Monolake-Ghosts

Me gustan esos ritmos potentes con que abre Ghosts, la pieza inicial y que da nombre al disco más reciente de Monolake aka Robert Henke, Henke o Monolake como quieran llamarle es de esos genios que han llevado a la electrónica a lugares insospechados, la ha hecho amigable y como un virus la ha esparcido por el mundo, Henke esta a cargo de varios desarrollos de software para creación música, entre ellos el afamado Ableton.

Ghosts seguramente mantendrá los pies inquietos de más de un escucha, con sus ritmos techno y sonidos cuasi industriales materializándose de forma sorpresiva, entre voces que susurran palabras incomprensibles, si, precisamente, como fantasmas, pero Monolake no busca ponerte a bailar precisamente, ni sacudirte con un techno duro, por el contrario su música vibra, se vuelve alucinante y es creadora de espacios bastante oscuros e interesantes, por otro lado Toku se acerca un poco a las excursiones de música concreta hechas por el producto inglés Burial, tomando sonidos comunes, y cotidianos y analizándonos con lujo de detalle, mientras un halo espectral los va cubriendo, Toku es enigmática y minima si quieren, pero pareciera un pequeño juego de destreza que resulta difícil de resolver, pero que lo va envolviendo a uno.

Afterglow hace uso de ritmos quebrados y resonancias cuasi metálicas, pero no concreta mucho, pareciera más un interludio y después nos llega el sonido de Hitting The Surface, poseedora de una rítmica impecable, abre con sonidos sintetizados de origen amenazador y después nos impacta con sus ritmos contagiosos, la cinética de Monolake en todo su esplendor cual máquina bien aceitada, dinámica que se repite en Discontinuity, con sus espirales diseñadas para poner a girar el cerebro, Existence Of Time y su feroz rugido anuncia una nueva bomba sónica arrojada por Henke, una de las piezas principales del disco, con sus impactos poderosos de sonido y bajos destructores, capaces de poner a temblar la misma tierra.

Definitivamente Henke trata de proporcionar un equilibrio entre sus piezas más contundentemente dinámicas y otras más atmosféricas, que se acercan peligrosamente al más puro ambient, pero piezas como Phenomenon tienden a romper un tanto con la poderosa inercia lograda de inicio, disculparan la comparación, o el uso bizarro de ejemplos, pero no se si recordaran aquellos primeros discos clásicos de Pantera, en que en las primeras 4 o 5 canciones te subyugaban de manera brutal y la inercia de esa intensidad te acompañaba durante todo el disco, eso es algo que siempre he admirado en el orden en que algunos músicos acomodan sus canciones y consiguen poderosos impactos, caso inverso, siento que Ghosts trata de ser diversos, de mostrar diferentes caras de Monolake, pero esto le resta un poco de intensidad y de continuidad al impacto que se pudiera lograr, Unstable Matter es rica en percusiones y sonidos causales bien tratados, mutados y transformados para lograr interesantes efectos, además de su casi cinemático manejo de la tensión, cosa que se agradece y mucho, pero es hasta Lilith que Henke recupera el aliento y nos sacude con la siguiente marea sónica a más de 140 bpm (o ritmos por minuto, como le quieran llamar).

Me quedo con Foreign Object, que pareciera resumir los momentos más intensos del disco al lado de sus momentos más atmosféricos, brindándonos una poderosa suma de todas las partes que no sólo nos deja claro la genialidad de Henke y el gran nivel de Monolake, Ghosts es un agradecido regreso en forma y un muy disfrutable disco, con ritmos cerebrales que ponen a la mente a bailar, a la vez que mantiene los sentidos alertas en espera de cada uno de los inquietantes ritmos, olvidémonos un poco de que tan grande o poderosa pueda ser la aportación científica de Henke a la música electrónica y concentrémonos en la poderosa aportación musical directa que nos hace con este disfrutable Ghosts

Keith Fullerton Whitman-Generators

Lo primero que me vino a la mente al escuchar la pieza inicial del Generators de Keith Fullerton Whitman, fue precisamente el minimalismo de Eliane Radigue, curiosamente la pieza está en parte nombrada en su honor, Issue Generator (For Eliane Radigue), y es que Radigue, luego de ser alumna del tremendo creador de sonidos Pierre Schaeffer (padre de la música concreta), inició una carrera enfocada a extender los limites y el alcance del minimalismo, razón por demás válida para que Keith Fullerton Whitman dedicara esta pieza, de esencia minimalista a Eliane, Fullerton nos trae Generators, dos piezas grabadas en vivo, sin duda un alto concepto aquí, ya que Fullerton evade el estudio a favor de una grabación en vivo, Fullerton  busca la explosión de los sonidos, su choque contra los objetos y se entusiasma recolectando los resultados, retro alimentándose fuertemente de la experiencia en vivo, Generators había sido ya trabajada anteriormente de diversas formas, presentada en vivo, grabada en estudio y esta vez Fullerton nos la trae en esta grabación en vivo, en dónde la genialidad de Fullerton para esculpir sonidos a través de sus instrumentos, digitales y análogos, y bastante complicados de entender a simple vista, es vasta, atrás ha quedado el abrasivo y alucinante Disingenuity, que se inclinó por el ambient y por el krautrock (la muy celebrada segunda parte del disco ya mencionado)  y ahora tenemos a un KFW sacándole mayor provecho a sus “instrumentos” al grado de adquirir una admirable dosis de melodía y tonos bastante bien definidos y orquestados al proceso.

Para los que no lo conozcan, Keith Fullerton Whitman es un músico estadohundidense dedicado al trabajo con sintetizadores análogos, y equipo digital, generalmente trabajando con equipo bastante complejo, de reacciones inesperadas y enfocándolos a la composición musical, una extraña mezcla de composición moderna, usando técnicas del minimalismo, de la música concreta, e la electrónica alemana y de tecnología, que en mucho empatan las intensiones de Fullerton con la de un antiguo alquimista, buscando mezclar ciencia con magia.

Issue Generator (Eliane Radigue) inicia con un poderoso zumbido o “drone” en plan minimalista (La Monte Young, etc.), que inferimos debe ser generado con bastante dificultad, pero pareciera entretener bastante a KFW, tomando en cuenta lo inestable del equipo con el que suele trabajar, FW pareciera domador de osos, tratando de dar ordenes a su equipo, el cual en ocasiones pareciera rugir como bestia y otras veces pareciera quedar bajo su control total, poco a poco la pieza se va revelando y desentrañándose su verdadera naturaleza, poco a poco los tonos comienzan a mostrarse y a dejar notar una meticulosa elaboración, como si Fullerton hubiese domado a la bestia y poco a poco la obligara a obedecerle, y finalmente cayendo en lo ritualístico con sonidos que claman por una trascendencia vital y después llegar a un intenso e insistente final.

 High Zero Generator arranca con una melodía fragmentada y abstracta y generosas dosis de abrasión, ritmos inconsistentes, como si Fullerton estuviese completamente decidido a mostrarnos en sus obras una estética un tanto esquizofrénica, con piezas muy melódicas, como la primer parte de este disco, llegando a piezas completamente abstractas como esta última, dónde Fullerton, cual domador de leones, pareciera permitir un poco más de libertad a sus bestias, dejándoles que estas le respondan, le tiraran poderosos golpes que Fullerton va esquivando con maestría, poco a poco destellos de “música” van apareciendo, y Fullerton exprime el sonido, lo extrae y lo muestra de forma violenta,  intensas explosiones de sonido se materializan a las ordenes de Fullerton, como poderosas llamas violentas que Fullerton crea para nuestro regocijo, una vez que estas aparecen llega la calma, Fullerton presenta “drones” que llenarían de orgullo a La Monte Young y de nuevo retoma las melodías cristalinas de la primer pieza, completando de esta manera un poderoso ciclo que nos llevó desde los más elemental, a los más complejo, fiero e intenso, dándonos un paseo por el lado salvaje y finalmente anunciando de manera jovial el final del viaje.

Fullerton sigue sorprendiéndonos, rechazando cualquier categorización a su trabajo y poniéndonos en situaciones cada vez más difíciles de poder describir y explicar su trabajo, pero para que complicarnos la vida, explicando la mente de alguien más, mejor dense la oportunidad de darle una escuchada y sentir como Fullerton nos transmite infinidad de sentimientos encontrados a través de su altamente expresiva y abstracta “música”.

Karen Dalton-1966

Vamos por partes ok? Karen Dalton, cantante y guitarrista, de familia Cherokee fue vino de las montañas, llegó a la ciudad de Nueva York a principios de los 60s, llevando consigo un sonido rural a un contexto urbano, ese sonido de desolación y de reflexión, también cósmico hasta cierto punto, que daría pie al llamado movimiento “folk”, que pudiésemos traducir como rupestre, pero que hacia tan especial a alguien como Karen Dalton y a la vez, porque nunca destacó como muchos otros de sus seguidores?, Bueno, Karen poseía una voz única, muy cercana a la frágil voz de la gran Billie Holiday, una voz poco común que en el ambiente pop se encontraba adelantada a su tiempo, Dylan, con su característica voz (con mucha influencia de Dalton) aún no era la gran figura del movimiento, además de su voz, Dalton poseía una habilidad natural con los instrumentos de cuerda., como la guitarra y el banjo, con ejecuciones más elaboradas que el resto de sus contemporáneos, Dalton de carácter difícil y huraño llegó a la naciente escena “folk” del Greenwich Village, Dalton era una persona muy difícil, por lo general inclinada a ejecutar sus piezas en solitario, o solamente para sus amigos, sus presentaciones, legendarias, fueron escasas, pero llenas de cambios frases, ritmos y líneas a placer, inclinada fuertemente a la improvisación, lo que dificultaba encontrar músicos que complementaran su visión, adicional a eso, Dalton se hallaba bastante reacia a los estudios de grabación, por lo que muchas de sus grabaciones tuvo que ser persuadida por productores e ingenieros de sonido para poder realizarse.

Dalton encontró gran apoyo en gente como Bob Dylan y Fred Neil, quienes apenas arrancaban con la escena folk de la ciudad, y que encontraron en Karen una figura a quine seguir, y de quine complementarse, Neil cediendo algunos de sus temas a Dalton y Dylan absorbiendo parte de la mística y ejecución vocal de ella, , Dalton “grabó”, o mejor dicho fue capturada en disco en varias ocasiones, muchas de ellas casuales realmente, ya que Dalton solía acompañar a sus compañeros de escena a sus grabaciones y bajo mucha insistencia accedía a ser grabada, It's So Hard to Tell Who's Going to Love You the Best se editó en 1969, un disco en dónde su áspera voz, a pesar de no ser tan “comercial” mostraba una amplia paleta de sentimientos, mientras que In My Own Time de 1971, la música de Dalton fue arropada por su productor, agregándole arreglos de guitarra, piano, bajos y cuerdas, que dieron un nuevo sentido a la música de Dalton, agregándole más poder a sus ya de por si soberbias interpretaciones de los temas de renombrados compositores folk del momento, resonando titánicamente en temas como Something On Your Mind, favorita de un servidor.

1966 abre con Reason To Believe, tema original de otro favorito de un servidor, el poderoso Tim Hardin, pero Dalton le da una fragilidad inusitada al tema, aún mayor y más estremecedora que la que le pudo dar Hardin en su tiempo, esa voz que duele y que a la vez conmueve, estos temas captados en la privacidad de su hogar, por su alguna vez compañero sentimental Richard Tucker, muestran a una Karen confidente, con su magia en mano, con una Katie Cruel magnífica, enigmática y poderosa, un banjo que pareciera llevarnos a las misteriosas tierras altas de Dalton, una sensación de que la tragedia estaba por venir y de que la Dalton hacia el tema suyo, aceptando su difícil personalidad y usándola como bandera.

Cotton Eyed Joe es un clásico inmortal, con un tratamiento único y especial dado por Dalton a la pieza que hemos escuchado en muchas versiones, pero ninguna tan desgarradora como la de la Dalton, si bien, Billie Holiday nos llevaba a las sombras y a la tragedia a través del jazz, Dalton nos llevaba a esos mismos terrenos desoladores a través del folk y de sus frágil voz.

Si bien artistas como Nico, a través de sus oscuras composiciones o Chet Baker a través de su trágico jazz nos han llevado a conocer dimensiones paralelas en dónde el tiempo pareciera no existir, permítanme agregar un nombre más a esos seres trágicos, si, lo repito trágicos, almas frágiles y atormentadas, interpuestas entre dimensiones, que parecieran aun estar aquí frente a nosotros, como si nunca se hubieran ido, con un sonido y un sentimiento inmortal que vale la pena rescatar y re valorar en cada oportunidad que se nos presente.

REVEH - Ambiente Muerto, Martyrs Of The Modern Era Records 020!

 

Martyrs Of The Modern Age 020

Recorded and Mixed February 2012 At Sunken Fortress

All Music Composed, executed, recorded and mixed by: RV

Instruments used for this recording: guitars

01 Ambiente Muerto

"Pure abstract and mind bending ambient..."

dl: http://www.mediafire.com/?zd72pb6m7jbybqp

Aaron Dilloway-Modern Jester

Aaron Dilloway es un alma inquieta, desde sus inicios en Detroit con los Wolf Eyes, quienes contrario a lo que muchos creían, no eran una mera banda de noise, sino una banda fiera que disfrutaba de colisionar sonidos provenientes del mundo del hardcore punk, del techno, del dub y del free jazz, pero sabemos que los Wolf Eyes era una banda bastante sólida y cuando Dilloway salió, siguieron su camino, Dilloway siguió con su camino, conservando la alta edición de música a través de su sello Hanson Records, cuna de una gran producción de música noise en el vecino país del norte en los últimos 20 años (quien iba pensar que el noise como escena ya estuviera en su tercera década!), Dilloway es uno de esos personajes extraños, que más que músico se considera escultor de sonidos, recorre las calles grabando cuanto sonido llama su atención y después los transforma en su estudio casero, los altera, hace que muten, que se conviertan en algo más, Dilloway viajó a Nepal hace años y sus rondines por las calles y mercados de aquel país se convirtieron en minas de oro de dónde Dilloway extrajo una gran cantidad de sonidos que más adelanta plasmaría en muchas de sus obras.

Modern Jester aparece en el 2012, luego de casi 3 años en el tintero, o debería decir en la mezcladora?, Tremors abre el disco, con un desconcertante sonido que repite nerviosamente, ocultando su naturaleza sin identificarse del todo, Dilloway aplica técnicas similares al sonido, como esas que uso en sus inicios Steve Reich, creando un poderoso halo alrededor del sonido inicial, hinchándolo a través de ecos y distorsión, hasta volverlo algo inmenso, creando una abominación del sonido inicial, como científico que experimenta y ve como su creación se transforma en un monstruo ante sus ojos, por si fuera poco el espíritu inquieto de Dilloway se manifiesta, hace un lado la pieza de jalón y nos adentra en Eight Cut Scars (For Robert Turman) que arranca con un  loop insistente, abstracto e inquietante, que deriva en una maraña de sonidos que parecieran extraídos del celebre Metal Machine Music de Lou Reed, si ese discazo que hizo Reed en los 70s y que le valiera el odio de muchos y el respeto y admiración de muchos otros, Dilloway amaza portentosa dosis de sonido en una maraña casi impenetrable que aturde, inquieta y desorienta por igual, esta pieza en verdad se convierte en una prueba de resistencia, Dilloway buscando trascender la mera escucha, si Eno buscaba que su música desapareciera sutilmente en el ambiente, Dilloway exige la atención, quiere hacerse presente, exige una reacción del escucha, así sea de simpatía o de repudio hacia su creación.

Labyrinths & Jokes pareciera acercarse a la actual “evolución del noise” que gente como Daniel Lopatin, Carlos Giffoni o James Ferraro nos han traído, y Dilloway no parece corto de recursos para dar el brinco, su música en esta pieza transita sin dificultad a nuevos territorios, una pizca de melodía, su singular apego a la repetición, mientras que Body Chaos pareciera querer recordarnos su pasado con los Wolf Eyes, recolectando sonidos, amplificándolos, distorsionándolos y filtrándolos, como buscando darles vida a objetos inanimados a través de efectos, mezclando en ocasiones con cintas aceleradas, que entran y salen de escena, creando una fragmentada mezcla que desconcierta y mantiene el interés.

Look Over Your Shoulder es todo un viaje a través de los mismos intereses de Dilloway, desde el poderoso drone con que inicia la pieza, su uso y abuso de los recursos cacofónicos e hipnóticos de los “loops”, los ritmos “parcos” o minimales, sin duda herencias de su interés por el techno, originado en su natal Detroit, esta sin duda es junto a Body Chaos las piezas centrales del disco, dónde Dilloway verdaderamente esparce su maestría en manipulación de sonidos, con ruido apareciendo y desapreciando de manera inquietante y finalmente el caos sonoro, en una lucha genial que conceptualiza Dilloway uniendo el orden y el caos.

Shatter All Organized Activities (Eat The Rich) pareciera extraído de aquellas salvajes pesadillas sonoras que nos brindaban los Wolf Eyes, con sus descargas abrasivos y ritmos machacantes, capaces de moler los huesos y arrancar la piel, para después absorberlos con un agujero negro gigante y dejarnos en el limbo total por unos segundos, para después pulverizarnos con la descarga final, letal en una sola palabra.

Dilloway cierra el disco con un tema relativamente apacible, After The Showers pareciera ser una pieza casi ambient, pero bañada en distorsión y en ecos, ambient corrosivo, espectros eléctricos bailando a nuestro alrededor.

Dilloway nos trae una obra que tardó en llegar, con piezas que rayan en lo genial y otras que se quedan como meros bosquejos, interesantes eso si, pero que sin duda nos deja la impresión de que Dilloway es capaz de crear obras complejas y emotivas, llevarnos de una inquietante calma a un estado de euforia total.

Corrosion Of Conformity-2012

El sludge nunca ha sido precisamente uno de los géneros preferidos por el público, si claro, han gozado de cierta popularidad en los círculos subterráneos, bandas bastante consolidadas como los Melvins poniendo muy en alto la bandera, aunque difícilmente pudiéramos clasificar de esta manera a los Melvins, estos, extrañamente (como es su costumbre), siempre se han sentido más identificados con bandas sureñas como los Crowbar y Eyehategod, entre otros, bandas como los tejanos Pantera y los otros sureños Down se han encargado de poner en alto el nombre de la escena, que se tambaleó bastante con los sucesos desagradables traídos por el huracán Katrina, desastre que mermó bastante la vida en esta zona, agreguemos un nombre más, tal vez el más interesante de todos estos, y tristemente de los menos recordados, Corrosion Of Conformity, banda formada en los 80s, brillantes agentes de fusión de dos mundos en aquel entonces irreconciliables, el heavy metal y el punk rock, herederos por derecho de aquellos primeros experimentos de bandas como Black Flag, Flipper o los ya mencionados Melvins, que nunca alcanzaron mucho reconocimiento, serían los COC, los primeros en agregar el sabor de su tierra, añadiendo toques de rock sureño a su ya de por si volátil mezcla, la banda crecería en audiencia, poder e influencia hasta alcanzar algo de éxito en los 90s, gracias a gente como Metallica y Pantera que siempre los mencionaron, precisamente serían Metallica los primeros en admitir la influencia de los Corrosion que los llevaron a acercarse al sonido del rock sureño.

Pero hasta los mejores planes suelen salir mal, la banda entro en problemas internos, deshecho a un vocalista que poco había hecho por el sonido de la banda, y después su guitarrista y vocalista principal Pepper Keenan (y probablemente quien más los acercó a ese sonido setentero) dejó la banda para dedicarse a otros proyectos, dejando a la banda, curiosamente con una alineación de trío, misma que le había valido de base para la creación de uno de sus mejores trabajos, el clásico de los 80s Animosity, razón por demás obvia del porque, que la banda haya decidido prescindir de un titulo para este su nuevo disco, una muy apreciada vuelta a sus años de gloria clásica “underground”, cuando la banda sonaba a una sacrílega mezcla de Black Flag, Black Sabbath y Lynyrd Skynyrd!

Psychic Vampire abre el disco con riffs pesados e infernales, más cargados hacia el lado metálico de la banda, para después inclinarse por completo a esos acelerados ritmos hardcore y después regresar a su metal pantanoso, algo curioso sucede con los COC, seguidores de su primer época detestan su discografía más reciente y viceversa, y al parecer los COC, conscientes de esto han decidido inteligentemente buscar la última y mejor fusión de estos estilos que alguna vez dominaron con majestuosidad, y es que precisamente Psychic Vampire refleja precisamente esta lucha de estilos que se empujan uno y otro, la banda dominando esos pasajes oscuros y cósmicos y después acelerándose en marcha desbocada, y por si fuera poco desatando esos riffs con sabor al refrito sur, todo esto ejecutado por verdaderos maestros del genero.

Es curioso que el alguna vez solamente vocalista Mike Dean tome ahora la responsabilidad de las vocales y resulte mejor en su ejecución que todos los anteriores vocalistas de la banda, y también es curioso que ahora Woody Weatherman suene más poderoso ahora que cuando la banda tenía dos guitarras, lo cual no nos deja la menor duda de la experiencia que se cargan estos cuates, River Of Stone se carga un ritmo macizo y compacto, que la banda exprime al máximo, creando un efecto demoledor y después metiendo pasajes lentos que le dan al tema una cierta influencia cósmica, que los acerca un poco a los trabajos clásicos de maestros del doom moderno como los Cathedral.   

Leeches es pura furia hardcore, toda una oda a los primeros años de la banda, quien muestra potencia de sobra para una banda que está entrando en su tercera década y que resulta formidable admirarlos en tan buena forma, Your Tomorrow se alimenta del mismo sonido hardcore, pero agrega generosas dosis de melodía, en gran parte gracias a la ejecución vocal de Weatherman, mientras que The Doom, obviamente se trata de un tema con obvias cercanías a Black Sabbath (demostrando lo hermoso que es inspirarse en bandas como Sabbath sin necesidad de convertirse en una maligna copia carbón de ellos), pero siendo molestados por los Black Flag, recuerdo que Kurt Bobain solía presumir sus influencias de Sabbath y de los Black Flag, bueno Kurt, lamento informarte que nunca sonaste así de poderoso e intenso, ni tantito.

El resto del disco no baja en ningún momento la guardia y temas como What You Despise Is What You´ve Become, Rat City y sobre todo Time Of Trials, son temas tan intensos como épicos, prueba de que la banda en ni ningún momento ha perdido su poder, ni mucho menos su capacidad de sorprender, y que a pesar de que bandas como Metallica (antes del gran Lulu), o Pantera, han mordido el polvo, estos veteranos de mil batallas siguen brillando y sonando tan hambrientos y ambiciosos como en sus mejores años.

REVEH - Tree Of Knowledge, Martyrs Of The Modern Era Records 019!

REVEH

Tree Of Knowldege

Martyrs Of The Modern Age 019

Recorded and Mixed February 2012 At Sunken Fortress

All Music Composed, executed, recorded and mixed by: RV

Instruments used for this recording: synths, guitars, drums, strings

01 Different Kind of Noise

02 A Secret Miracle

03 The Immortals

04 Mirrors & Masks

"In Tree of Knowledge, Reveh gets its head full inmersed in dub and spectralism and their obvious debt to drone music"

dl: http://www.mediafire.com/?c1m021667vyfs8m

REVEH-LOST SOULS, Martyrs Of The Modern Era Records 018!

REVEH

LOST SOULS

Martyrs Of The Modern Age 018

Recorded and Mixed February 2012 At Sunken Fortress

All Music Composed, executed, recorded and mixed by: RV

Instruments used for this recording: synths

01 Lost Souls

02 Blood Drawings

03 Exquisite Corpse

04 Plastic Jesus

"An enigmatic mix of dubstep rhythms, black metal isolationism and electronic abstraction..."

dl: http://www.mediafire.com/?mtgp7wc373l8c0p

Charles Gayle Trio-Streets

Charles Gayle es uno de mis músicos favoritos, saxofonista de ya más de 70 años de edad, Gayle fue uno de los músicos originales del free jazz, de aquellos “dragones” que exhalaban fuego a través de sus instrumentos en la llamada era dorada de la “Fire Music”, Gayle compartió escenarios con Cecil Taylor, con el GRAN Cecil Taylor y con Rashied Ali, quien acompañara en las grabaciones más osadas e intensas a John Coltrane, no por nada muchos vieron en Gayle un seguro sucesor del legado de Coltrane, aunque en espíritu, Gayle poseía más de la actitud rebelde y espiritual de Albert Ayler, que de la música cerebral y progresiva de John Coltrane, la naturaleza solitaria y ermitaña de Gayle le mantuvieron alejado de la “escena”, por ello nunca figuró su nombre entre los grandes, cuando la “escena” desapareció, Gayle siguió su carrera, aunque sin mucho éxito, se dedicó a tocar en las calles, a mal vivir y a vivir en callejones, poco a poco su música experimentó nuevo interés, muchos se preguntaban que habría sido de aquel viejo maestro del free jazz, al grado que fans como Henry Rollins (de los poderosos Black Flag), si, el y Greg Ginn  eran grandes fans del free jazz y de Gayle comenzaron a buscarle y a tratar de integrarlo en esa escena difícil y osada que Rollins y la SST trataban de crear, algo, que aunque no cuajó del todo, trajo a Gayle de regreso y le devolvió la oportunidad de tener una carrera y de vivir dignamente.

Streest es la grabación más reciente de Gayle, el título hace alusión a su personaje de payaso triste, de la broma trágica, de la tragicomedia que es la vida, el alter ego que alguna vez acompaño a Gayle por las calles, y que también adorna la portada del disco, Gayle ya no es el torbellino de furia que solía hacer, pero la edad le ha hecho sabio, prudente, pero no menos habilidoso, su música sigue siendo de una naturaleza inusualmente experimental, el free jazz jamás envejece, se mantiene como una extraña y fascinante energía que igual se alimenta de la experiencia de los viejos ejecutantes como Gayle, a la vez de nueva sangre como la de Jim ORourke, u Oren Ambarchi, y la propuesta de Gayle sigue más vigente que nunca, con una habilidad para resolver, destripar, destruir y reconstruirse durante la ejecución, una capacidad de dialogar con su instrumento y de interactuar con sus acompañantes, una batería sólida y omnipresente, que nunca se está quieta, que “colorea” y acompaña, que da una base y en ocasiones cambia abruptamente la dirección de la música, pero que asume cualquier reto y se pone a la par del respaldo requerido por Gayle, Compassion I arranca de manera dinámica, con intensas y descendentes notas del bajo de Larry Roland, quien proporciona suficiente golpeteo para crear una rica base rítmica, Roland suena fuerte y con gran presencia en la mezcla, a diferencia de otros bajistas no se pierde, posee contundencia y repta de manera versátil sobre su instrumento, dando oportunidad a Gayle de reventar intensamente la pieza, dirigiendo y sugiriendo en todo momento que dirección tomar, en momentos Gayle se pone intenso, Michael TA Thompson en la batería reacciona poniendo mayor potencia en las percusiones, en momentos quedándose al frente y resolviendo con inteligencia, dando un respiro a Gayle, quien cede sólo algunos segundos para volver y seguir el dialogo intenso con su bajista.

Compassion II sigue una línea similar a la anterior, aunque el ritmo es más pausado, Roland golpeando las cuerdas de su bajo que resuena fuertemente, Gayle materializando melodías en el aire, en momentos sentimental, en otros pura furia, variando los tonos y encontrando espacios, en algunos de ellos liberando robustos sonidos y en otras explotando su instrumento al máximo con chirriantes notas agudas, Roland y Thompson son sin duda pivotes imprescindibles en el renacimiento musical de Gayle, sonando tan increíbles en conjunto como en separado, aprovechando cualquier oportunidad cuando Gayle les cede el protagonismo.

Thompson arranca March Of April de manera marcial, para después en compañía de Gayle y de Roland llevarnos por un intenso paseo, los tres mostrándose bastante ágiles en la ejecución, con un Thompson mostrando infinidad de recursos tanto en sus tambores como en sus platillos, aplicando esos “poli ritmos” de los que tanto nos hablaba Rashied Ali, no sólo “llevando el ritmo”, sino llevando una multitud de estos al mismo tiempo, mientras que Roland suena brutal en su instrumento, en pleno dominio de él, y como los viejos maestros del bajo como Mingus, es capaz de retar al mismo Gayle y darle buena batalla en el dialogo musical, o como en Doxology, apoderándose por completo del protagonismo de la pieza, lo cual es de entenderse, dado de la destreza e inteligencia en la ejecución, es obligatorio imaginarse la sonrisa y la felicidad de Gayle escuchando las notas de Roland en el bajo, mientras toma un respiro.

Gayle nos demuestra en Streets que aún le queda vida musical por delante, que posee un fino oído para seleccionar a sus acompañantes y que este viejo y sabio forjador de sonidos de fuego, aun posee mucha furia dentro de si y la inteligencia para crear maravillas sonoras.

Dirty Three-Toward The Low Sun

Dirty Three son una banda australiana, un trío de música instrumental, con cierta inclinación a sonidos fuera de lo común, y que más prueba de ello que Furnace Skies, con enorme ciclos de bajo y órgano, la batería jazzeada e intensa de Jim White, y el violín de Warren Ellis (a quien muchos han de conocer de los Bad Seeds de Nick Cave o de los  Grinderman), free jazz?, no, pero si algo muy cercano o muy inspirado en esos fraseos cíclicos de John Coltrane o de Eric Dolphy, una pieza con mucha movilidad y que Ellis con su violín se encarga de agregar interesantes texturas al tiempo que los órganos comienzan a saturar la pieza.

Sometimes I Forget You´re Gone cambia radicalmente el humor de las cosas, con una plácida clama inicial, un piano y una guitarra que tímidamente hacen trazos mientras que White aún pareciera conservar algo de la furia de la pieza anterior, White energético continúa brindando un poderoso y cruzado ritmo, mientras que el resto de los instrumentos piden calma, una curiosas yuxtaposición instrumental que funciona de alguna manera, y que nos recuerda superficialmente al ensambles de free jazz con piano como los de Cecil Taylor, nuevamente aclarando que aunque en estas dos piezas el free jazz resulta una obvia influencia, Ellis y compañía van por algo más que simplemente revivir memorias de Ayler o Coleman, Moon On the Land se apoya más en un sonido más cercano al folk, con Ellis en el violín y Mick Turner en la guitarra interactúan de manera sabia y pausada, dotando de una belleza inusual la pieza, Ellis brillando con una ejecución impecable y Turner apoyando desde las orillas, mientras que Rising Below pareciera de inició no cuajar, con los músicos más “echados hacia atrás” y finalmente llegando a un choque de sonidos, con un Ellis exigiendo el máximo de su instrumento, con una ejecución que nos recordara los mejores tiempos de Cale y su viola con los Velvet Underground, con un White furioso que en ningún momento se muestra tímido, aporreando sus tambores y un Turner aportando un  luminoso acompañamiento para que Ellis lleve la pieza a un final casi épico.

Rain Song es otra pieza brillante, con la banda empujando fuertemente a la creación de imágenes mentales a través de su música, Ellis al frente de la banda, con un no menos importante dueto de acompañamiento entre la guitarra “campirana” de Turner y Whit en la batería proporcionando el ritmo perfecto para un día lluvioso, es curioso como los Dirty Three nos traen una curiosa mezcla de vanguardismo y música de raíces más tradicionales, recordándome por momentos los que bandas como The Band solían hacer, como si repentinamente nos encontráramos un artefacto de un pasado distinto que no encaja con la historia, como surgido de otra dimensión, y que tal That Was Was, con la distorsión crujiendo de inicio, con un Ellis, excéntrico como siempre, metiéndole ruido a su violín, y un Turner intenso en su guitarra, todo un viaje emocional, que va adquiriendo una furia musical y emocional de altos vuelos, con un Ellis en pleno papel principal, más emotivo que nunca, como si con su instrumento nos relatara una historia, con un Turner que no se queda atrás en una ejecución llena de sentimiento, digno de un aplauso como esta banda sabe hacer “cantar y narrar historias”, literalmente a sus instrumentos.

Aunque el disco había crecido en intensidad, Ashen Snow es como un balde de agua helada, cambia el tono de las piezas y se va por una dirección más atmosférica y minimalista, con un piano tomando la iniciativa, Ellis proporcionando un buen  respaldo y  una batería que arropa, esta vez, tímidamente las acciones, You Greet Her Ghost cierra el disco de una manera abstracta, difícil, con una batería y un violín que empiezan a crear un sonido inquieto, incesante, y los “riffs” de guitarra de Turner, que empiezan a tomar fuerza, con Ellis formando enlaces de sonido a través de su instrumento, pasajes de singular belleza y emotividad, y después White poniéndole músculo al asunto, para terminar un interesante e intenso viaje a través del pasado, en plena interacción con el futuro, el vanguardismo y el primitivismo de la mano en una singular mezcla, Ellis y compañía se han sacado un enorme y bello disco, que crece con cada oportunidad que tenemos de escucharlo.

Napalm Death- Utilitarian

Es hasta cierta forma curioso, que siendo los Napalm Death una de mis bandas favoritas jamás haya escrito acerca de ellos, y es que habiendo vivido plenamente ese estallido de inicial de la Earache y todas esas espectaculares bandas de grindcore, bandas como Carcass, Entombed, Godflesh y los Napalm Death obviamente se volvieron de mis favoritos, por alguna razón, la distribución de estos discos a México fue abundante y no resultaba difícil conseguirlos, y era un gusto escuchar esa música que desafiaba cualquier noción musical antes establecida, y esa singularidad de cada una de las bandas, determinadas a desarrollar su propio nicho musical, pues bien casualmente ND cayo en una suerte de “bache” creativo a finales de los 90s, y fue ahí cuando un servidor arrancó con estos escritos, etcétera, pero bienvenido el nuevo siglo y una nueva beta de creatividad dentro del grupo, luego de varias exploraciones sonoras, el grupo definió y re definió su propuesta, volviéndose más sólidos que nunca, al grado de sobrevivir grandes desastres como problemas legales y el fallecimiento de uno de sus miembros, desde el año 2000 ND ha desatado una de las más furiosas sucesiones de discos dentro de la música extrema.

Si recordamos joyas dentro de la discografía de los ND arrancaban con poderosas “intros”, como en el From Enslavement To Obliteration, y es precisamente este tipo de tratamiento el que se le da a Circumspect, con sus teclados atmosféricos e influencias industriales, esos “riffs” tan pesados, que solíamos decir en plan broma, eran “capaces de matar cucarachas”, y después ese golpe duro y a la cabeza de nombre Errors In The Signals, el sonido clásico del grupo esta presente, intenso trabajo de guitarra y bajo, los “blast beats”  que en un momento introdujo Mick Harris (si el señor Scorn mismo, alguna vez considerado el baterista más veloz del mundo) y que Danny Herrera se ha encargado de perfeccionar, esas vocales desgarradoras y agudas (que también corrían a cargo de Mick en el pasado) que re introdujo Mitch Harris, y obvio, la portentosa y torturada voz de Barney Greenway, a quien en un principio nos opusimos, y que veíamos “inferior” al gran Lee Dorrian, pero que al día de hoy lo vemos enorme, Greenway se ha convertido en la cara del grupo, en su fuerza, en un líder, sin lugar a dudas, papel nada fácil con 4 individuos de tanto bagaje musical.

Utlitarian es un festín de riffs y de ritmos blast, Everyday Pox, es todo un agasajo con sus ritmos de entrada intensos y después esos pasajes densos y lentos, vieja adaptación de los ritmos de metal clásico como solían usarlos Celtic Frost y después un elemento nuevo en la mezcla, el saxofón demoniaco de John Zorn, si muy al estilo del sax que solía meterle a los Naked City, o como el que llegó a tocar con los O.L.D. (que fueron parte también de la Earache por un tiempo), Zorn fue fan de la banda cuando estos iniciaron y en cierta forma gracias a él, la banda gozó de un amplio reconocimiento en los círculos vanguardistas (tal vez una de las razones de la enorme aceptación de la banda es su multitud de facetas, acercándose al avant garde, al metal extremo, al hardcore punk y a la música industrial en partes iguales).

Protection Racket es puro sonido intenso sin tregua alguna, las intrincadas baterías de Herrera que arrancan y se detienen, un enorme Shane Embury manteniendo la tensión todo el tiempo a través de las cuerdas de su bajo, las guitarras de Mitch que aún me sigo preguntando como el sólo pudo tomar el papel de dos guitarristas y seguir sonando tan poderos, y ni que decir de las virulentas voces de Greenway, quien más que un humano pareciera una bestia rabiosa, la voz del pueblo en turbulencia, la voz de los tiempos violentos y convulsionados que vivimos, y es sin lugar a duda este Utilitarian el soundtrack perfecto para toda la turbulencia presente en el mundo actualmente, finalmente las visiones estremecedoras de los Napalm Death se han empatado con los tiempos, dándoles un efecto aún más poderoso, y es que no es difícil que la piel se ponga de gallina con The Wolf I Feed y darnos cuenta que los NAPALM nos había profetizado y advertido de un mundo así, décadas atrás, Greenway y vocales limpias? Una copia de los Fear Factory? Déjenme reír, para los que no lo sepan, fueron los Napalm  Death los que INVENTARON ESE SONIDO, esa sensación de ser impactado de lleno por un objeto carente de misericordia.

Mitch Harris brilla en Quarantined con esos “riffs” remolineando y después acelerándose a mil por hora, dándole aún más turbulencia a una ya de por si híper volátil mezcla, los Napalm Death han hecho un disco tan moderno y tan vigente, con un sonido tan intenso y tan bien logrado, que no queda de otra que agradecer la acertada producción, capaz de detallarnos cada uno de los salvajes ataques del grupo, y esos “coros”, si pudiéramos llamarles así, aunque mantras sería la palabra correcta, que tanto nos repite Greenway hasta quedarse grabados en nuestra mente, sin remedio.

Utilitarian tiene un efecto casi pugilístico, con el grupo más ágil y en mejor condición que nunca, con una ligereza y una flexibilidad portentosa, y un posterior ataque lleno de fuerza, como pocos, capaces de detener el tiempo ante nuestros ojos, como en Fall On Their Swords, Greenway y sus “mantras” que sacuden el cuerpo y paralizan la mente, como esas escenas en “stop motion”, donde todo se congela y después  de vuelta al virulento ataque sónico.

Los años pasan y esta banda de más de tres décadas continúa más poderosa y en mejor forma que nunca, alguna vez una de las bandas más populares de metal extremo en el planeta, no veo razón alguna para que esto no siga sucediendo, Deicide, Cannibal Corpse, Obituary, Carcass, Morbid Angel? Dónde quedaron? Napalm Death no sólo nos sigue brindando muy gratos recuerdos, sino que al día de hoy sigue escriben do la historia de la música extrema, de los primeros grandes discos del año!

The New Age Steppers-Love Forever

Ya saben, primero las presentaciones, Ari Up fue esa peculiar vocalista de finales 70s que encabezó al grupo conocido como The Slits, que se dedicó a fusionar el punk rock con el dub, con más espíritu que habilidad, (ya que no sabían tocar sus instrumentos) las Slits cambiaron el mundo del punk, su primer disco, Cut, fue producido por un auténtico gigante del dub, el señor Dennis Bovell, quien cuentan, se encargaba de afinar los instrumentos del grupo, el primer disco de las Slits también significó un banderazo para las mujeres, abrió la puerta para que tomaran los instrumentos, dejando los requisitos de la técnica, la habilidad o el género de lado, y en particular, si ponen atención se darán cuenta de la ENORME influencia que Ari tuvo, sobre una importantísima figura de la música conocida como Bjork.

Los New Age Steppers fueron principalmente creados por Adrian  Sherwood, figura principal del sello On-U Sound,  entusiasta del dub y del reggae, en cierta forma se identificó con gente como Ari, entre otros para dar impulso a estos géneros en el Reino Unido, Sherwood se convertiría en patriarca del dub inglés, y con su apoyo figuras como Mark Stewart y Bim Sherman lanzarían o re lanzarían sus carreras, en cierta forma, la visión de Sherwood empataría con la de Ari, convirtiéndose los New Age Steppers en una especie de extensión del trabajo de Ari con las Slits.

En el 2008 Ari fue diagnosticada con cáncer, una noticia que impacto a la comunidad dub inglesa, Sherwood, amigo y colaborador de Ari se avocó a trabajar con esta y convertir a Love Forever en una especie de carta de amor-despedida al enorme talento de Up.

Ahora en estrictos términos musicales, Conquer abre el disco con paso firme, con una Up en envidiable forma, coros tribales (tribales en verdad, no la basura que venden como “tribal” actualmente) y la producción estelar de Sherwood, quien nos pone a girar la mente con su manejo del sonido, My Nerves posee toda la fiereza de esa Ari Up con las Slits, su capacidad de sorprendernos con una ejecución nerviosa e intensa, con su ritmo de bajo militante, un  ritmo que nos recordara los mejores tiempos del punk rock estrellándose de frente con el dub, claro, Ari siempre dividió su corazón entre ambos géneros.

Hay piezas flojas, que carecen del impacto del las primeras, Love Me Nights no hace mucho por mi, más cercanas a un desechable pop, que al potente despliegue de las primeras dos, mientras que The Scheisse Song es reggae puro, con sus escatológicas referencias y la magia sónica de Sherwood, Musical Terrorist pareciera querer llevar la producción a otro nivel, con una producción más intensa, que eleva el sonido a un nivel de tensión interesante, sintetizadores aparecen y desaparecen, y Ari libera su magia, a pesar de que su voz ya luce algo desgastada y el titulo deja bien claro las intenciones de Sherwood y de Up, el terrorismo sonoro ante todo.

The Fury Of Ari es puro y delicioso DUB, con esa capacidad de taladrar agujeros en la cabeza, una Ari etérea, alta en las nubes, un piano fantasmal y la magia de Sherwood para hacer vibrar y resonar infinitamente la música, Wounded Animal suena futurista, y dejará claro a más de uno, la “maternidad espiritual” que Ari ejerciera sobre gente como la ya mencionada Bjork, con su punk apoderándose de las pistas de baile, al igual que The Worst To Me, una pieza que en voz de alguien más pudiera ser olvidable, pero que Ari la saca a flote de manera ejemplar, Revelations será agradable para los amantes del reggae más lánguido y espiritual,  mientras que The Last Times, por un lado no convence, y da una nota final un tanto lastimosa a este disco, que aunque desbalanceado tiene sus momentos memorables, un tanto fúnebre esta última pieza, empata con el triste y desagradable final de Up, quien falleciera en el 2010, dejando esta carta de amor-despedida entre dos colaboradores que dedicaron sus vidas a crear lo increíble, a sembrar una semilla que se extendería hasta convertirse en todo un género.

REVEH-A Frozen Sun, Martyrs Of The Modern Era Records 017!

REVEH

A Frozen Sun

Martyrs Of The Modern Age 017

Recorded and Mixed January 2012 At Sunken Fortress

All Music Composed, executed, recorded and mixed by: RV

Instruments used for this recording: synths

01 A Frozen Sun

"Highly original, a monumental recording!"

dl: http://www.mediafire.com/?r4dp5hyexnaxbxn

REVEH- Crushing Violent Head Ambient Mix, Martyrs Of The Modern Era Records 016!

Martyrs Of The Modern Age 016

Recorded Between November 2008-January 2009

Remixed In February 2012 At Sunken Fortress

All Music Composed, executed, recorded and mixed by: RV

Instruments used for this recording: guitar, trumpet, bass & drums

Violent Ambient Was Originally recorded by Headkrush, this is a remixed version by

Reveh

01 The Dream Of The Vampire King

02 The Laws Of The Plague

03 We Will Wait For The Bullets To Come For Us

04 Baby Is A Blue Angel

05 Kneel Before The Totem God

06 To Die Fast One Lonely Night

07 At Least Some Urban Emptiness

"A new, different and unique view, of an already unique recording, reveh at its absolute best!"

dl: http://www.mediafire.com/?42pu1dc39b98x54

REVEH

Crushing Violent Head Ambient Mix

Black To Comm-Earth

Black To Comm es el proyecto alterno de Marc Richter, creador en el año del 2009 de uno de los discos más interesantes que se escucharon, Alphabet, Richter, entre otras cosas, está a la cabeza del sello discográfico independiente Dekorder, sería interesante saber a estas alturas de que manera ha derribado más puertas Richter, si a través de su sello, o a través de su propio trabajo como artista, mi apuesta va a que poco a poco se ha ido convirtiendo en una figura de gran influencia por su propio arte, y en este Earth, su en ocasiones, oscura, abstracta y hasta anónima música, pareciera obtener una identidad más definida, sino, no tan propia.

Earth es el nuevo capítulo en su discografía y esta vez nos topamos nuevamente con sus poderosas incursiones en el mundo del “drone”, creando opresivas y densas capas de sonido que poco a poco se van generando, se van entre tejiendo y se van volviendo más y más densas, las cuales pudiesen fácilmente encajar como música de acompañamiento en una intensa película de terror psicológico, o simplemente ponerse a la par de  terroríficas creaciones musicales como las más recientes (recientes de alguna manera, aunque fue hace más de una década) que nos trajo Scott Walker (el amo y señor de la tensión musical) o más recientemente David Sylvain, esos discos dónde abunda el suspenso, y que parecieran adelantarnos algo terrible por ocurrir, en dónde por momentos se desborda la locura y pareciera que estuviéramos presenciando de alguna manera el resquebrajamiento de la mente sana de alguien, o sus más delirantes sueños.

Stickstoff II es una pieza de esas, dónde todo inicia tímidamente y cual bola de nieve, se va creando un “monstruo” de sonido, las vocales se convierten en un instrumento lastimoso en manos de Richter (con un David Aird aka Vindicatrix ejecutándolas en lo que pareciera ser su más desgarrante actuación), un elemento que da más profundidad y sentido de peligro, acercándose sorprendentemente a esas pesadillas sónicas cortesía de los ya mencionados Walker o Sylvain, con sus “drones”, instrumentos de cuerdas, percusiones casuales y lo que podrían ser grabaciones de campo (si esas llamadas “field recordings”), elementos fundamentales en las grabaciones de música concreta, y que aquí complementa y hacen más poderosa y alucinante la visión, esas vocales como de ultra tumba agregando poderosas dosis de drama a la mezcla.

Water se apoya más en las guitarras y los ecos, creando un sonido cercano al de gente como Loren Connors, alimentando el silencio con delicadas líneas de guitarra, matizando y dándole una mayor profundidad al sonido de las cuerdas, en ocasiones agregándole sutiles dosis de ruido áspero, Richter juega con el silencio, se arropa en el, deja pasar algo de luz y después vuelve a sumergirse en él, como creatura que se arrastra por la orilla, de un lago, pareciera que su muerte esta cerca, pero finalmente logra  sumergirse en el vital liquido y flotar en él.

Thrones, con esos pianos que se decoloran, me trae a la mente de inmediato a The Caretaker, con su añoranza por esos viejos bailes de la pre guerra, esas vocales llenas de nostalgia, que se escuchan a lo lejos, y esa voz que nos ha acompañado durante todo el viaje quejándose, doliéndose, bailes de salón a la antigua, algo así, como si nos metiéramos por un momento al salón principal del Titanic en una de esas fastuosas fiestas y después viéramos como se sumerge todo, quedando sólo el eco, y nuevamente esas vocales, tan llenas de dolor, mitad humanas y mitad animal, como lamentos fantasmales, una experiencia sónica en verdad única, un experimento por parte de Richter muy diferente a Alphabet, pero que definitivamente es material estelar, The Children no nos da nada gratuito, con sus luminosos teclados desvaneciéndose, apareciendo y desapareciendo ante nuestra escucha, como memorias que vienen  y van, una opereta intensa y dolorosa, muy probablemente la pieza central del disco, y después Mirror, que pareciera querer cerrar el disco de una manera amable, esperanzador, casi pastoral, Earth es sin duda un disco único, es nuevo terreno para Richter, quien sin embargo saca adelante tan ambicioso proyecto y le agrega una nueva e interesantísima dimensión a Black To Comm, que si bien, no es una completamente original, si resulta sólida e interesante como pocas.

Lil B-White Flame

Lil B es extremadamente prolífico, uno o dos discos por mes, demasiado para muchos, probablemente llega a hacernos preguntar si el volumen se esté anteponiendo a la calidad de su música, o este esté afectando realmente sus obras, y tal vez si, pero repentinamente en esa lluvia de discos nos encontramos joyitas que nos hacen recapacitar, que nos hace pensar que no es tan malo este “bombardeo” de Lil B, después de todo, se agradece tanta abundancia.

Lil B pareciera convertirse en el más “realista” de los “hip hoppers”, literalmente documentando su vida, cada uno de sus “mixtapes”, una página en un diario personal de una personalidad en realidad “outsider”y poniéndola a disposición del mundo entero, de ahí la exhuberancia y a veces extremada postura confesional de sus letras y su música, y la franqueza también, ya que rara vez se detiene a editar o seleccionar lo que saca a la luz, claro, en algunos momentos fallará, pero como dicen, se toma tantos turnos al “bat”, que sin duda sus oportunidades de batear un “hit” son mayores, poseedor de una habilidad innata para crear mitos, Lil B hace su propio mundo, dentro de su interminable serie de mixtapes editados, se da el lujo de crear una enigmática serie denominadas “flames”, de dónde sale este White Flame, a casi un mes de que editó el enigmático Gold House.

White Flame es un nuevo capítulo en la desbocada carrera de B, quien pareciera no cansarse y estar en plena “erupción creativa”, por otro lado, sigue atacando los “valores” de la vieja guardia del hip hop, yo les llamaría clichés, Tiny Pants, si claro, ya saben B pone sus distancia hacia esas ropas de tamaño grande que fueron característica de los hip hoppers por años, y es que B a tomado una ruta curiosamente similar a la que hace décadas nos brindara Frank Zappa, usando varias armas incendiarias para atacar el status quo del hip hop, la sátira, si, del actual estado del hip hop, ya sea criticándolo o exagerándolo, haciéndolo ver verdaderamente grotesco, temas como el machismo, el sida, la homosexualidad, la misoginia, vistas a través de una enorme lupa que los deja en ridículo, y demás, el absurdo, usando su propio idioma, en ocasiones impenetrable, obvio ataque al “slang” tan usado y abusado dentro del género, la creación de su “crew”, formada por el mismo haciendo diversas voces, y el avant garde, emparentando el hip hop con el ambient, lo cual, definitivamente lo separa del resto del género y lo pone a la cabeza de toa una nueva oleada de músicos de hip hop con experimentos inimaginables hace un par de años.

Por otro lado, B y su música muestran una clara influencia del punk, por lo menos en actitud, y aclaro, porque claro que B no es punk, pero su ejecución es casi amateur, más impulsada por el deseo que por la habilidad, menos limitada y con más imaginación por lo mismo, un deseo de hacer las cosas y tomar riesgos, pero en White Flame, el plan de B toma un poco más de forma, incluye muchos “samples” provenientes del mundo del soul, del funk, lo cual tal vez lo pone en una situación más musical, Neva Switch es nuevamente, una de esas joyas a rescatar dentro de todo el material que edita B, un funk de ensueño con arreglos de cuerda, templete sobre el cual B nos trae su estilo confesional de recitar las letras, mientras que en Im Fabio se hace de esos “hits” o golpes extraídos de programas baratos como el FL, además de una serie de absurdas pronunciaciones sexuales que añade un sentido más de “shock” a la música.

Se rumora desde hace algunos meses la colaboración entre Prince y Lil B, si ya están familiarizados con la obra de B, llegaran a la conclusión de que aunque resulte difícil creer que Prince, colabore con alguien más, el perfil de ambos como artistas marginales y de vanguardia los pone en un rol similar, aunque el mundo de b es el mundo del futuro, en el cual la música es de todos y el dinero queda a un lado, mientras que el de Prince en este sentido es contrario, ya que es bastante celoso de su obra, pero bueno ahí esta Fed Time que se apropia de uno de los temas de Prince, con interesantes resultados y que pareciera arrojar gasolina a esa pequeña llamarada que podría resultar si esta colaboración se materializara.

White Flame es bastante más melódico que sus anteriores producciones, aunque esto no sea una señal de futuras direcciones ha tomar, más bien una de sus muchas desviaciones momentáneas, pero definitivamente este White Flame es menos abstracto que el anterior Gold House, un disco que nos presenta a un B supuestamente deprimido, sampleando a Daft Punk en BasedGd Fucked My Bitches, con unas letras en verdad para morir de risa, menos abstracto, más melódico y más variado que Gold House, se agradece este nuevo material, que nos deja B, para desmenuzar y quedarnos con lo mejor, y reirse un rato con la irónica portada.

Carlos Giffoni-Evidence

Me complace decir que Carlos Giffoni esta de vuelta, si, ese cuate nacido en Venezuela que ha hecho una muy respetable carrera como músico de noise en el vecino país de norte, si, ese cuate que inició como guitarrista en plan noise y que después opto por generadores y osciladores análogos, para luego darse un paseo salvaje por las computadoras, fiablemente se halló de regreso con equipo análogo, adoptando los sintetizadores como su arma predilecta para la batalla, habiendo colaborado alguna vez con gente como Thurston Moore o Jim ORourke, ya nos deja bien claro el calibre de creador que es Giffoni, además de todo esto, organizador de los No Fun Fest, bizarramente exitosos festivales de música noise que en cierta forma sacaron el genero del anonimato y lo llevaron, de manera proporcionada a las masas.

Pues bien, Giffoni en fechas más recientes se ha inclinado fuertemente por la fusión de sonidos provenientes e la escena techno, específicamente de ese sub genero conocido como acid, con esas líneas de sintetizadores burbujeantes y robustos, lo que empezó como un tipo de exploración sonora, ha llevado a Giffoni a adoptar de manera prioritaria ese genero y salir de su anterior pasado noise, no sin abandonar del todo esos ataques sónicos a que nos tenía acostumbrados.

Evidence, su más reciente grabación editada nos resulta sorprendentemente grata, la pieza del mismo nombre, con que abre la grabación, inicia de una manera espectacular, con un intimo piano (en verdad esto es una grabación de Giffoni?), y una línea vocal desoladora, lo cual es inédito en una grabación del buen Carlos, luego de agarrarnos completamente fuera de base, los robustos sintetizadores se hacen presentes, acid techno de primer nivel, cortesía de la colaboración de una chica de alto octanaje, Laurel Halo, de quien ya hemos hablado alguna vez.

Ritmo firme, minimal y mastodóntico, las líneas se estremecen de manera epiléptica frente a nosotros, un sonido palpitante, que es entrelazado con esas vocales que repiten las mismas líneas una y otra vez, las cuales se van distorsionado hasta volverse metálicas y resonantes, para después mostrarnos pequeñas líneas ululantes de sintetizador que añaden una dimensión adicional de melodía.

Un ciclo que abre y cierra y la pieza inicial termina de la misma manera que comenzó, con la voz desolada recitando la misma línea: “it would be so easy to fall in love with you…”, y un grandioso piano que cierra el tema, acaso Giffoni se ha vuelto blando con el tiempo? Bueno, si su cabeza no quedó perforada por la insistencia sónica de la pieza, tal vez quieran reconsiderarlo.

Desire In The Summer nos recibe con poderosos golpes de ruido, y nuevamente el ritmo constante y a veces monótono del tambor de piso tan característico en el techno y esas incursiones de tarola mecánica, difícilmente una pieza para bailar, o tal vez una pieza que no fue diseñada para dar movimiento a los pies, sino al cerebro, las vocales añadiendo nuevamente toda una dimensión diferente, esta vez sobre poniéndose entre ellas, generando ecos y después esas líneas de sintetizador acido, derritiéndonos lentamente el cerebro, muchos se preguntan el porque de la denominación “acid” de este tipo de música, algunos se lo adjudicaran al alucinante efecto que nos pudiera producir, otros al efecto corrosivo del sonido, pero tal vez Giffoni se ha encargado a través de esta nueva grabación de re definir el sentido de lo “acido”, llevándolo al extremo, transformándolo en un viaje mental, la pared de sonido a la que nos tenía acostumbrados sigue presente, nos sigue atacando, pero esta vez se ha vuelto más insistente, más seductora y más detallada, podríamos decir que Giffoni ya no es tan salvaje o primitivo como solía serlo, y efectivamente, se ha vuelto más sofisticado, la violencia sónica a la que nos ha acostumbrado sigue presente, pero ha aprendido a concertar su ataque, lo ha convertido en una arma letal que causa daño, pero que de entrada resulta irresistible.

Swans-We Rose From Your Bed With The Sun In Our Head

Bandas como Throbbing Gristle, King Crimson o los Swans parecieran no morir jamás, si claro, desaparecen por un tiempo, hibernan, parecieran muertas u olvidadas, pero simplemente regresan una y otra vez, son honestas, de alguna manera consiguen que sus proyectos tengan vida infinita, no caducan, evolucionan velozmente y se adaptan a los tiempos, no se van del todo, siempre están latentes y no nos dejan olvidarlos del todo, que mejor que esa honestidad, mejor que esos “planeadísimos” re encuentros de bandas que se “desintegran”, cuando ya nadie les pone atención y “regresan” años después, nada más falso que un regreso, por eso que mejor que hablar de Michael Gira y sus Swans, a quienes Gira puso a dormir una vez que la música en su interior empezó a evolucionar, a llenarse de luz, Gira requirió de un nuevo vehiculo que no pusiera en entre dicho el legado de los Swans, así conocimos a los Angels Of Lights, y más a llá el trabajo solista acústico de Gira, pero tarde o temprano esa chispa, que nunca se apaga del todo volvería a arder, y gracia a eso tuvimos el increíble My Father Will Guide Me Up A Rope To The Sky en el 2010, que definitivamente les coronarían como uno de los grandes sucesos de ese año, Gira de vuelta a los extremos sonoros, al minimalismo brutal y esa explosión de energía y pasión musical que significa ese grupo.

Pues bien han pasado ya dos años de ese disco, y como bien sabemos, Gira suele auto financiarse para crear proyectos más y más ambiciosos, como hizo antes del ya mencionado disco, editando un disco acústico a su nombre, cuyos beneficios económico, aseguraron la libertad artística de su más reciente obra, ahora bien, Gira regresa a la misma estrategia, nos trae un disco hecho con un ínfimo presupuesto, cuyo principal objetivo es recabar fonos para su próxima grabación, cuanta humildad y honestidad de gira, este disco es para reunir dinero, honesto y al grano porque podrá ser un mero objeto de transacción, pero de ninguna manera Gira compromete su integridad, y tampoco el humilde origen del disco compromete su calidad, es un disco que le cuesta poco a Gira, ya que son grabaciones sacadas del baúl de sus recuerdos de las últimas giras, puesto a disposición de sus seguidores, pues que deleite, porque los Swans en vivo sonaron revitalizados, más duros que muchas de las bandas jóvenes que se inspiraron en ellos, y los meses de gira, le dieron aún más fuerza a sus composiciones nuevas, e hicieron interesantes mutaciones de sus temas clásicos.

Ya saben, No Words No Thoughts es de esas piezas hechas “para abrir plaza”, lo hizo en el disco hace 2 años y ahora lo hacen e esta recopilación de temas en vivo, Gira y compañía, maestros del arte del drone liberan el portentoso sonido, comienzan a edificar su “catedral de sonido”, poco a poco la bestia comienza a rugir, y Gira libera ante nuestros ojos a los demonios, y esta pieza, verdadera “obra de artillería”, ruge y chilla como bestia enfurecida, para después ser domada por la voz del mismo Gira.

Beautiful Child es una de esas piezas clásica de los Swans, su sonido “dócil”, de inicio, nos demuestra el grado de “musicalidad” que los Swans llegaron a tener, hoy esta pieza es cosa fácil para ellos, un ritual que tienen ya bien ensayado y un monstruo mecánico que ruge ferozmente, una marcha poderosa, una portentosa ola de decibeles que el grupo libera ante sus seguidores, no es de sorprenderse que Justin K Broadrick de los Godflesh les admirara tanto, no es de sorprenderse que bandas como Napalm Death o Carcass admiraran tanto estos arrebatos sónicos de Gira y compañía, una banda de Nueva York, de la llamada “no wave”, sirviendo para pilar del “grindcore”, si así de increíble es, y en The Apostate, Gira y compañía parecieran jugar con el sonido, forjarlo en sus manos, jugar con él, curiosear con las formas que este llega a tomar, y después liberarlo en una extraña forma que hasta pareciera emparentarse ne momentos con el “dubstep” inglés, ahora los Swans parecieran asemejarse a esos viejos “bluesmen”, cuyas carreras fueron re descubiertas gracias a la primera hola de rock inglés, como nos dimos cuenta de lo grandes que eran John Lee Hooker, Willie Dixon y Howling Wolf, pues bien, para los que apreciamos bandas como Om, Sunn O))) y Earth, tenemos oportunidad de darnos cuenta de lo grandes que eran (y que siguen siendo los Swans) y como sonó la primera vez y con los la original visión de Gira, quien grita “Jesus” como nadie más lo podría hacer en Sex God Sex.

REVEH-The Night Melting Down, Martyrs Of The Modern Era Records 015!

REVEH

The Night Melting Down

Martyrs Of The Modern Age 015

Recorded and Mixed In December 2011 At Sunken Fortress

All Music Composed, executed, recorded and mixed by: RV

Instruments used for this recording: guitar, trumpet, bass & drums

01 The Night Melting Down I

02 The Night Melting Down II

" A dark and dangerous drone recording by Monterrey´s finest, at the top control of his sound world, sounds like the most adventurous Miles Davis is back form the grave..."

dl: http://www.mediafire.com/?di8uhz19d426as6

Burial-Kindred

El misterio hecho música regresa finalmente luego de algunos meses de inactividad, (si tomamos en cuenta que su anterior producción el ep Street Halo se editó en el 2011), Will Bevan, mejor conocido como Burial nos trae un nuevo soundtrack, no sólo para la noche londinense, sino para la NOCHE, en general, y es que en verdad poco actos, muy pocos, nos pueden regresar, por lo menos en la experiencia sónica, esas noches vividas al extremo en la gran ciudad, la que quieran, pero eso sonido nostálgico a algo que se fue y que añoramos pudiese regresar, de alguna manera, cala más hondo, luego de los recientes sucesos en la ciudad natal de un servidor.

Loner es inmediata, Burial adopta un ritmo mecánico, casi motorik, luego de una intro de densos sintetizadores atmosféricos, si Autobahn era para viajar por la carretera, Loner es para manejar por la noche, en solitario por el centro de la ciudad, ruidos, voces, luces, la soledad y la sensación que algo divertido, o algo terrible pueda estar a la vuelta de la esquina se vuelve cada vez más tangible, un ritmo más inmediato y menos “quebrado” que lo que acostumbra recetarnos Burial se presenta, una pieza bailable de principio a fin, para bailarla cuando el fin del mundo, o de la noche este muy cerca, esas líneas de bajo que rugen y que parecieran traernos a la mente imágenes de cielos densos y oscuros, pero que importa, estamos en compañía de Bevan, y esto es más que suficiente, una pieza llena de músculo, si bien Bevan era una especie de artista marcial de los ritmos y el sonido, ahora nos muestra un onkjeto oscuro y poderos, el “batimovil”, si ustedes gustan patrullando las oscuras calles de Ciudad Gótica, Hey! No me resultaría tan descabellado escuchar a Burial como soundtrack de una futura película del Hombre Murciélago! Y es que Loner es más que nunca Bevan re dirigiéndose y re encontrando sus raíces “rave”.

Kindred nos resume al sonido clásico de Burial, densísimos sintetizadores, vocales fantasmales, que aparecen, que no nos dicen nada, pero ahí están, bailando como fantasmas ante nosotros, sonido granular como de vinilo, ya saben, altos conceptos aquí y después ese turbulento ritmo nervioso de percusiones metálicas, “sello de la casa”, aunque esta vez Bevan lo refuerza con poderosas dosis de bajo, recuerdos de noches difíciles de entender en lugares no apropiados me vienen  a la mente, ambientes difíciles, y noches lejos de casa son el constate recuerdo que llega de inmediato, esos bajos distorsionados que parecieran querer reventar las bocinas en momentos, Burial suena nuevamente en control completo de que es lo que quiere y como lo quiere, y después…el ritmo desaparece y se convierte en una mezcla ensordecedora de bajos y voces fantasmas, Burial en su faceta más amenazadora, como merodeador nocturno de las malas calles.

El ep que como es costumbre de Burial, suele dejarnos con ganas de más cierra con la monumental Ashtray Wasp, una pieza en la que ese sample vocal ya usado por Burial y extraído del From Enslavement To Obliteration de los Napalm Death se hace presente otra vez, un ritmo casi Techno, las percusiones maniáticas de Burial y esas vocales fantasmales que dicen: “I Want You, I Used To Belong To Me”, no hacen más que agregar más alcohol en la herida, y esta herida de nombre Kindred cala más y más hondo, llega en el momento justo en que la noche esta herida, en que quisiéramos recuperarla, pero parece más lejana que nunca,, dejándonos solamente ecos, recuerdos y las voces fantasmales que deben merodear aún por las oscuras calles que alguna vez fueron nuestro segundo hogar, que aunque albergaban algún peligro, también estaban llenas de sorpresas, nuevamente Burial nos deja con ganas de más, supuestamente este Kindred y el Street Halo son una suerte de capítulos 1 y 2, de un disco, aunque parecieran parientes distantes, se agradece que aunque brevemente, Burial se materialice de manera más o menos constante, si, te deja con ganas de escuchar más, pero su relativa brevedad te forza a que los escuches dos o tres veces más seguidas.