuesta no es tan compleja, Wolves In The Throne Room ya llevan un avanzado camino evolutivo, es posible que la banda haya llegado a la cúspide de su carrera con el Celestial Lieneage y sin afán de sonar pesimista, será difícil que la banda pueda sobrepasar este disco en el futuro, Celestial Lineage suena a una banda que como decía Neil Young, prefriere estallar que desvanecerse poco a poco, veámoslo desde un punto de vista un tanto radical, el black metal de los “Estados cada vez más hundidos” se está transformando, esta en pleno tumulto, y una nueva música estará por surgir, pero como hemos visto, es necesario evolucionar, morir, para renacer, quiero pensar y estoy bastante convencido de ello, que lo que siga con los Wolves y con la escena black metal de los “Estados cada vez más hundidos” será algo muy distinto, música que reflejara la turbulencia interna en la que está por entrar el vecino del norte, si bien grupos como los Liturgy ya empiezan a mostrar la evolución del genero en esas tierras, no es obviamente “el futuro”, pero sinceramente creo que el futuro del genero en  esas tierras ya lo vi, y no estoy muy errado.

Bueno, Blut Aus Nord, regresando a nuestra plática principal, un grupo de misteriosos orígenes franceses, cuyo nombre traducido al español significa “Sangre del Norte”, en tierras mexicanas esto significaría música norteña, acordeones, bajo sextos y “corridos” (esos que en verdad evolucionaron de las hermosas polka europeas), pero que en Francia implica música en verdad oscura y altamente evolucionada, nuevamente algo que llama poderosamente nuestra atención es que el futuro del genero, por lo menos en Europa esté en manos de estos franceses, con ya casi 15 años de pasado, esta banda ha llevado el genero a lugares dónde nunca pudo haber llegado a manos de nuestros amigos escandinavos, con un nivel de solidez y sofisticación que dejaría a más de uno con la boca abierta, pero que es tan sorprendente de los Blut Aus Nord? Que los hace más con un pie en el futuro que las viejas legiones de “verdadero black metal”, en primer lugar tenemos el trabajo vocal de Vinsval, muy en tono con el rollo “black metal”, pero esto sólo cuando al amigo se le ocurre cantar, o vociferar, ya que en realidad la música del grupo usa escaso uso de las vocales, las guitarras a cargo del mismo, como sierras eléctricas, cual debe ser, en un ataque intenso pero tan controlado a la vez, rara vez esas guitarras tan salvajes y lo fi que son cliché del genero, no, aquí no se pierde para nada la furia, pero suenan bastante técnicas, y en ocasiones con leves coqueteos con una parte melódica.

Si nos ponemos a pensar en que la escena “black” de Francia, con bandas como los Blut, los Alcest, los Deathspell Omega, los Spektr, Vlad Tepes, Peste Noire y Mutiilation, nos da una clara muestra de dónde se encuentra el verdadero futuro del genero y el hecho de que una banda francesa, con nombre de raíces germanas, nos pone en mucho a pensar que el futuro no sólo de nuestros hermanos de Europa y de la música se encuentra en manos de países como Francia y Alemania casualmente (o no por una casualidad).  

777 Sect(s) brilla fuertemente con esa parte industrial que la banda ha venido desarrollando poco a poco, acercándose más y más a esos infiernos urbanos a que nos tenían tan acostumbrados los Godflesh de Justin Broadrick, sin duda los Blut son una banda que mamó fuertemente de esa escena de la Earache y el grindcore, pero que ahora nos transmiten con  una madurez, una inteligencia y una energía admirable, unn disco en dónde todos los temas llevan el nombre de Epitome seguido por su número de aparición, Epitome 1 es un fiero ejemplo de lo anterior, con un pasaje al final muy al estilo de esos sinistros ritmos de los ya mencionados Godflesh, que nos hace recordad más y más cuanto les extrañamos.

Epitome 2 es un rollo más de textura, con las vocales Vinslav tras la música, confundiéndose con ella, más que dominándola, mientras que Epitome 3 es puro black metal compacto y a la yugular, apoyado fuertemente por unos teclados que se alejan de los clichés sinfónicos que tanto engordan el genero, estamos ante un torbellino de brutalidad sumamente ágil, una banda que suena en plena forma, capaz de llevar su música al extremo que ellos deseen.

Una auténtica banda de compositores, no de entretenedores, como dicen algunos, orgullosos de su música que no están dispuestos a desperdiciar un segundo de sus composiciones, un grupo que pareciera incapaz de cometer un error que nos hace pensar y maravillarnos de hasta dónde ha llegado un genero bastante primitivo que pareciera no tener mucho futuro por tantas copias y copias de los grupos originales, pero que de la mano de sus participantes más osados ha sabido ir transformándose sin peder su furiosa y oscura esencia , tal vez no el mejor disco de metal extremo del año, pero si la banda más prometedora del genero en los últimos años!

Ulcerate-The Destroyers Of All

The inicio los ritmos “blast” cortesía de Jamie Saint Merat y los “riffs” de guitarra de Michael Hoggard fueron una poderosa evocación a una de mis bandas favoritas del genero, los Portal (una banda de Death Metal tan extraña que podría haberse originado en la mente de David Lynch), también de por aquella zona del globo terráqueo (Australia), los Ulcerate de Nueva Zelanda se separan por completo de las tendencias en el Death Metal mediante el uso extendido de atmósferas, de líneas de guitarra más largas que saben entrelazar a la perfección con momentos verdaderamente intensos, las vocales (a cargo de Paul Kelland), a todo lo que da en el glorioso estilo de alguien como David Vincent (cuando los Morbid Angel estaban en la cima de la montaña con discos como el Blessed Are The Sick), ritmos en verdad compactos y magistralmente manejados a voluntad y después esos pasajes otra vez, una banda en verdad, decididos a darnos una buena sacudida.

Y es que el Death Metal es en verdad un genero difícil, tan lleno de clichés y formulas, que en verdad resulta fácil perderse, convertirse en uno más del montón, y es que esos ritmos de doble bombo, ritmos “blast” y las vocales guturales cortesía del “Cookie Monster” son requisitos para entrarle al género, pero son características tan fuertes y predominantes que resulta fácil perder la identidad, es entonces dónde la inventiva de los nuevos grupos juega un papel importante en saber quien sobresale y quien simplemente se pierde por completo en estos territorios infernales.

Pero ojo, porque aquí los Ulcerate con su The Destroyers Of All nos traen uno de los discos ejemplares del ya saliente 2011, si bien el título es ya una tremenda bofetada a la escena, la banca no da paso atrás y respalda cada una de las palabras de él en cada canción.

Temas como Dead Oceans en verdad muestran una identidad completamente única, con sus guitarras atmosféricas y esas baterías que parecieran por momento dejarnos en suspensión total y después nos rematan con un redoble, una banda que no recae en los recientes excesos de los tecnicismos que invaden a las bandas del Death Metal últimamente, pero que tampoco los dejan  en el primitivismo, una banda 100% capaz de crear sus propio sonido, su propio universo a través de memorables líneas de guitarra y una amplia capacidad de flexibilidad y dinamismo en sus temas, que podemos decir de Beneath con su sonido tan único y tan especial que y esos pasajes melódicos y texturas que difícilmente podríamos “arrojar” tan fácilmente con el resto de las bandas que surgen, sino que nos los confirman como una banda en plena madurez de una visión original.

Si bien ya con el Everything Is Fire del 2009 la banda ya nos había dado una muestra de lo que eran capaz, Destroyers of All lo confirma que el Death Metal esta en excelente estado, y que si bien el genero se hundió nuevamente en el “underground” en los últimos años, no es por falta de talento o por falta de bandas rescatables, sino porque simplemente lo que está arriba del “underground”, se ha convertido en material desechable (pop, hip hop, pop punk y demás) como alguna vez lo fuera el rap metal, el nu metal, el “alternativo”, el grunge y demás géneros olvidables, de los cuales el buen Death Metal se ha sabido aislar, para seguir fermentando sus oscuras y densas sinfonías.

Ha sido un buen año para el metal extremo, con bandas como Disma, Wolves In The Throne Room, Blut Aus Nord y Ulcerate, entre otras dejándonos buenos ejemplos de un genero que alguna vez estuvo a punto de hacer el anhelado “crossover” al mainstream, pero que en verdad da gusto que no lo haya hecho y que esa temida película protagonizada por Johnny Depp acerca del Death Metal, que pretendía catapultar el género como alguna vez lo hizo “Singles” con el grunge, jamás se haya llevado a cabo, y que el genero siga como a muchos nos gusta, “enterrado vivo”!

Los Santos Difuntos-Technochtitlan, Martyrs Of The Modern Era Records 012!

Los Santos Difuntos

Technochtitlan

Martyrs Of The Modern Age 012

Recorded In December 2010, Mixed at Shared Fortress In December 2011

All music composed, executed, recorded and mixed by: RV

Instruments used for this recording: Drums, synths, field recordings and FX.

01 Morning Naked Dance

02 A Walk On Sacrifice Square

03 Cold Ceremonial Stone

04 Pure Souls Will Rise

05 A Trip To Mictlan

06 A Trip To Mictlan (Technochtitlan Remix)

"Just as Can made their own ethnological forgery series, Los Santos Difuntos dig deep on their countrys roots to find the old sound to take them right into the future, cosmic pop for the dawning of a new era..."

dl: http://www.mediafire.com/?5bq2iotih6mda18

Mike Patton-Adult Themes For Voice

Llegó un momento en que muchos dieron por perdido a Mike Patton, y durante su estancia con los tremendos Faith No More , no supieron verlo como nada más que un clon de Anthony Kiedis (si el que canta con los Chili Peppers), si bien es muy obvio que Patton en esa época tomó bastante inspiración de Kiedis, Patton, aquel chico al que le llegó la fama luego de arrojar un demo de su entonces desconocido grupo Mr. Bungle a manos de los Faith No More, no era como se dice vulgarmente “un perro de un solo truco”, Patton traía en si muchas sorpresas para los que optaron por seguirlo, si bien la llegada de Mr Bungle a los escenarios profesionales nos tomó por sorpresa a varios, con una rango aún mayor de versatilidad y más extremo en gustos que los FNM (que habían editado el enorme Angel Dust), para cuando el célebre Disco Volante (muy superior, en mi opinión, al disco debut que les produjo John Zorn, por cierto) llegó, la banda ya había sobrepasado y por mucho a los FNM, para cuando llegó el todavía aún más evolucionado California, Patton ya andaba en otros proyectos bastante alejados de los reflectores, formando otras bandas, haciendo nuevas amistades y haciéndose una carrera como solista.

Adult Themes for Voice se convertiría en su disco de debut, y debutar con la Tzadik de John Zorn no es cualquier cosa, es ponerse al nivel de uno de los más grandes y vanguardistas compositores modernos, Patton no sólo editó con la Tzadik, también formó partes de varios ensambles de la época y de la escena de Nueva York, grabó con Zorn, con Laswell, entre otros, y nos trajo este singular disco, un disco que sin duda sería bienvenido y común en la discografía de alguien como Yamatanka Eye (vocalista de los Boredoms) que de sobra sabemos que le encanta llevar la voz a extremos en verdad escalofriantes, pero no de un artista que fuera sensación del MTV, con discos de platino etcétera.

Pero es en Adult Themes for Voice en dónde Patton reveló la verdadera naturaleza de su voz y de su naturaleza como artista, haciendo de sus cuerdas vocales un instrumento en toda la extensión de la palabra, no sólo un vocalista más, sino un compositor que usaba su voz como instrumento para expresar sus más extravagantes ideas, muy al estilo de otros antes que él, como Patty Waters, Yoko Ono o Diamanda Galas, entre otros, el scat salido del jazz, el beatboxing salido del hip hop, los death growls salidos del death metal y los gritos sacados de la opera japonesa, si algo podemos admitir es que Patton además de intensidad ha sabido usar un extravagante sentido de la composición para llevar sus piezas a un nivel bastante extremo a comparación de otros artistas vocales.

Adult Themes for Voice fue creado de manera en verdad austera, micrófonos al servicio de Patton, quien grababa en hoteles durante sus giras con Faith No More, más cercano al llamado “japanoise” que al rock extremo, al heavy metal o al hardcore, ya sea Patton gritando al extremo de sus posibilidades (y poniéndonos los pelos de punta y la piel de gallina a más de uno), imitando animales y todo esto bajo una densa capa de distorsión hacen de este disco una delicia para fans de la música extrema o composición moderna, si bien los amantes de la música de “notación” no encontraran absolutamente nada de interés aquí, me sigue pareciendo sorprendente e interesante los caminos compositivos que toma Patton en este disco, debo confesar que si, en efecto, la primera vez que lo escuché me pareció algo completamente radical, extraño a más no poder, pero conforme uno se va adentrando más y más en las piezas, es obvio la seriedad con que Patton toma su nuevo rol de compositor, su cercanía con otros extremistas de la voz, y lo cercano en espíritu que Patton se encuentra en verdad de gente como Joan La Barbara u otros que como el decidieron hacer de algo tan primitivo como la voz humana misma, un instrumento de vanguardia, capaz de competir y vencer los instrumentos más sofisticados que podamos imaginar, que si son temas adultos? Claro que lo son, y muestran la clara evolución de la adolescencia artista de Patton a su plena etapa adulta como o compositor.

Frank Zappa-Aniversario, Youtube

Nacido un 21 de Diciembre de 1940, el buen Frank, nos llevó el avant garde directo a la avitación, nos hizo conocer a Varese, a Cage y a Stockhausen a los que nos gustaba solamente el rock, llevó la música moderna a los extremos conocidos de musicalidad, espectaculo y atrevimiento, un renegado de primera, impulso a otros "freaks y renegados visionarios" como al Capitán Beefheart, a Alice Cooper y a Wild Man Fischer o a Steve Vai, nos trajo los discos dobles conceptuales, la inteligencia en la música, la sátira, fue altamente progresivo sin ser aburrido, atacó a los Beatles, tocó con Lennon y con Yoko, cuestionó fuertemente la censura a la música, este mundo sería más féliz con más Zappas, por lo menos mucho más interesante.

Lil B-I´m Gay

Desconozco la verdad la sexualidad de Lil B, si es gay o no, no es asunto mío y no creo que sea de nadie más que de el mismo, el disco se titula I´m Gay, pero el titulo hace más alusión al significado literal de la palabra “gay”, algo así como feliz, contento, etc.

Pero que si Lil B nombró así a su disco? Ni más ni menos que es un titulo para revolucionar y poner de cabeza al mundo del hip hop, porque? Porque pocos géneros musicales en este mundo cuentan con una reputación tan fuerte con respecto a la homofobia, de ahí que ya de inicio el título del disco sea suficiente para sacudir a más de uno, pero bueno, el tema principal aquí es la música, y a pesar de un buen título, disco que no respalda con música sus primeras promesas, es para olvidarse.

Quien no conozca a Lil B éntrese, este cuate tuvo un “grupito” hace un par de años y un “sencillo” que se convirtió en una sensación local, su disquera les “botó” ya que poco pudo capitalizar con el grupo, pero Lil B no cejó en su empeño de hacer música, se convirtió, muy a su manera en un fenómeno del Internet, como? Retacando de canciones y videos hechos caseramente las redes sociales, si bien Lil B no es precisamente diestro en el manejo vocal como Nas, o como Chuck D, Lil B es exageradamente prolífico, lo suyo es lo surrealista, y sus letras hablan de sexo, drogas (aunque argumenta no usarlas), vivir la vida de manera despreocupada, sus rimas son poco elaboradas, desordenadas, involuntariamente cómicas o de plano fatales, su música es una broma? Si y no, su obra es prolífica, 10 o 15 discos editados por año, infinidad de videos, pero este año sucedió algo curioso, Lil B metió freno a su velocidad de producción y se concentro en la calidad y no en el volumen, otro punto fascinante aquí es que Lil B poco o nada sabe de música, y sus rimas las monta sobre música que algunos de sus seguidores le hacen llegar, y créanme es increíble la música que algunas veces le hacen llegar, si de por si ya estas referencias lo hacen extraño, imagínense sus rimas a ritmo de música ambient o new age, y esto nos pone frente a todo un fenómeno que se esparce como virus.

Rimas improvisadas, música ambient y una muy baja fidelidad en sus grabaciones le convierten en posiblemente uno de los hip hoppers más inusuales, sin la furia o coraje de muchos de sus contemporáneos, Lil B hace rimas sobre una vida relajada, habla de amor entre sus seguidores, de su adicción al Internet y cosas por el estilo, lo cual nos hace en verdad preguntarnos si es Lil B el encargado en verdad de re escribir las reglas en el hip hop, de finalmente ponerle alto a la homofobia, a la violencia y demás clichés que han vuelto al genero una parodia de lo que en sus inicios era.

Clams Casino, un chico de la otra costa suele mandarle música hecha en la computadora de sus padres (más que agregar a la leyenda) y es precisamente Casino quien hace brillar musicalmente al proyecto de Lil B, aunque ambos jamás se han conocido, se hacen llegar la música por la red, los discos solistas de Casino nos muestran a un músico con una visión muy propia, cercana en ocasiones al pop de ensueño de James Ferraro, al hip hop “rebajado” de Dj Skrew o a la música ambient de The Caretaker, lo cual nos da como resultado un hip hop bastante evolucionado, alucinado y en total oposición a lo que conocemos del genero.

No estamos ante una obra maestra del genero, pero si ante uno de sus principales opositores, alguien con una visión que de de inicio nos puede sonar en extremo bizarra, que aboga por lo espontáneo, lo verdaderamente independiente y por la forma libre, que propone una nueva forma de jugar el juego y que de alguna manera ha encontrado un importante nicho para su música, por el momento disfruten este inusual hip hop de la mano de uno de sus más inusuales personajes.

Joe Morris & Agustí Fernández-Ambrosia

Joe Morris es la crema de la crema respecto a guitarristas de free jazz actuales, sin probablemente algunos le meterán una distorsión estruendosa, probablemente otros hagan cosas más salvajes, pero Morris pareciera conservar su cordura, su intelectualidad, que le permite abarcar igual el jazz más clásico, el más vanguardista, acústico, eléctrico y además ser capaz de ingresar sonidos ajenos al jazz, como la música africana (kora en especial) sin salirse de contexto.

Ambrosia es un disco de Morris a dueto con el español Agustí Fernández, para quien no conozca Agustí les diré que es un pianista de vanguardia, alumno de Iannis Xennakis (si, ese compositor de vanguardia rumano, de padres griegos y naturalizado francés, ni más ni menos, y que solía meterle matemática a su música, mucho antes de esas cosas como el math rock, y que fuera importante influencia en nuestro Julio Estrada Velasco).

Morris ataca estos 6 duetos con Fernández de manera valiente, sin miedo, Fernández tal vez lidere los duetos, Ambrosia #1 abre con rápidas líneas del español, mientras que Morris pareciera irse descubriendo poco a poco, intrincadas líneas de guitarra desplazan poco a poco el piano de Fernández por momentos, Morris pareciera tomar por partes iguales la influencia del genial Derek Bailey (con quien Fernández alguna vez colaboró), aunque a diferencia de Bailey, Morris se contiene un poco, cosa que no sucede en Ambrosia #2, dónde Morris mete por completo el Bailey mode, y usa su guitarra en la mera enseñanza disonante de John Cage, o la velocidad más que humana de un Conlon Nancarrow, a lo que Fernández se suma con un piano preparado (de esos que gustaba Cage, repletos de clips, tornillos y desarmadores).

Para Ambrosia #3, es Fernández el que abre la pieza, con un Morris como sombra tras de él, Morris demostrando que es tan fiero en la guitarra acústica como en la eléctrica, con un estilo elegante y bien pensado, que a veces me ha hecho decir que me recuerda al gran Django Reinhardt, , pero que no le teme a sacar su lado salvaje como lo hacía Bailey, como al final de la pieza en que ninguno de los dos cede territorio y parecieran sacar notas como armas de manera audaz y ágil.

Ambrosia #4 no es free jazz, tampoco es live improv, es una poderosa aplicación de mi tan ya mencionado noise como herramienta de composición, Morris pareciera empuñar más un violoncelo o una viola, (parientes rasposos del violín), más que una guitarra y Fernández…pues Fernández pareciera empuñar un serrucho y usarlo contra su piano, apuesto a que los Wolf Eyes se pondrían tan celoso del ruido que llegan a generar estos dos cuando se lo proponen.

Ambrosia #5 muestra ambos con la cordura recuperada y con intensos y veloces ejercicios, mientras que Morris pareciera crear barrocos ejercicios en su guitarra, Fernández se esfuerza por crear sonidos rápidos más semejante a un instrumentos de percusión, como un xilófono, que a un piano.

El disco cierra con la fabulosa Ambrosia #6, dónde Fernández pareciera descubrir las notas más bajas de su piano, mientras que Morris suena en desenfrenada batalla con las cuerdas y los trastes de su guitarra, para después situarnos en un caos total cuando Fernández comienza a manipular las cuerdas internas de su piano (si señores, los pianos tienen  cuerdas por dentro, Cage disfrutaba cortándolas o raspándolas en ocasiones).

Un disco disfrutable e intenso de principio a fin, para el cual no se requiere ser conocedor del free jazz o del live improv o del jazz para disfrutarse, ya que ambos ejecutantes suenan tan fieros y aguerridos como si esto fuera el mejor punk, hard core o heavy metal que pudieran imaginarse, el que halla pensado que el jazz es aburrido, que se tire a un pozo por favor, aquí esta la prueba que lo desmiente!

John Wiese-Seven of Wands

Hablar de John Wiese es hablar de uno de los más reconocidos innovadores y ejecutantes del noise, cabe mencionar que me molesta hablar del noise como un género y prefiero lo veamos como ya he mencionado antes, como un instrumento de composición, más que como un genero o un estilo, aunque habrá muchos que digan: “yo hago noise”, lo más probable es que hagan pop, rock, música concreta, música electrónica, composición moderna o free jazz, usando el ruido como una herramienta compositiva, así que viendo las cosas desde ese ángulo podemos afirmar que Wiese es uno de los compositores modernos más interesantes y que sin duda en una senda evolutiva que seguirá deleitándonos.

Seven of Wands es uno de sus más recientes trabajos como solista (Wiese es proclive a las colaboraciones), y cabe mencionar que este disco en verdad muestra a Wiese haciendo un uso más cerebral del noise, un disco que pareciera querer presentarse ante nosotros como un collage sonoro, un encuentro brutal en cámara lenta de miles de sonidos que parecieran integrase y desintegrarse de la mano de Wiese, si Wiese finalmente esta pensando en entrar de lleno en la zona de los compositores modernos, Seven Of Wands es un paso seguro en este rumbo y que nos deja claro que su carrera no es mera coincidencia y que si alguna vez se lo considero alejado de cualquier connotación musical, quien pensara así estaba complemente equivocado.

De inicio The New Dark Ages es minimalista, fría y casi atmosférica, llena de pequeños timbres que parecieran revelarse, desdoblarse e ir adquiriendo brillo de manera intensa hasta desaparecer, lo cual para los que han seguido las grabaciones de Wiese pudieran significar algo verdaderamente intrigante, ya que se aleja por mucho de los ataques sónicos a los que puedan estar acostumbrados.

Scorpion Inmovilization Sleeve es rica en sonidos rítmicos aleatorios que parecieran remitirnos a la música concreta más experimental, golpes, caídas, impactos parecieran ser la parte central (muchos de ellos proporcionados por el baterista de los Liars), aunque Wiese no deja de un lado el drone y el feedback que libera a su voluntad para enrarecer la atmósfera y crear un verdadero torbellino de sonidos duros que nos rodean, ahí precisamente es dónde encontramos la magia de Wiese que nos lleva de un sonido a otro, nos rodea por todas direcciones con una diversidad de ellos, nos pone en el epicentro de un movimiento telúrico y nos deja como testigos ciegos del proceso destructivo.

Seven of Wands extrañamente no es un ataque a los oídos, pero si es una especie de Alicia en el País de las Maravillas sónico, dónde las cosas no son lo que parecen, los sonidos se transforman ante nosotros y pareciera que la habitación en dónde nos encontráramos cobrase vida y las cosas empezaran a chocar, agitarse o moverse de un lugar a otro.

Alligator Born In Slow Motion y Burn Out parecieran hacer referencia a sus colaboraciones con los Sunn O))), drone en su máxima expresión y nos hace pensar que junto a Mika Vainio, Wiese es de los que más nos han deleitado últimamente con los drones, quien dijo que el chico sólo sabía hacer ruido? También sabe crear atmósferas oscuras, elevar la tensión y ponernos en suspensión.

Corpse Solo es pura gimnasia estilo Wiese, aunque sin la abrasión continua marca de la casa, más bien se mueve de manera caprichosa y en pequeñas fracciones de tiempo lanza su aguijón, misma situación que se presenta en Dont Move Your Finger, en dónde Wiese comienza a lanzar verdaderos proyectiles sónicos al escucha y deja claro que este no es un “viaje de placer” sino un fuerte e incómodo viaje a través del sonido.

Un trabajo de excelsa madurez por parte de Wiese, si esta es la dirección que tomará a futuro, es requisito estar al pendiente de sus futuros trabajos!

Colin Stetson-New History Warfare Vol. 2: Judges

Alguna vez en otro medio ya había mencionado el tremendo trabajo sónico de Colin Stetson y de cómo junto a gente como John Butcher y Radu Malfatti, estaban cambiando por completo la ejecución de los instrumentos de viento hechos de metal, reinventando las técnicas y rompiendo cualquier esquema conocido, si bien en el pasado nos maravillamos de cómo gente como Albert Ayler, Miles Davis, Ornette Coleman, Peter Brotzmann, Anthony Braxton, entre otros habían creado una nueva dimensión sónica con sus instrumentos, ahora, gracias a la tecnología era posible llegar a nuevos extremos.

El trabajo de Stetson es alucinante, psicodélico, delirante e increíble, el sonido de todo integrándose, y a la vez magnificándose, usando un saxofón bastante bajo (como ese que hemos visto a Anthony Braxton empuñar, por decirlo de alguna manera), Stetson nos trae un poderoso sonido en plan drone para iniciar el disco, cabe mencionar la sensibilidad tan impresionante de los micrófonos usados y colocados estratégicamente para esta grabación, que comparte el crédito de el sonido de Stetson, veamos, está el saxofonista, el bajista, el percusionista y el vocalista, pero que hay de extraordinario en esto? Que no hay tal grupo realmente todo el sonido emana de Stetson, de su cuerpo, caja toráxico, pulmones, garganta y boca en tiempo real.

Stetson usa su instrumento al máximo, usando esos micrófonos de gran sensibilidad para captar el sonido digitando las teclas del saxofón, dando la impresión de estar junto a un percusionista, lo que escuchamos básicamente es Stetson digitando y las teclas haciendo clicks y clicks amplificados, las líneas de bajo son básicamente el fondo del sonido de sus instrumento, mientras que el “vocalista” no es otro que Stetson pasando su voz (y no sólo su aliento) a través del instrumento, impresionante? Si, en exceso, varios micrófonos recogen varias fuentes de sonido al mismo tiempo, uno situado en el instrumento para captar el sonido percutivo de las teclas, y la voz de Stetson, otro en su cuello para captar los bajos y otros a su espalda y frente a él a lo lejos para captar las distintas facetas del sonido.

Judges es pura psicodelía con un trabajo vocal que bien nos pudo traer un Tom Waits que idolatrara a Damo Suzuki, mientras que la línea de bajo no hace otra cosa que hacer girar nuestra mente, al igual que en The Stars In His Head, con su sonido insistente y sus vocales desesperadas, para después romper un poco con la intensada maniática y “darnos un respiro”, lo que suena gracioso y malévolo en un disco de instrumentos de viento no? All The Days ive Missed You es pura introspección, una pieza lenta y bella a la vez, que si bien no es un derroche de técnica, si lo es de emoción, cuando Stetson nos permite disfrutar la melodía en varias partes tocadas al unísono aprovechando la acústica y la colocación de los micrófonos,  From No Part Me Could I Summon a Voice es drama puro, una vez más Stetson haciendo magia con la acústica, esta vez en una pieza con épico sonido Wagneriano, y con esas miles de notas que parecieran evocar un furioso enjambre replicándose una y otra vez.

Que decir de una pieza como Home, que no suena a jazz, sino a música electrónica minimalista, el mismo sentimiento de encontrarnos desarmados para describir o entender la naturaleza y origen de los sonidos que se nos presentan sucede nuevamente, si bien John Butcher nos hizo dudar miles de veces si lo que escuchábamos era de origen electrónico o en verdad un saxofón, Stetson nos aplica la misma disyuntiva, pero agrega la variante de su voz, y de la percusión, haciendo el acertijo más complejo, y difícil de descubrir, y que decir de Red Horse (Judges II) dónde los dedos de Stetson golpean tan fuertemente las teclas que es muy difícil imaginar en realidad que el origen del sonido no sea otra cosa que un tambor, será esto pop, electrónica, free jazz, puro vanguardismo? Tal vez la incursión de las vocales de Lqaurie Anderson nos pueda dar una clara imagen de que es esto en realidad, pop y vanguardismo, tomados de la mano.

Lord I Just Cant Keep From Crying Sometimes es una pieza extraordinaria con una verdadera vocalista y una extravagante mezcla de gospel y blues, que con ese drone generado en el sax podría convertirse en una clara señal de lo que pudiese estar por venir con eso de que los Sunn O))) quieren agregar gospel a su poderoso ya de por si sonido.

Un disco impresionante, que una vez más nos deja claro que no todo esta hecho o dicho en cuanto a música se refiere, que aún hay artistas con una ambición desmedida por lograr nuevas cosas y que mientras hay quienes siguen tradiciones, también hay quien está dispuesto a romper con todo y re inventar lo que conocemos como música.

Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O.-The Ripper At The Heaven's Gates Of Dark

Primero el sonido como de una alarma, después unos desquiciados y poderosos riffs con que inicia este disco acompañados de esas vocales como de banshee nos hacen pensar de inmediato lo siguiente: se trata de un track perdido de Led Zeppelin rescatado del más allá para deleitarnos este fin de año? Acaso Plant, Page, Jones y Bonham grabaron algo que dejaron por ahí perdido? Agréguenle a eso las vocales de alto registro como en los mejores tiempos del buen Robert Plant, quisiera decir que si y como su líder Kawabata Makoto señaló alguna vez, el objetivo principal de los Acid Mothers Temple, su razón de ser es mezclar ese rock tonto y enorme de los 70s, con el que más de uno nos iniciamos con este rollo de la música, con los experimentos electrónicos de vanguardia de compositores como Karlheinz Stockhausen, etcétera, en Chinese Flying Saucer, Makoto y los suyos (destaquemos las vocales de Tsuyama Atsushi) de plano se van de boca con ese rock machacón de los Zeppelin, un sentido homenaje a esa gloria musical de los hard rockeros ingleses, que a más de un  amante del buen rock de los 70s le hará caerse de su silla, Makoto de plano deja salir el guitar hero que lleva dentro con esos riffs contundentes y esos leads desgarradores,

Si dividimos esa primer pieza en dos partes, nos daremos cuenta de las obsesiones de Makoto, quien poco a poco empieza a deformar sus riffs, en sonidos más abstractos y la pieza en general comienza a hundirse en ruido y sonidos electrónicos, como si ambos extremos musicales de los 70s se unieran en una sacrílega ceremonia cósmica, precedida en partes iguales por Stockhausen y por Jimmy Page (de tan sólo imaginarlo dan escalofríos no?), esto sólo sucede en estos discos sorprendentes de los Acid Mothers, con su descarada referencia a los clásicos (Black Sabbath, Pink Floyd, Frank Zappa, Led Zeppelin, King Crimson, Deep Purple) al mismo tiempo que a la música más descabellada (la electrónica de Stockhausen, Cage, Niblock, la música medieval, oriental etc…)

Chakra 24 aborda el folk (que de hecho no nos aleja mucho del rollo Zeppelin (recordarán aquellas desviaciones folkies del zeppelin de plomo…) la voz de Atsushi sigue invocando imágenes del Plant más alucinado y la guitarra de Makoto se planta cercana al Page más folkie, ese que se quitaba el sombrero ante Roy Harper, y hasta incluye el sonido hindú de la sitara, que creo Page no conoció, sólo Brian Jones y George Harrison, si no me equivoco), no sin dejar a un lado ese burbujeante sintetizador omnipresente, que vuelve esto un track que pudo ser grabado por un alucinante Led Zeppelin, por un más extravagante Pink Floyd o por un más trippeado T Rex de los inicios.

Back Door Man Of Ghost Rails Inn me recuerda por momentos a los Zeppelin más místicos, en otros a Pink Floyd (con Barrett poniéndose loco en la guitarra), mientras que las vocales mantienen un cierto shamaninsmo como ese que manejaba Jim Morrison, pero llegando a los extremos que manejaba un “fan” de Morrison como Iggy Pop, otro fan de Morrison, también oriental, Keiji Haino también me viene a la mente durante esta pieza, el alucine en plan fin del mundo que manejaban los Amon Duul (1 y 2) también podría ser otro referente importante aquí.

Un disco más oscuro y cósmico que los anteriores que les he escuchado, las guitarras a diferencia de la primera pieza suenan dispersas, las vocales, esos si, más alucinantes que nunca, un trabajo de bajo y batería inmersos hasta el cuello en la psicodelia de los 70s, como bien lo anuncian en el título del disco, los Pink Floyd (o los Syd Floyd como suelo nombrarlos cuando estaban con Barrett) son un inequívoco referente aquí, esos pasajes de guitarras disonantes que hacia Barrett (que en ocasiones usaba un encendedor o una moneda para conseguir se hacen presentes), que si bien no era un guitarrista técnico, hay que mencionar que era uno muy inventivo y de rebosante creatividad.

Bienvenidos al show de sus sueños en dónde Led Zeppelin es abridor de un épico concierto en dónde Barrett se avienta un jam increíble con los Amon Duul y no se asusten por despertar, ya que lo pueden escuchar una y otra vez, el año empieza a írsenos de las manos, esperemos dejar la menor cantidad de discos sin reseñar posibles de este buen 2011.

Lo Menos Peor del 2011

Y bueno damas y caballeros, se va a el año, se dice mucho para el otro año, las condiciones mundiales y nacionales se presentan catastróficas en un principio, esperemos que salgamos avantes no como pueblo, no como nación, sino como sistema global que somos, que nuestros amigos de Europa resuelvan su dificil situación, que nuestroa amigos de Africa en verdad metal el acelerador en su desarrollo, que nuestros amigos asiáticos no nos lleven de encuentro en su acelerado desarrollo, que los gringhoes aprendan a sobrellevar su nueva realidad de una manera pacífica, buscándo el verdadero bien común y que México en el inter sepa sacar adelante sus problemas de seguridad, sociales, educativos y de gobierno, señores el 2012 se viene emocionante y retador, venga lo mejor (o lo menos peor) del 2011!!!

1.-Lou Reed & Metallica-Lulu
La controversia llama de inmediato, Lou hace uno de sus mejores y más contundentes discos, demuestra una teoría que divulgo desde hace tiempo, que dicta que los mejores discos que hemos visto últimamente los hacen músicos de más de 50 años, genial de principio a fin, dificil de entender pero gratificante al final!

2.-The Beach Boys-The Smile Sessions
Finalmente el proyecto de Brian Wilson y compañía llega a puerto despúes de más de 40 años, el capítulo final del viaje de Wilson llega a su fin, cuantas generaciones soñaron con ver la versión definitiva de uno de los discos más legendarios de la historia y finalmente aqui está en nuestras manos!

3.-Tim Hecker-Ravedeath, 1972
No hubo un gran discos de Ben Frost este año (hubo una colaboración, eso si), pero tenemos un disco enorme de Tim Hecker (casualmente producido por Frost), grabado en una iglesia (que están más de moda que los Morrisound Studios en Florida en la época de gloria del death metal) y sumido en densas y oscuras vibraciones!

4.-Seun Kuti-From Africa With Fury: Rise
El hijo de Fela poniendose a la altura del legado de su padre, de la mano de Brian Eno (olvidense del Brian Eno que produce a Coldplay, este si es Eno!) concentrando la fuerza del afro beat marca Kuti en canciones compactas y poderosas, ya no podemos esperar por lo que siga en este tormentoso y turbado mundo, pero Seun nos dará sin duda un nuevo soundtarck de la turbulencia por venir!

5.-Oneothrix Point Never-Replica
Lopatin más experimental que nunca, por tercer año consecutivo nos trae un disco extraordinario, la evolución de un viejo músico de noise creando algo completamente nuevo dónde comulga el presente y el pasadao, más experimentos arriesgados con sintetizadores y ritmos más esquizofrénicos que nunca!!

6.-Prurient-Bermuda Drain
Otro profeta del noise se desmarca de los clichés del genero, Fernow crea una nueva bestia que ya no sólo se alimenta de la voz de Fernow y sus pedales de distorsión, la bestia ahora se convierte en una atemorizante máquina de ruido!

7.-Skullflower-Fucked On A Pile of Corpses
El regreso de Bower y sus oscuras operas, el drone llevado a su máxima y extrema expresión, que sigue nen la carrera de Bower, probablermente más misas negras y dirigir una tormenta masiva!!!

8.-Oren Ambarchi, Jim ORourke, Keiji Haino-In a Flash Everything Comes Together As One…
Tres genios del avant garde se reunen por segunda vez para darnos una nueva descarga de sonidos extremos, grandes los tres!!!

9.-James Ferraro-Far Virtual Side
Ferraro en verdad está re inventando la música como la conocemos, el Andy Warhol del pop bizarro nos trae música plástica insolente, que pone nuestra lógica de cabeza!!!

10.-Wilco-The Whole Love
Tweedy y compañia de regreso, apoyado por el ruidosísimo Nels Cline, entre otros, el disco más disfrutable de los Wilco desde el clásico Yankee Hotel Foxtrot, así de fácil!!!

11.-Corrupted-Garten Der Unbewusstheit
Más oscuros que la oscuridad misma, más densos que lo más denso que se puedan imaginar, hechiceros en pie de guerra, guerreros místicos y de los músicos más heavies y extraños que puedan encontrar en la actualidad!!!

12.-The Fall-Ersatz G.B.
Mark E Smith no se cansa, será un vampiro? por eso se rodea de músicos jóvenes? es The Fall una máquina poderosa eterna? ya con el disco anterior nos había dejado sin aire, ahora con este nuevamente nos da un golpe muy fuerte que vuelve a dejarnos desconcertados, que grande eres Mark!!!

13.-Laurel Halo–Hour Logic
El término inteligent dance music siempre ha parecido estúpido en verdad, sólo lo puede escuchar gente muy inteligente, está prohibido que los estúpidos lo escuchen? por favor! que gran tontera!, ah pero si esa es la lógica, Laurel crea música bailable de altísimos coeficientes intelectuales!!!

14.-DJ Rashad-Just A Taste
Minimalismo, hip hop, los ritmos más quebrados y disparatados que se puedan imaginar repeticiones a más no poder, el producto de una mente alterada en verdad y esa loca maravilla llamada Footwork, discazo!!!

15.-Cut Hands-Afro Noise 1
Africa y el noise se unen en esta bestia, el pasado y el futuro en plena colisión, bienvenidos al festín dónde el plato principal son tu oídos, Bennett (Whitehouse) se olvida un poco de la neuro programación y se mete de lleno en los rituales de la Africa más oscura!!!

16.-Pete Swanson-Man With Potential
Quien diría que algún día el ex Yellow Swans encontraría una combinación sorprendentemente equilibrada entre el drone y el techno, techno fantasmal? techno para película de David Lynch? Si Lynch alguna vez quisiera ponernos a bailar, ya saben a quien debe consultar primero!!!

17.-Wolves in The Throne Room-Celestial Lineage
Los del norte nos traen una nueva opera ecológica y tenebrosa, black metal bio degradable que se penetra por la tierra hasta la raíz misma del mundo, melodías Wagnerianas a volúmenes extremos, si el mundo algún día se rebela contra nuestros ataques a la naturaleza, este sería el terrible soundtrack!!!

18.-Bill Orcutt-How the Thing Sings
Orcutt y su genial híbrido de las disonancias fantasmales de John Fahey y los experimentos salvajes y atonales de Derek Bailey, el único hombre capaz de liberar semejante furia con una guitarra acústica vuelve a demostrarnos de que es capaz!!!

19.-PJ Harvey-Let England Shake
La Harvey, cada vez mejor compositora, cada vez mejor interprete, su música deja ún lado los excesos y cada vez más nos presente a la compositora femenina más interesante de los últimos años, agreguenle a eso que canta bien, que es buena en el piano y la guitarra y que pareciera la re encarnación de la misma Patti Smith, que se cuide Bjork!!!

20.-Wadada Leo Smith´s Organic-Heart´s Reflections
Este disco fue un verdadero deleite, el reconocido heredero del grande Miles Davis se hace presente una vez más en un disco de épicas dimensiones, Wadada no sólo revive a Miles Davis y su trompeta poderosa, también trae de vuelta ese ensordecedor período del Miles más eléctrico!!!

21.-Los Llamarada-Gone Gone Cold
Banda local que se despide de esta manera tan fascinante como desoladora, como condenado a la silla eléctrica, Los Llamarada crean un disco épico y digno de un verdadero artesano en desgracia, que deja lo mejor de si mismo al borde de su último aliento.

22.-Radiohead-The King Of Limbs
Mi relación con Radiohead es de amor/odio, por un lado es importante recalcar su admiración por bandas de krautrock, techno, dub y rock vanguardista, por otro detesto esa época en que andaban de rockeros alternativos en plan Nirvana, admito que discos como Kid A, Amnesiac o In Rainbows han tenido agradables sorpresas (sobre todo Kid A) cada vez más abundantes, que si en The King Of Limbs me reconcilio con ellos, si y no, me reconcilio con su música, que cada vez se escucha y huele más al krautorck de Can, lo cual me haría imposible odiarles completamente o ignorarles, pero si te gusta Can, que caso tiene escucharles?

23.-Cold Cave-Cherish The Light Years
Fernow como sideman, en un proyecto que revive esos sintetizadores de los ochentas, pero que no vive en la nostalgia, sino en la pura furia destructiva, eso que tanto nos gustaba de bandas como New Order, los Smiths, etcétera pero a bordo de un tanque de guerra!!!

24.-Gang Gang Dance-Eye Contact
Banda de gustos híbridos que igual integra el exotismo de Bjork, los ritmos inquietos del grime, las atmósferas ambient de Eno y las investigaciones étnicas de los Can, agreguenle a esos las increíbles vocales de Lizzy Bougastos!!!

25.-Bjork–Biophilia
Dificil entender el concepto de Bjork sin tener el paquete completo, no sólo un disco, sino un atrevimiento tecnológico, me quedo con la música y con una Bjork que cada vez se siente más segura de su principal instrumento musical: su voz!!!

Cut Hands-Afro Noise 1

Es momento de platicar del que posiblemente sea uno de los grandes discos del año, ya lo había discutido en otros foros, pero sería algo inadmisible no platicarles de él aquí, para los que no sepan, Cut Hands es un proyecto a cargo de William Bennett, si, el mismo William Bennett que nos ha deleitado por décadas con sus trabajos extremos en el grupo de power electronics conocido como Whitehouse.

Y bien si Bennett es ya reconocido por Whitehouse, que de nuevo nos trae ahora con Cut Hands? Todo y nada a la vez, sabemos que Bennett es una persona encarrilada, difícilmente sabremos que Bennett se distraiga de su línea noise, claro tal vez cuando Bennett se mete en la onda italo disco con su proyecto de DJ Bennotti, pero quien lo culparía, después de todo el italo disco es un genero bastante peculiar y entretenido dentro de la música bailable, y que a pesar de lo frívolo que pudiera prestarse a pensar que es, nos ha dado cosas profundas y trascendentales como la música de Giorgio Moroder, por ejemplo, pero no nos distraigamos tanto del tema, Cut Hands, y que es Cut Hands y que nos presenta Bennett en este Afro Noise 1? (vaya título que resume todo).

Afro Noise 1 es una sorpresa total, si bien Bennett no abandona ni un ápice su afinidad por el ruido y los extremos, si nos presenta una nueva faceta de este, la evolución total de un genero/técnica de composición, como gusten definir el noise, que muy probablemente pueda tener su raíz en el poder que ha tomado la música africana en nuestros días, en particular me trae a la mente los poderosos Konono No.1, quienes introducen a la música africana dos vertientes sonoras importantes, uno es el uso de la electrónica primitiva, y el otro el uso (tal vez casual) de distorsión en su música, recordemos que a la banda en particular le gustan los altos volúmenes y el uso de amplificadores destartalados de guitarra (que si bien, obedece más a una situación económica de la banda, pero que estos han sabido convertirlo en un extra de su sonido y no en algo que lo limite lo degrade.), otros referentes los habrá, pero en lo particular me quedo con este.

Bennett hace uso de su alquimia sónica y le suma el sabio uso de poderosas percusiones basadas en ritmos africanos, dando una poderosa y surreal combinación de pasado y futuro, de futurismo y primitivismo, rara vez visto desde el nacimiento del techno en Detroit (con la excepción ya mencionada de los Konono No1 y con sus obvias diferencias), Bennett no cede en l más mínimo su visión caótica y extrema, el volumen, la distorsión y la estática siguen presentes, el espíritu de Whitehouse sigue presente (y como no, si está en la sangre de Bennett) pero la visión adquiere nuevas formas, no pierde foco, por el contrario, se vuelve más compacta, Welcome To The Feast of Trumpets, la breve introducción, suena amenazante, atemorizadora, con esa percusión que obviamente anuncia algo terrible y drones completamente familiares al trabajo de Bennett, Stabbers Conspiracy usa una percusión más florida, más exótica y de densidad masiva, estamos en África cortesía de uno de los artesanos sónicos más extremos y a la vez estamos en el futuro gracias a un sonido manipulado y llevado al extremo mediante el uso de ecos y filtros, Rain Washes Over Chaff es una excursión al África más negra, en medio de la lluvia de las densas selvas, dónde el peligro amenaza a cada segundo, es importante volver a mencionar la omnipresente densidad del sonido, la sensación abrasadora del trabajo de Bennett o de Cut Hands en particular con un sonido que envuelve, que subyuga y que le pone a uno la piel de gallina.

Nzambi la Lufua es puro Whitehouse, ese manejo insolente al que Bennett ya nos tiene acostumbrados se cruza, se materializa y nos hace girar nuestros cerebros, en ocasiones el mensaje es tan poderoso que no requiere el aplastante refuerzo de la percusión, en otras la pura fuerza percutiva se manifiesta, como en Who Knows Go Knows, otras como Backlash pareciera que Bennett nos metiera en un remolino sónico mezcla de magia digital, sonidos envolventes, contundencia africana y porque no algo de asombrosa psicodelia.

El disco poco a poco empieza a irse a los extremos que disfruta William Bennett, Shut Up And Bleed es Cut Hands al extremo, sálvese quien pueda con este Whitehouse más negro o como si los Konono No1 de plano hubieran enloquecido y fueran producidos por Trent Reznor en la casa dónde Manson se despacho a Sharon Tate, mientras que Munkisi Munkondi hace un lado lo africano en favor de los extremos sónicos no tan étnicos, pero no menos brutales, si de por si nos encanta hablar de visionarios incomprendidos que suelen ir décadas adelantados a las modas actuales, William Bennet/Cut Hands nos da una muestra poderosa de cómo se hace con gracia y con contundencia, un disco surrealista, futurista, escalofriante y una apuesta muy segura a ser uno de los discos del año.

REVEH-In My Time Of Dying Youtube

Composición de la casa!

Danzig-Cold Cold Rain Youtube

Temota del buen Glenn Danzig, supuestamente "perdido", pero bueno, al fin encontrado, clara demostración de las capacidades compositivas del muchachote poseído por Morrison y Elvis

Lou Reed-The View (Youtube)

Videito de Lou Reed y el tema The View del disco Lulu, de mis favoritos de este año, finalmente esa visión que ha venido buscándo Lou en discos como Berlin, Blue Mask, Metal Machine Music y The Creation of The Universe y The Raven se cristaliza por completo, nuevamente el maestro Lou muy adelantado a su época.

Dirigido por Darren Aronofsky, si no saben quien es, dense una checada de mente!

Kate Bush-50 Words For Snow

Luego de Director´s Cut un nuevo disco de Kate Bush para este año? Debemos estar soñando, un disco de 7 canciones? Son pocas para el estándar a que nos tiene acostumbrado Kate, pero bueno veamos que tal.

Para el no iniciado en estos tema, pongámosle sobre aviso, Kate Bush es una verdadera anomalía en el ámbito musical, Bush maneja su propio tiempo y espacio y sus discos son rara vez frecuentes, sus giras, impensables, su música a pesar de ser poco comercial en términos musicales, es muy apreciada y vende un buen número de unidades, podemos ver a Bush como una precursora de las carreras poco usuales de gente como Bjork, Tori Amos o en menor grado PJ Harvey, Bush fácilmente podría adjudicarse el mote de “madre de todas ellas”, (con un Scott Walker como posible padre…).

50 Words For Snow, es nuevamente, un reto intelectual y musical de parte de Bush, un disco poco común, en el cual el concepto principal es la nieve (un disco de navidad de Kate Bush! BASTANTE INUSUAL!), al parecer y según los comentarios de la misma mucha nieve se presento durante la concepción de este disco, lo cual inclinó mucho a Kate a crear todo un concepto alrededor de este tema, después de todo, no es la voz de la Bush algo muy parecido a la nieve, etérea, transparente, magnánima, delicada y a la vez frágil, claro!

Snowflake es extrañamente la Bush imaginándose como un copo de nieve cayendo sobre este mundo (parte del trabajo vocal, aquí, llevado por el hijo de la Bush, Bertie), todo esto a ritmo de un parco acompañamiento de piano (a cargo de Kate) y el sonido de sintetizadores como fondo muy tenue, Lake Tahoe es un poco más de lo mismo, aunque en esta ocasión Bush inicia su pirotecnia vocal, con un coro casi a niveles operáticos, y un acompañamiento clásico que aumenta el drama a niveles épicos (con bastante influencia del colega minimalista de Philip Glass, Michael Nyman, que nos hace pensar porque Nico Muhly no considera hacer un disco con la Bush?).

Misty continua un poco la escuela de “cosas extrañas que nos cuenta la Bush”, con una historia de una chica que forma un mono de nieve sólo para intentar hacerle el amor y después ver como este se derrite junto a ella, un relato un tanto frío, arriesgado, triste y absurdo, que habla en términos un tanto acordes al universo de Bush, los arreglos un poco más robustos de piano, bajo y conjunto de cuerdas, son apoyados por un trabajo de batería cercano al jazz que aparece y desaparece (cortesía del gran Steve Gadd, reconocido baterista de jazz y fusión)), la pieza más larga del disco con casi 14 minutos de la hermosa voz de la Bush, y un apacible trabajo jazzistico que en momento va creciendo, sin muchos aspavientos ocasionalmente pero con una calidad que se agradece.

Wild Man denota el clásico sonido de Bush, una mezcla de pop retorcido, gimnasia vocal y arreglos derivados de la música progresiva, todo ello llevado al up tempo a base de los sintetizadores que tanto agradan a la Bush, no entremos muy a detalle de las rarezas de Bush y esta oda al abominable hombre de las nieves conocido como el Yeti y ese enorme coro que golpea como tormenta invernal.

Snowed In At Wheeler Street es Kate Bush en su modo más sexy, acompañada por Sir Elton John, en lo personal una pieza que no hace mucho por mi, luego de Wild Man creo que está, hace que se pierda un poco el ritmo del disco que se iba a incrementando, pero nuestra lógica rara vez funciona en el mundo de Kate Bush, como en 50 Words For Snow, dónde todo suma, guitarras, baterías, bajos, sonidos en “loops”, y las llamadas 50 palabras en infinidad de idiomas que describen la nieve, mencionadas por Stephen Fry y la Bush diciendo cosas como: “Llevas 15… te faltan 40”, ya saben el hermoso mundo bizarro de la Bush por el cual morimos y con el cual gozamos cada rara ocasión que se le ocurre grabar un disco (este año doble festejo ya que nos trajo este y un re trabajo de varias piezas anteriores.)  

Among Angels es el cierre épico de este disco de una magia tan poco común, tan propio de Kate, su propio universo nevado que a diferencia de la nieve pareciera no consumirse de manera tan efímera, Bush ha hecho un señor disco de pop, que no sonará en la radio, cuyos videos serán olvidados, si es que los hay, pero que no demerita en nada su discografía, sino por el contrario, la robustece, y hace crecer la leyenda, con paso firme como cada disco que Kate ha editado, ya tenemos soundtrack para el frío.!

Los Llamarada-Gone Gone Cold

El escalofriante adiós (aparentemente definitivo) de una de las bandas más significativas de Monterrey de los últimos años, si bien Los Llamarada, para el común de la gente de la ciudad no existen o son completamente desconocidos, Los Llamarada serán recordados por haber hecho las cosas a su manera y obtener una repercusión significativa fuera del país, no siempre se podrá ser profeta en tierra propia, y los que lo son a veces es porque vendieron su alma, este no es el caso aquí, si bien, para reseñar el Biophilia de Bjork, de una manera exitosa se requería de un manual y los apps del ipad, y para reseñar el Exquisite Corpse de Mattin se requería de antemano que nos explicaran en que consistía el concepto de la grabación, para poder entender el Gone Gone Cold de Los Llamarada se requeriría pasar unas semanas en Monterrey, y vivir el miedo que se ha sufrido y la decepción tan grande que se ha sufrido al ver una “próspera” ciudad convertirse en un campo de batalla, la paranoia al ver unidades “patrullando” las zonas, cuerpos colgados de puentes peatonales conocer el terrorismo y constantes noticias sobre cuerpos disueltos en acido, Gone Gone Cold es un disco de oscuro, sucio, molesto y brutal, desde la fúnebre portada, el título, el sonido y demás, coherencia de principio a fin para transmitir un mensaje final, un amargo adios.

Inmersos en su característica y poderosa nube densa de feedback y ruido, Los Llamaradas artesanos geniales del lo-fi arrancan con la insistente Bury The Light, acaso una manifestación inconsciente del deseo de cerrar los ojos y dejar de ver tantas cosas malas que han sucedido en la ciudad? Una pieza de garage puro, cacofonía sin concesiones como si Glenn Branca aquel celebre compositor, pieza clave para el surgimiento de la no wave (y podríamos decir padre de los Sonic Youth) se decidiera a hacer una versión libre y propia del Louie Louie de los legendarios Kingsmen.

Hace algunos años (muchos por ciertos) unos amigos solían tener una banda de metal extremo llamada Inmortal (sic) Death, nombre que debo admitir, en su momento me causo mucha risa, ya que el nombre llevaba implícito algo de incongruencia desconocimiento e ignorancia, pero vuelvo a topar con un juego de palabras similar, esto casi dos décadas después, esta vez bajo otro contexto y como nombre de una canción, Death Will Die, y tristemente las cosas hacen sentido, en una ciudad como esta hasta la muerte estaría atemorizada con tanta brutalidad y desprecio por la vida. folk cósmico? folk funebre?, creo que ni los mismos Llamaradas tendrían la respuesta aquí, una pieza fúnebre, un dirge in the dark, de esos que acusaban a los Velvets de tocar hace casi 4 décadas, y después una feroz un ataque de ruido a los sentidos, una feroz conclusión al puro estilo Llamarada con teclados para anunciar el fin del mundo (por lo menos del que conocemos), en verdad estos chicos saben más de lo que aparentan? En realidad están convencidos de una fatalidad que está por llegar?

The Sudden Flesh es puro garage, un sonido característico en la banda, su sonido, informado por un ritmo cercano a esas adaptaciones del krautrock que hacían The Fall o Wire en pleno auge del post punk, y por momento, esas vocales que me recuerdan a la genial Phew con los Aunt Sally o que tal Heaven of Glass, de la cual pudiera decirse que es la pieza principal del disco, una versión fantasmal del blues tocado en alambre de púas que el tejano Jandek suele hacer, esas líneas de guitarra que lastiman, que te hacen pensar en dedos ensangrentados y una armónica espectral que pareciera dar un toque funesto aún mayor a esta marcha oscura.

Gone Gone Cold sobresale por su manufactura totalmente sumergida en el lo-fi, una grabación tan casera, tan gloriosamente hecha en casa, que me pone la piel de gallina pensar lo atemorizados que debieron estar los vecinos de estos chicos durante las grabaciones, el post punk descarado de Tu Diversión (extrañamente la única con titulo en español) con una guitarra poseída y sumamente expresiva, y esas vocales de victima de secuestro atada en la cajuela del auto, que sólo le dan un contexto más fúnebre, o ese sonido tan distorsionado que se precipita y funde las bocinas de Switch Static que nos trae a Los Llamaradas más bestiales, en total punk mode, como pocas veces les habíamos escuchado invocando la furia de una ciudad que busca una salida, la búsqueda de la máxima aceleración para lograr la transformación en pura energía.

El disco termina en dos partes, con la majestuosa All Gods Collapse, una marcha poderosa, que puesta en movimiento pareciera ir convirtiéndose en una bola de nieve, su insistente sonido magnificándose, sus poderosas guitarras rabiosas y finalmente Inside The Fire (en verdad el adiós definitivo?) un blues poderoso hecho con mano firme, la banda que hizo del caos un estilo propio,  finalmente se alza con la victoria en pleno dominio de su sonido, vaya manera de terminar una carrera, el mejor disco de la banda, y la última oportunidad para apreciar una propuesta que no debimos perdernos desde la primera vez que surgió.