Beach Boys New Record!

Así es señores, los Beach Boys con Brian Wilson, no imitaciones baratas, están de regreso, así que preparense para volver a escuchar a unas de las mejores voces de la música pop, verdadero pop, no basura desechable.

Extrañaremos a Carl y Dennis, ni modo.

Actress-R.I.P

Si comparáramos el progreso musical de Darren Cunningham aka Actress, desde sus discos Hazyville y el sorpréndete Splazsh, de dos años después, con este nuevo R.I.P, nos daremos cuenta rápidamente del viaje hacia la abstracción suprema, a la cual se dirige Cunningham; desde el título del disco (que curiosamente no lleva punto en la “P” final en el título, pero si en el tema, aquí empieza la ambigüedad del proyecto), y su primer pieza sabemos que Cunningham, cual oruga está entrando en un período de mutación, en el cual su pasado como productor enfocado a las pistas de baile comienza a desaparecer, será que este es su disco final de transición? Y que signifique un nuevo inicio en su carrera, dejando a un lado su pasado techno en búsqueda de algo más, porque curiosamente Ascending me recuerda mucho los experimentos de Keith Fullerton Whitam, quien en un viaje inverso a Cunningham, pareciera ir saliendo de la abstracción hacia piezas más melódicas.

Holy Water me recuerda ese disco de Balaam Acab, Wander Wonder, dónde se hacia gran referencia al agua, para esta ocasión Cunningham pareciera imitar musicalmente sonidos líquidos y nos damos cuenta del nivel de introspección y observación al cual a llegado su música, proporcionándonos un hermoso medio que combina lo experimental, con la posibilidad de lograr algo más reflexivo, algo más propio y personal, que sin duda se aleja de las pistas de baile y se adentra en el interior de nuestra mente, será esté el verdadero significado de la llamada intelligent dance music? Uno de los subgéneros más estúpidamente nombrados, acaso se requiere de una gran inteligencia para escucharla? Marble Plexus es sepulcral, encriptada y de difícil acceso, a pesar de poseer un ritmo más palpable, más físico, con el obvio referente al techno, aún así la referencia principal que cada vez veo más palpable es el muy personal e individualista estilo de un Burial, en este caso Actress se yergue como otro ser que se desmarca de escenas y tendencias para crear una dimensión musical paralela en dónde existir.

Uriel´s Black Harp, aunque se vale del sonido procesado a lo que sería una arpa, suena más a uno de esos experimentos de sonido del ya mencionado Fullerton Whitman, en dónde pareciera que estamos escuchando el sonido de un objeto cayendo a través de varias formas, un sonido que podríamos describir como algorítmico (como suele hacer Flying Lotus), ajeno a un ritmo accesible, aunque hay que puntualizar que muy adentrado en un ritmo y una secuencia muy propia, o Jardin, con ese tímido inicio de piano y texturas granulosas que se va materializando poco a poco, lo increíble aquí es la majestuosa combinación que hace Cunningham de lo musical y el sonido una especie de música concreta, que no abandona del todo los sonidos melódicos, pero que en paralelo les añade esa textura impaciente que crea un contexto fuera de lo común.

Serpent pareciera más un acercamiento a los ritmos “inconclusos” de Zomby, más extrovertido y con un ritmo más abierto, aquí la neblina de la influencia de Burial pareciera disiparse y tenemos a un Cunningham un tanto traicionado por su pasado, Shadows Of Tartarus es tan brutal como desdibujada, la versión de Cunningham de esos ritmos demoledores del buen techno, música de bajos poderosos y cristalinas líneas de melodía, un tema que sólo he escuchado con audífonos pero que debe de sonar formidable a todo volumen, magma sónica convocada por Cunningham.

Tree Of Knowledge es pura frialdad robótica, una máquina en marcha que se mueve lentamente, cuya superficie metálica casi podemos imaginar a través de sonido, en verdad se nota que Cunningham se ha esmerado en este prodigioso entretejido de líneas musicales que avanzan a paso de caracol, dejando residuos de alguna densa sustancia, y en Caves Of Paradise nos encontramos un tratamiento sónico similar, dónde los sonidos parecieran detenerse, irse congelando lentamente, a la vez que nos muestran un soberbio detallado musical, Cunningham deteniendo el tiempo a tal grado que nos permita disfrutar la precisión y dedicación que ha invertido en este disco para consagrarse como un gran diseñador de sonidos y atmósferas.

The Stranglers-Giants

El rollo de los Stranglers (los estranguladores, que nombre tan más cul!) nunca fue el punk, al igual que bandas como Television, los Stranglers ya eran una banda post punk, aún antes del punk, no eran punks, lo fueron para los ignorantes, y siguieron una línea que rápidamente los desmarcó de aquel movimiento, sin duda, con más cosas en común con la dureza del rhythm and blues de los Animals de Eric Burdon, el pop desenfrenado y distorsionado de los Kinks, los poetas borrachos de los Guess Who, o con la apocalíptica poesía de Jim Morrison, o con los Love (que muchos decían debió llamarse Hate, por sus inclinaciones violentas), los Stranglers ya existían antes del punk, tocando su versión dura del rock, añadiendo algunos alucinantes toques de teclados que a veces parecieran situarles en una situación cercana a la de los Van der Graff Generator (que les gustaban a los punks, pero no eran punks), el punto es que el sonido de los Stranglers fue lo suficientemente rudo para resistir y hermanarse con el embate de la música punk y a su vez, lo suficientemente inteligente para desmarcarse rápidamente y señalar nuevos caminos, como hicieron los Wire, los Magazine o los Joy Division.

Ahora bien, los Magazine vuelven a reunirse, los Wire siguen sacando discos constantemente, los The Fall cada año nos sacuden con un disco nuevo, mejor que el anterior (aunque no parezca posible!) y ahora los Stranglers regresan a demostrar que el sonido post punk está más vigente que nunca, Another Camden Afternoon es la introducción instrumental a este nuevo disco de los Stranglers, un tema rescatable pero que pareciera marcar su obvia distancia de todo lo que se pueda llamar punk, con un bajo impecable y guitarras rabiosas e inquietas siempre a la orden, Freedom Is Insane es pura magia Strangler, quienes debieron amar más a Roxy Music que los Ramones, los Stranglers sabían como escribir una bonita melodía y después meterle músculo suficiente para machacarnos el cerebro, Baz Warne suena majestuoso en piezas como Giants (que da nombre al disco), una banda que de alguna manera se las ingenia para recuperar esa magia del pasado, esos teclados alucinantes capaces de movernos fibras internas y esas guitarras como látigos a la orden del día, Lowlands es una clara muestra de ese rock moderno y accesible a la vez que los Stranglers supieron inventar y que después sería adoptado por banditas como los Strokes (aunque con menos de la mitad de talento que estos ingleses), si bien los Stranglers pueden alcanzar la intensidad de los The Fall, estos no caen en el nivel de abrasión de los de Mark E. Smith, en su lugar generosas melodías se materializan vía esos geniales teclados, parte rock tradicional, parte prog, parte art rock.

Boom Boom es épica sin duda, con la voz de Warne acercándose a la de Morrison, muy probablemente así sonaría el llamado Rey Lagarto si continuara vivo y si no hubiese sido más que un ”borrachote” con aspiraciones poéticas, Time Was Once On My Side podría ser fácilmente una actualización del brutal sonido de los Animals de Burdon, con su brillante cadencia y la capacidad de transmitir esa mezcla de nostalgia y vulgar ansiedad que sólo estos cuates saben fusionar.

Un disco de alto nivel, muestra de una banda que precedió al punk y que sabe seguir haciéndose vigente actualizando su sonido y tocando igual de duro que en sus mejores tiempos, se agradece el oscuro experimento realizado en Adios (Tango) acaso la manera de despedirse de la banda?, o sólo un tema más? Y con 15 Steps finalmente cierran el disco con una nota positiva y con un ritmo jovial, la cual enfatizan con puntuales descargas de energía, demostrando que a la par de los The Damned fueron de los mejores músicos dentro del circuito punk de aquellos años.

Happy Birthday Miles!

Así es, si Miles Davis viviera aún, cumpliría años el día de hoy, Miles Davis, genio musical, poseedor de una basta y excelsa discografía, experimentador osado y genial músico, Miles se te extraña.

Uno de mis grandes idolos.

Marilyn Manson-Born Villain

El shock rock debe ser una de las actividades más complicadas para mantener a flote, que haces después del primer susto? Cuando has visto alguna secuela de Viernes 13 o Halloween ya sabes que va a pasar, sabes perfectamente lo que va a suceder, el factor sorpresa se pierde muy, muy pronto.

En un mundo cada vez más unido por las redes sociales, con telefonía celular tan propagada (algo inimaginable hace un par de décadas) y computadoras personales ultra compactas que más nos podría sorprender? Asustar? Si claro, David Bowie y compañía nos sacudieron en los 70s con el Glam rock, que si bien en el reino hundido fue la sensación, en los estamos hundidos de amnésica fue inaceptable tomar a esos maricas ingleses como ídolos (dónde dejaríamos nuestra doble moral?), Alice Cooper?, demasiado extremo para los gustos de muchos que nunca supieron lo que era el teatro guignol de Francia, un tipo con nombre de bruja? Decapitaciones, boas constrictoras? Venga Alice fue famoso por darnos un buen shock, y algo de buen rock (a mi me sigue y me seguirá encantando el Billion Dollar Babies) pero y después? Alguien sabe que fue de él en los 80s? 90s? 00s? (bueno tuvo un pequeño renacimiento con el Trash, en los 90s, pero fue esporádico), en resumen? Lo andrógino ya no asusta a nadie,  razón demás para alguien como Marilyn Manson de adaptar su parodia de Alice Cooper y David Bowie, y llevarla un paso más allá, fue así como Manson se apoyó en el más malvado de los chicos malos, Satanás, para poder despegar su carrera, pero bueno, hasta el demonio deja de asustarnos tarde o temprano (algunos incluso hasta se hacen amigos de él, como decía el buen Jerry García), así que Marilyn revivió algunos viejos trucos de su maestro Bowie y se re inventó en el Mechanical Animals como un ser andrógino, Marilyn, ese chiste ya no espanta a nadie, si, así de cruel es el mundo, y tan lo debe saber Marilyn, quien ya no espanta a nadie (hasta Eugenio Derbez hace parodias de él, imagínense) y nos trae un nuevo disco, del cual se ha valido ahora de Johnny Depp para hacerse publicidad en presentaciones en vivo, pues desde cuando Depp es garantía de que uno hace las cosas correctas (Piratas del Caribe)?

Si claro Hey, Cruel World…es una buena manera de iniciar este Born Villain, aunque definitivamente no nos trae nada nuevo, en primer lugar, y en segundo, como se sigue sintiendo ese hueco que dejó la producción estelar de Trent Reznor en los primeros discos de Manson, buenos riffs que suenan duros, pero que debieron sonar monstruosos para poder crear un buen impacto inicial, aunque para No Reflection reacciona un poco, los ritmos son buenos, pero lo que Marilyn intenta revivir son viejos recuerdos del heavy metal, genero que se ha vuelto en sus vertientes más tradicionales, extremadamente conservador (no olvidemos que bandas como Korn, Fear Factory Static X o los Deftones han hecho cosas bastante interesantes) y ese antiguo tufo industrial que MM (Marilyn, no Marshal Matters) solía tener, esta casi perdido del todo, mientras que Korn le ha apuntado a lo grande con su reciente acercamiento al dubstep made in usa, pudo haber sido un buen movimiento que le hubiera revitalizado a Manson su sonido, pero bueno si Alice Cooper se ha destapado como buen republicano conservador, que podemos esperar de Manson que sólo es un seguidor, basta con escuchar a Marilyn haciendo un cover de Sexy Back de Justin Timberlake…ah no! Pistol Whipped es un tema “original”, perdón.

Temas como Overneath the Path of Misery, Slo-Mo-Tion o The Gardener tienen su encanto, debo reconocer, y probablemente complacerán a los fans que le queden a Manson, pero difícilmente se hará de nuevos seguidores, The Flower Of Evil de plano da sueño y nos hace pensar si la voz (cual?) se le está yendo a Manson, me quedo tal vez con Disengaged por su contundencia, aunque totalmente derivativo sonido, y de plano me tiro al piso para reír un poco con Lay Down Your Godamn Arms, que suena como si Manson se hiciera de amigos como el buen Tony Iommi, más metal conservador para la causa, si Murder Are Getting Prettier Every Day, es un descarado y desesperado intento por recuperar glorias industriales pasadas, se queda en un intento muy minúsculo, una buena idea que obviamente las drogas no dejan a Manson materializar bien, por lo menos en este disco le puedo agradecer a Manson por no echar a perder un temazo como You´re So Vain, (esa tradición Mansoniana de los covers, Sweet Dreams…, Tainted Love, etc..) que aunque no divierte por lo menos entretiene, pero no salva este disco de hundirse en lo genérico, en lo olvidable, en lo conservador, en algo que no suena sobre saliente y que carece del mayor atractivo si lo comparamos con los discos más recientes de gente como Ministry o Korn, según Marilyn Manson los villanos nacen, no se hacen, pero en este caso, su villanía únicamente se deshace…

Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O.-Son Of A Bitches Brew

Para empezar desde que vi la portada salté de gusto, en lo personal los Acid Mothers siempre me han resultado por demás interesantes, para cualquier lado que la loca cabeza de Kawabata Makoto se dirija, y esta vez, mira que meterse con la música de Miles Davis, del gran Miles Davis, no cualquiera, Son Of A Bitches Brew, el tema que da nombre a este disco, arranca con las ya acostumbradas inmersiones en el rollo psicodélico-electrónico de los Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O., aunque esta vez el rollo jazzy se hace más presente que nunca, una lejana trompeta tratada con ecos suena en la mezcla, y somos invadidos por largas dosis de ruido electrónico y de un bajo y un teclado eléctrico que van creando la base principal del tema, poco a poco la batería comienza a hacerse más y más presente, estableciendo un ritmo sobre el cual la trompeta y el teclado nos presentan aquel encanto extendido en homenaje al encanto musical que nos presentaba Davis, suficiente recordatorio para un servidor de la magia de un buen ritmo, un teclado eléctrico inquieto y una buena trompeta que cruce el firmamento, Makoto siempre ha sido inquieto con su música, le gusta sacudir al escucha, que cuando uno se sienta más confiado y confortable, algo nos sacuda y nos mantenga siempre alertas, siempre mezclando lo que podría parecer ordinario con lo extraordinario y en esta ocasión es un “baño” de sonidos electrónicos los que nos mantienen alerta y a la expectativa, y los que casi al final de la pieza toman el papel principal, recordándome mucho a los legendarios Gong (con quienes estos Acid Mothers ya han tocado y grabado)

Helen Buddha; Miss Condom X sigue la misma línea del primer tema, con esa trompeta lejana y llena de ecos que nos recordara esos espíritus errantes que gritaban por la noche anunciando la muerte de alguien, mientras que el teclado se ha vuelto más laxo, esta es una pieza con más espacio, que Makoto y compañía dan oportunidad de respirar y de hincharse poco a poco, en ocasiones liberando un caos hasta cierto punto controlando e invadiendo estas texturas  en plan jazz cósmico con tratamientos abrasivos de sonido.

Fellatioh´s Dance Also Bitch´s Blow posee una singular cadencia, probablemente la más intense de todo el disco, aquí  en lo particular el sonido de la trompeta brilla más y más, el bajo retumba con mayor poder y el teclado se dedica a subrayar cada paso del singular grupo, una pieza tan brillantemente cósmica y alucinante que nos trae de inmediato esas enorme piezas de Davis, Harbie Hancock o Julien Priester en los 70s, que se alejaban del jazz, se convertían en un fenómeno  más allá de lo terrestre y se alzaban a muchos kilómetros de nuestras cabezas, allá en el cosmos.

Water Babies Kill Kill Kill es inquietante, más cósmica que las anteriores gracias a su uso extensivo de sintetizadores, los cuales parecieran imponerse por puro volumen al resto de la instrumentación, la cual en momentos pareciera funcionar en ciclos alrededor del sonido del teclado y las trompetas, un extraño efecto circular como de torbellino sónico nos envuelve, nos transporta y nos lleva directo a otra dimensión, Maroto escribiendo una carta de amor a dos de sus grandes ídolos, Miles Davis y Stockhausen, curiosamente, el mismo Davis (en su etapa eléctrica y más salvaje) era seguidor de Stockhausen y de su música “espacial”, lo cual resulta más grato, ya que este disco nos da oportunidad de ver una generosa mezcla de la música de ambos artistas y de cómo pudo haber sonado un Miles Davis verdaderamente obsesionado con Stockhausen, finalmente ya para terminar esta pieza, pareciéramos escuchar la guitarra cósmica de Makoto metiendo algo de desorden, prendiendo más fuego a la pieza, la cual termina convirtiéndose en un portento de jazz-noise-live improv-cómsico.

Theme Form Violence Jack Johnson es genuinamente un documento de intensidad y violencia, la guitarra de Makoto severamente tratada para sonar monstruosamente abrasiva, mientras el acompañamiento jazzy prevalece, lo que nos pone en una situación privilegiada de poder sentir esa contundencia de ritmos y ser atacados a la vez por descargas sónicas prodigiosas, bendita imaginación japonesa capaz de materializar semejante monstruo musical en la mente del buen Kawabata, quine sigue demostrando que su mejor instrumento es su inmensa imaginación, mira que traernos como pudo haber sonado Miles Davis con una obsesión más acentuada en Stockhausen, no cualquiera.

Willis Earl Beal-Acousmatic Sorcery

Lo primero que notas ante un disco como este es su aparente austeridad, Nepenenoyka es una melodía minúscula que sirve de intro,  a un disco sorprendente que parece provenir de otra dimensión y de otro tiempo, se abre una caja pequeña de Pandora y esto es lo que surge.

Take Me Away nos lleva directo a una muy particular época, a mi en lo personal lo primero que me viene a la mente es la región sur, del vecino país del norte, Willis Earl Beal pareciera un espíritu fugado de las plantaciones algodoneras de la época antes de la segunda guerra mundial, nos hace recordar a Robert Johnson y a las encrucijadas dónde vendió su alma al diablo a cambio de fama, la voz de Willis es un diamante en bruto, poseedora de un sentimiento rebelde, que refleja una historia muy ajena a su presente y ni que decir de la minimalista musicalización que sólo añade un toque más contundente a la pieza, en la cual al final Willis explota por completo, en Cosmic Queries nos topamos con un arreglo primitivo que si bien no es blues y que si bien suena bastante minimal, nos da un claro ejemplo de lo que sería si Steve Reich hubiese nacido en el sur de los Estamos Hundidos de Amnésica, una pieza por demás inquietante y es aquí dónde empezamos a entender este viaje por el cual nos lleva Willis Ear Beal, quien sin llegar a la descarada brutalidad vocal del viejo y recordado Capitán Beefheart ( O a la gran influencia del Capitán: Howlin Wolf), nos trae parte de su vieja alma bluesera psicópata.

Después en Evening´s Kiss, la paleta vocal de Willis cambia, el arreglo sigue minimalista, nos trae recuerdos inmediatos de completos outsiders como el buen Daniel Johnston o Jandek, una melodía nostálgica y arrebatadora que no sonaría nada mal dentro de una de esas cintas turbadoras del buen Harmony Korine, surrealista y nostálgica a la vez.

Si hubiera habido punk en la época de la pre guerra, pre-proto-punk, muy probablemente lo hubieran tocado los amigos de la raza negra, ya que así suena la furia que Willis externa en Ghost Robot, una suerte de tema brutal y furioso que no requiere guitarras distorsionadas o bajos, o la voz quejosa de Johnny Rotten, sino que suena a un sorprendente punk de raíces, punk rural, pura furia primitiva directa del campo, lo más sorpréndete y algo que siempre me enganchó de las grabaciones de un Johnston, o de Jandek se materializa en el trabajo de Earl Beal, y es lo siguiente: cualquiera lo puede hacer!, no hay excusa alguna para no ser compositor, para no expresarnos, basta una guitarra destartalada y golpear cajas, botes y fierros viejos.

Si alguien me dice, Willis Earl Beal estuvo pionero y durante su estancia compuso este disco con los materiales que tuvo a su disposición, sin duda Swing In Low es WEB golpeteando los barrotes de su celda y colgándose de una melodía insistente y muy probablemente volviendo locos a sus compañeros de celda, pequeños toques de gospel se van liberando de la voz de WEB, con esas entonaciones dedicadas a la gracia del señor (el señor que ustedes quieran…)

Lo increíblemente atractivo de este disco es u primitivismo, un disco hecho por un cavernícola en plena era digital, acaso es WEB un viajero del tiempo? Primero nos trae un tema como Bright Cooper Noon que musicalmente podría resultar atractivo a gente como Moondog o Harry Partch, y después nos avienta de cabeza a su versión del blues con Away My Silent Lover, y es que en el universo de WEB cualquier lógica sale sobrando, sale volando por la ventana, que visión y que manera de lograr crear un universo propio, un universo tan inusual y tan amplio a la vez, dónde igual caben los sonidos surrealistas, que los más tradicionales, una visión única de un hombre que parece completamente poseído por un espíritu del pasado, brillante disco, Tom Waits nunca se acercó tanto a este tipo de magia negra.

Death Grips-The Money Store

Me gusta mi hip hop bien extraño y bien pesado, en años anteriores puedo decirles que los Dalek lo ha hecho bastante bien, aunque su producción no es constante, pero un disco de kraut-hop grabado con los Faust es más que suficiente para calificar de inmediato en mi lista de OK y si tomamos en cuenta que Derbe Respect, Alder es un DISCOTE, pues ya sabrán por dónde va la cosa, y al que no le guste, que siga esperando la próxima grabación de Vanilla Ice o de Mc Hammer.

Más recientemente están esos discos sorprendentes que ha hecho Kevin Martin como The Bug, que si bien no son hip hop precisamente toman parte de la energía (como olvidar el poderosísimo Apocalypse 91 de los Public Enemy, un disco en verdad heavy! O esos discos de El-P, avasalladores) y la transporta a un concepto dance hall muy habitual en el reino hundido, que ha terminado mutando en el soberbio dubstep, ni que decir del ya clásico London Zoo, que a pesar de no ser un disco de metal extremo (aunque su creador Martin estuvo con Ice y con God, grupos de metal extremo) ni duda cabe que retumbaba como tal (no se sorprendan si en el futuro nos topamos con alguna colaboración de The Bug y los Death Grips).

El año pasado fuimos todos tomados por sorpresa por los Death Grips, trío de hip hop, electrónica, y algo de dubstep brutal y del fantasmal e insano juke nacido en Chicago, sería difícil, muy difícil definir de manera justa el torbellino sónico que se traen estos tres, Mc Ride, un vocalista salvaje, primitivo, bestial, el típico cuate que no te gustaría toparte en la noche en una calle oscura, un tipo intenso en exceso, que pareciera estar poseído y vomitar demonios en cada sonido que emite, de dónde lo sacaron, la verdad no se, por ahí hay unos videos en Youtube dónde la verdad no se ve tan fiero, pero supongo que algo de stress, cafeína y falta de sueño podría poner a cualquier igual de neurótico, pero quien más está tras estos Death Grips? En disco el combo a cargo de la producción corre a cargo de Andy Morin y de Zach Hill, quienes en vivo se encargan de los teclados y batería respectivamente, tal vez Morin no hará mucho sentido a algunos, pero que tal Hill? Quien añade un toque inusual en este disco, pero que proporciona ritmos originales en exceso, algunos le recordarán con los Hella, Hill no es un baterista, es una máquina de ritmos asesina.

Ahora bien, que hace tan especiales a los Death Grips? Aparte de haber hecho uno de los mejores discos del año pasado, podemos decir que este The Money Store (sorprendentemente grabado con la disquera internacional Epic) si bien no es tan salvajemente brutal como el Exmilitary, presume un sonido exuberante y más variado, este The Money Store podría pasar a la historia como uno de los discos más brutales de la disquera, todo un monumento a la estupidez de los sellos discográficos que creen encontrar una mina de oro dónde no la hay, porque de los Death Grips son increíbles, les puedo asegurar que muchos discos no venderán.

Get Got es un tema que mama la influencia del juke, con esas vocales que se repiten y se entrecruzan, además pudo haber utilizado como colaborador a un Philip Glass o a Steve Reich en drogas, ya que sus motivos electrónicos se repiten y se repiten incesantemente, mientras que Hill proporciona los ritmos más intermitentes y bizarros que uno se pueda imaginar, aquí, Ride suena como una persona con serios problemas mentales, si bien, no precisamente como la bestia brutal que les he descrito, pero para The Fever (Aye Aye), Ride se aliena con la brutalidad de un Waka Flocka Flame, con quien recuerdo haberlo comparado el año pasado, por un lado los motivos luminosos que emiten los teclados de Morin, el torbellino atormentado de ritmos de Hill y Ride que nos guía a través de un intenso laberinto de rimas, Blackjack arranca con un ritmo tribal insano de bajos de piso que me traen a la mente a los Residents, las vocales insanas de Ride que entran y salen, se cortan, se desintegran y vuelven a aparecer ante nosotros, lo que tenemos aquí no es un mero MC que se dedica a rendir sus rimas y ya, no, tenemos a todo un estilista vocal, que si, en ocasiones evoca el hip hop, pero que en fondo su actitud es puro hardcore punk psicótico, un ser enfermo que trasmite una furia descomunal a través del micrófono y con un respaldo de Hill que simplemente suena aplastante y titánico.

I´ve Seen Footage suena a ese hip hop clásico de bandas como Run DMC, pero pasado por fuertes filtros de distorsión que llevan el ataque a niveles despiadados, lo más parecido probablemente a un hit dentro del disco, con un ritmo más accesible y un Mc Ride que se mete en el rollo rítmico de manera gloriosa, mientras que Double Helix mete todo a la licuadora, dubstep, juke, hip hop, con unas vocales mutiladas trozadas e injertadas a diestra y siniestra.

The Money Store carece definitivamente de la coherencia e impacto del Exmilitary, eso es un hecho, es un disco más variado, claro, la banda busca expandirse y no convertirse en una novedad de un disco, eso es un hecho, Morin y Hill expanden el proyecto y sin duda preparan una base poderosa, dos discos están prometidos para este año, The Money Store cumple con creces, se pone al nivel del Exmilitary, aunque no lo supera, pero si nos asegura que hay proyecto y espacio hacia dónde crecer para rato, Ride no sólo es un gorila enojado, también sabe jugar bien de hombre demente, si el primer disco fue un ataque frontal sin mucha meditación, este The Money Store se convierte en una toma mayor de territorio, esta vez bien planeado, por lo pronto el primer golpe ha sido asestado, y de que manera!

Killing Joke-MMXII

Cuando uno escucha Pole Shift (que hace referencia al movimiento catastrófico de los polos terrestres), pieza abridora de MMXII es fácil entender porque esta banda ha sabido trascender y moverse en espacios tan divergentes como el heavy metal y el post punk, una mezcla de la bravura y vitalidad del metal y del arrojo y arrogancia del post punk, por ello Killing Joke es una banda que nos da la clave para muchas cosas, el porque una banda como Fear Factory se podía mover con facilidad del metal al industrial, y como podían manejar esas vocales de lo brutal a lo sublime, aquí en Killing Joke está esa respuesta, el uso de secuencias en este disco es soberbio, como en Rapture, que igual nos aplasta y nos pone a bailar en plan demoledor, Jaz Coleman es probablemente uno de los mejores vocalistas jamás reconocidos, no por nada James Hetfield de Metallica siempre lo ha tenido entre sus favoritos, con una capacidad de subir a las nubes, de sonar denso y ágil a la vez y después convertirse en un monstruo rabioso, todo esto en un mismo tema, lo cual no deja de dejarnos sorprendidos y ni que decir del demoledor final que Paul Fergusson añade al tema.

Colony Collapses posee ese aire militante y a la vez la suma de esos elementos electrónicos que tanto han distinguido a la banda, para lograr un efecto extraordinario, las guitarras de Geordie Walker que se convierten en pura textura cuando se suman a los teclados de Coleman y que en ocasiones simplemente lo rebasan con riffs masivos, de los pocos guitarristas creo yo, capaces de trascender de genero con suma facilidad, ponerse al tu por tu con los guitarristas más pesados y a la vez con los guitarristas más creativos, y ni que decir del apoyo rítmico de Youth, presente en todo momento, y que ha dejado huella de lo que sabe hacer como sideman, sino pregúntenle a Paul MCartney, a quien ha hecho brillar como jovenzuelo en el proyecto The Firemen.

Corporate Elect es puro heavy metal, pieza que arranca de lleno en manos de las guitarras afiladas de Walker y la agilidad rítmica de Fergusson y Youth, un tema intenso de principio a fin, en que la banda se sube al tren de la velocidad y se convierte de masa a energía pura, si en los 80s, Coleman y compañía perdieron los cabales y anunciaron el fin del mundo y se perdieron en las heladas tierras de Islandia para esperar el fin del mundo, esta vez en el 2012, en pleno año del fin del mundo, según los Mayas, los Killing Joke regresan más furiosos que nunca, es esta una señal apocalíptica? Para mi si lo es y más aún ver como la banda camaleonicamente muta al post punk en In Cythera, con una melodía que pondría celosos a los mismos  Joy Division o los Magazine y Primobile se mete aún más profundo en el genero, por momentos acercándose a The Cure.

MMXII Es sin lugar a dudas un disco apocalíptico, anti social y anti muchas cosas, nos quejábamos anteriormente de la poca música turbulenta que ha surgido este año, dónde sólo alcanzamos a ubicar los excelentes discos de Napalm Death o de Mark Stewart, pero ahora tenemos uno más, un soundtrack casi perfectos para los tiempos agitados, Glitch es de lo más brutal del disco, con la banda a tope y Coleman al límite de sus vocales, un tema de músculo y altura, épico, con una guitarra brillante por parte de Walker y un Coleman rabioso a más no poder, una banda que suena más hambrienta y virulenta que muchas bandas con la mitad de vida que han tenido estos Killing Joke, mientras que Trance nos remite a la pista de baile nuevamente con una línea de bajo recalcitrante que Youth nos trae y que forma la espina dorsal de la pieza, para finalmente cerrar este disco monumental con On All Hallow´s Eve, que es una digna conclusión, una última llamada de alerta y a la vez una pieza que pareciera anunciar la llegada de una nueva era, una esperanza al final de estos tiempos de turbulencia, un disco intenso de principio a fin, trabajo de una banda que nunca ha cedido un paso y cuya bandera de intensidad, vitalidad y fuerza continúa sin mancha alguna.

Spiritualized-Sweet Heart Sweet Light

Un disco difícil de reseñar, ya que de entrada requiere de contexto y perspectivas para hacer sentido, ya que por si sólo difícilmente podríamos decir que es algo destacable, Sweet Heart Sweet Light es básicamente rock pastoral, ese que pretende llevar la música a un plano espiritual, y podría tener algo de mérito si y sólo si, artistas como Brian Wilson o Dennis Wilson (este último más de lleno con su Pacific Ocean Blue)  no lo hubieran hecho hace muchos años, o el mismo Ladies and Gentlemen…We Are Floating In Space, que Spiritualized editó en 1997 y que sencillamente podría ser catalogado como el pináculo de este sub genero que busca una trascendencia a través de la mezcla de música y espíritu, pero la verdad a partir de ese disco Jason Pierce parece haber perdido el rumbo por completo (drogas?) y a pesar de mantener un cierto nivel decoroso en sus grabaciones posteriores, continua lejos de repetir aquella hazaña, no así bandas que heredaron e hicieron propio esas mismas inquietudes trascendentales, como The Polyphonic Spree de Tim De Laughter quien editara joyas inmersas en la espiritualidad del gospel, mezcladas con la música masiva de un Phill Spector o un Brian Wilson.

Precisamente la abridora Hey Jane pareciera un refrito de The Polyphonic Spree, si no fuera porque Pierce pudiera alegar a su favor haber influido en De Laughter y compañía, pero Hey Jane es puro rock de redención, pseudo alucinatorio, como escuchar a los Stones jugando a la psicodelia en el Her Satanic Majesty´s Request o Lou Reed y los Velvet mutando a una banda de rock cansada, más no arrepentida (o si?) de sus excesos en el Loaded, o la segunda parte que indudablemente nos remite al primer disco solista de Brian Eno (que tenía tatuado en la piel a los Velvet Underground), un disco que sin duda cobra más y más relevancia con el tiempo, a pesar de que en su época, fue ignorado y tachado de extravagante.

Little Girl podría ser un tema de cualquiera de los dos hermanos Wilson mencionados antes, o de Brian Johnston, el “sustituto” de Wilson, que nos entregara hermosas joyas pop en el Sunflower de los Beach Boys, el mensaje de Pierce es muy sencillo, se duele de sus heridas, el mundo se viene encima de él (ja, ja, ja, no en un sentido sexual), y Pierce busca en su interior la luz al final del túnel, get it on…, dice Pierce y el eco es directo a T Rex y a Marc Bolan, los coros, la dulce melodía y los coros, y como no, si hasta Bolan tuvo sus coqueteos con el Space Rock en el o me van a negar que temas como Cosmic Dancer no se salían del rock tradicional y se cruzaban al alucine total de una manera introspectiva, como hace Pierce.

Too Late es un tema de belleza que se reconoce de inmediato, posiblemente uno de los mejores temas que deja claro lo que Pierce sabe hacer, crear melodías que nos hacen flotar, tal vez el error en este disco es que Pierce pasa demasiado tiempo arrastrando su concepto a ciertas raíces del rock que se vuelen un lastre y le impiden flotar, aquí flota y nos pone en el aire a todos, mientras que Headin For The Top Now parece más un tema de Sonic Youth, o el intro de Sweet Honey de los Beach Boys, uno espera escuchar el sweet sweet, honey bee…en cualquier momento, pero este nunca llega.

Sweet Heart Sweet Light es un buen disco de pop, no me malinterpreten, es un mal disco de Spiritualized, Pierce falló en la ejecución de este? Tal vez, no me cabe ni la menor duda que Wilco puede hacer maravillas con este tipo de música y que tal vez Pierce buscó atar ese tipo de raíces de rock que Tweedy y compañía suelen ejecutar con maestría, pero las raíces y lo etéreo no embonan muy bien aquí, un mal viaje que terminan mandando a nuestra alguna vez estimado “hombre del espacio” a un aterrizaje forzoso del cual no sale muy bien librado, si me preguntan, desde la horrenda portada, Pierce ya había perdido esta batalla.

Tras las "cintas pérdidas..."

Los que sepan la historia de Can sabrán que estos cuates grababan música a diestra y siniestra, por lo que probablemente quedó mucho material aún inédito que ya no tarda en salir!

Cartas a la Wire...

Que cul! pusieron una carta mía en The Wire!

RESISTENCIA VIVA - The Revolution Is Marching In, Martyrs Of The Modern Era Records 022!

 

RESISTENCIA VIVA

The Revolution Is Marching In

Martyrs Of The Modern Age 022

Recorded In March 2011 at Shared Fortress

All music composed, executed, recorded and mixed by: RV

Instruments used for this recording: Keys, drum machines and FX.

01 Revolution Marching In

02 Machine Gun

"The Monterrey Techno Industrial Soldiers Are Back!"

dl: http://www.mediafire.com/?fs6tphx77ql7k83

 

REVEH - Two Sisters, Martyrs Of The Modern Era Records 021!

Martyrs Of The Modern Age 021

Recorded In March 2012 at Shared Fortress

All music composed, executed, recorded and mixed by: RV

Instruments used for this recording: Guitars and FX.

0I Will Always Be Here For You

02 Two Sisters

03 Greatest Gift From God

04 Take Care Of Each Other

05 You Two Belong Together

"A reflective and quiet exercise combining Earth´s acoustic drone and Jandek outsider qualities..."

dl: http://www.mediafire.com/?661hctrvt957zwt

REVEH

Two Sisters

Graham Coxon-A + E

El gran diseñador de este universo es tan generoso que en ocasiones nos proporciona respuestas a manos llenas aún y que no las hemos solicitado, abriéndonos las puertas para la creación de nuevas ideas, y es que el triunfal retorno de Graham Coxon al rock n roll nos abre las puertas a muchas ideas a muchos pensamientos, nuevamente nos trae música para el cerebro, para pensar, alimento para la inteligencia, y es que la verdad The Spinning Top no era precisamente un disco de rock, ya que sus inclinaciones marcadas al folk lo hacían algo más relajado, después de todo Coxon ya había manifestado muchas veces su gusto por la música un tanto más tranquila belleza sónica de los Popol Vuh.

Pero de regreso al A + E, no nos queda otra que maravillarnos ante tantas incógnitas reveladas de un solo golpe, que resulta incluso complicado saber por dónde comenzar, nuevo disco de Blur? Quien lo necesita? Aquí está un disco completo y redondo por parte de Coxon, ex guitarrista del grupo, tan completo y tan lleno de Blur que nos deja pensando, entonces que hacia Damon Albarn a quien muchas veces hemos enarbolado como uno de los grandes post modernistas? Ante este estallido creativo de Coxon , la verdad, Albarn sale volando por la ventana, no hay espacio para él, sale sobrando, que cosas tan increíbles no?

Advice ya de entrada con esas guitarras inflamadas es suficiente para ponernos una sonrosa en el rostro, unas guitarras intensas que sin duda podrían dar una clave a los Devo de cómo deberían actualizar su sonido y traernos un nuevo disco a la altura de aquel legendario debut que les produjera Brian Eno en los legendarios estudios alemanes de Conny Blank y es que vamos, sabemos bien que los Devo no eran krautrockers, pero esa primeriza furia del rock alemán fusionándose con la electrónica estaba bien presente en esas grabaciones, elemento que definitivamente se enlaza con este A+ E, que pareciera revivir ese rock, esos ritmos que se quedan trabados y que terminan hipnotizándonos, que me dicen de City Hall, que va por el mismo rumbo, una versión robótica de esos ritmos como latidos que nos solía trae Moe Tucker con los Velvet Underground traducido a través un ritmo motorik que Coxon nos trae cortesía de una máquina de ritmos, una especie de actualización del krautrock con guitarras que pondrían feliz a Michael Karoli en el cielo de los guitarristas dónde debe encontrarse.

What ´ll Take es sin duda un poderoso recordatorio de por que esos primeros dos discos de solista de Brian Eno deberían de ser considerados como un tesoro nacional en el reino hundido, y es que ese rock nervioso, punzo cortante y disonante envuelto en sintetizadores baratos sigue sonando tan vigente y corrosivo como hace casi 4 décadas, cuando la gente los ignoró y los considero meras excentricidades, aquí esta su excentricidad, viva, latiente, poderosa y vital casi 40 años después de su creación original.

Pensar en temas incluidos aquí como Meet and Drink and Pollinate y The Truth sin duda nos dan una gran esperanza para el momento en que Coxon sume nuevamente este tipo de energía con Albarn en los Blur, sin duda una reunión que sacará chispas, si Albarn consigue llevar consigo la creatividad que ha aplicado a discos de los Gorillaz y sus acercamientos con el afro pop.

Seven Naked Valley me trae a la mente una muy interesante idea, recordarán que en los 70s Phil Collins colaboro varias veces con Brian Eno? Collins tocó la batería en varios discos con Eno y este a su vez produjo el legendario The Lamb Lies Down On Bradway (Enosificando el disco…), en aquel entonces Collins era visto como un genial baterista, aún estaba a un par de años de convertirse en vocalista y a décadas de convertirse en un solista de “pop adulto”, pero un tema como este sin duda anida en mi mente que hubiera pasado si Collins hubiera hecho un disco en los 70s producido por Eno, la idea suena fascinante.

Disco como este que disparan la imaginación en mil sentidos se agradecen infinitamente, Coxon parece estar pasando por una interesantísima etapa creativa, dónde su música hace erupción con una energía creativa altamente contagiosa (como en la genial Running For Your Life), proporcionándonos en el proceso un disco inesperado, y gratamente de un nivel de ejecución y composición muy, muy alto.

Sun Araw, M. Geddes Genras & The Congos-Icon Give Thank

El peregrinaje a la meca del dub es algo casi obligado para muchos músicos ingleses, la poderosa conexión de músicos del reino hundido y Jamaica en base al amor por el reggae y el dub ha estado viva por décadas desde Bob Marley viajará a Inglaterra para presentarse o un John Lydon (ex-Johnny Rotten de los Sex Pistols) embarcándose a Jamaica a buscar nuevos talentos, un Don Letts poniendo discos de reggae a los primeros punks, o grabando el dub de Haile Unlikely junto a los PIL, o Dennis Bovell produciendo el primer disco de las Slits.

Pues bien, un resurgimiento fuerte del dub como máquina de guerra ha estado presentándose últimamente, con discos nuevos de los New Age Steppers, ya saben, el canto de cisne de Ari Up y Adrian Sherwood y después la aparición del explosivo The Politics Of Envy de Mark Stewart, otro entusiasta del dub, y ahora un músico estadohundidense, Cameron Stallone hace su peregrinaje a Jamaica y nos trae su bitácora de viaje, su parte de guerra, su narración musical de su viaje a la tierra santa del dub.

Privilegiado como pocos, Stallones tuvo oportunidad de grabar con The Congos, músicos legendarios de la era dorada del dub, y a quienes la también leyenda del dub, Lee “Scratch” Perry les produjera un disco ENORME, The Hearts Of The Congo, pues bien la leyenda sin tiempo de los The Congos se impacta de frente con uno de los músicos más interesantes de los últimos años, Cameron Stallones aka Sun Araw, y si bien, pudiéramos decir que Sun Araw no es precisamente un proyecto dub, el dub es uno de sus motores principales, junto a la psicodelía, el funk, la libre improvisación y demás corrientes alternas, este Icon Give Thank, es precisamente algo más que sólo dub, es la inmersión completa de Sun Araw y de su extraña mezcla con estos músicos de Jamaica y el productor M Geddes Genras.

Icon Give Thank es música de inmersión, el equivalente a sumergirnos por completo en una piscina y escuchar el mundo a través del filtro líquido, que si bien, The Congos conocen este ambiente enrarecido (precisamente la producción de Lee Perry en el The Heart Of The Congos parecía sumergir al grupo bajo el agua), M Geddes y Sun Araw sumergen a los The Congos en un denso liquido psicodélico, que si bien no es precisamente agua cristalina, sus efectos distorsionan y amplifican el sonido de estas tres leyendas de Jamaica, a grados casi de pesadilla, New Binghi sumerge a los músicos en una densa capa de sonidos, que saturan por completo la grabación, como enormes nubes de colores desquiciantes, al fondo podemos percibir a los The Congos y a sus vocales, asomarse, como sol a través de las nubes, pero nuevamente el pesos de la abrumante producción se impone, los hunde, para muchos un sacrilegio, pero es parte del concepto.

Happy Song lleva una poderosa percusión y los ya conocidos ecos dub, con guitarras que resuenan hasta el infinito, hasta aquí un tema que no nos resultaría nada extraño en una grabación de Sun Araw, pero es aquí precisamente dónde nace la magia del disco, y esas vocales celestiales que Perry metiera bajo agua hacen su aparición, y los The Congos brillan intensamente, y la magia de antaño se vuelve a materializar, claro, muchos “amantes” del reggae dub seguramente saldrán corriendo, porque esto no es Bob Marley, pero para los que si pusieron atención e interés y buscaron algo más allá del Marley comercial que nos han recetado, y pudieron encontrarse alguna vez con el fabuloso disco de los The Congos, saltarán de su lugares maravillados de encontrarse nuevamente ante esas prodigiosas vocales que parecieran brillar con luz propia con el sol, un barco poderosamente espiritual que ni la pesada producción de M Geddes o de Stallones puede hundir.

Food Clothing and Shelter es el sonido de muchas cosas sucediendo a la vez, el presente y el futuro ante poniéndose alternamente uno y otro, por un lado las multidimensionales vocales de los The Congos, por otro lado la psicodelia de Stallones, manifestándose a través de teclados y líneas lánguidas de guitarras, y por otro lado la soberbia producción y mezcla de M Geddes que nos hace participes del proceso, nos envuelve, nos pone a girar, una dimensionalidad fascinante plasmada a través de la producción, un digno homenaje a la música del caribe, no de sus admiradores europeos, inesperadamente si de sus admiradores del país vecino del norte.

Si bien Icon Give Thank es un disco que nos dejara con más preguntas que respuestas, esto es algo de agradecerse, a Sun Araw en primer lugar por ir y rastrear a estos héroes sónicos de Jamaica, a los The Congos por su disponibilidad y por su impresionante profesionalismo, sonando tan impresionantes como en sus mejores tiempos y finalmente a M Geddes por la admirable producción que a leguas se nota actualiza esas alucinaciones sónicas que nos había presentado Lee Perry, será que un disco de M Geddes produciendo a Lee Perry pudiera concebirse algún día? Denle una escuchada a la fenomenal Sunshine, dónde en este punto, la duda nos invade por completo, es este un disco de The Congos? Dónde quedó Sun Araw? Y agradecemos la enorme humildad de todos los participantes, dónde todos en momentos brillan y ninguno opaca al otro.

Lo que parecía un disco imposible, inconcebible y que muchos parecían presagiarle un mal aterrizaje resulta una joya disfrutable, una grabación densa como pocas y con el protagonismo en verdad disfrutable de cada uno de sus participantes, una leyenda que sigue viva y de la que esperamos más y más música de este nivel, un Sun Araw que sin duda ha cristalizado uno de sus sueños y que esperamos en el futuro aplique a fondo lo aprendido, que disco! el equivalente musical a esas películas alucinantes de Werner Herzog interándose en la selva virgen! Irie!

Black Dice-Mr. Impossible

Se dice que el próximo disco de los fabulosos Liars será un disco más electrónico, viniendo de los Liars cualquier cosa se puede esperar, ya que es una línea muy delgada la que separa sus geniales exitosos de sus locos fracasos, eso si, sin perder nunca la capacidad de asombrar, y buen pues en el inter tenemos a estos chicos de Nueva York, que evolucionaron de una escena hardcore a una curiosa electrónica brutal, sin caer del todo en el noise, por supuesto que hablamos de los Black Dice.

Y es que Pinball Wizard, tema que abre este genialmente titulado Mr Impossible, lejos de ser un cover de The Who, parece una versión hardcore-mutante-sintética de Lucifer Sam de los Syd Floyd, y en todo momento esperamos una voz robótica que nos cante esas líneas concebidas por Syd Barrett, fundador del grupo, pero las vocales robóticas nunca llegan, en su lugar tenemos una distorsionada y deformada línea vocal que no nos dice nada, pero que enciende los motores de este disco, una guitarra sintetizada que nos sugiere unos Residents bastante acelerados, no nos queda del todo mal y es que sin duda, si los Residents hubieran sido criados con una dieta estricta de hardcore y después insertados en la electrónica primitiva y bizarra, Rodriguez sigue una dinámica muy similar con sus inicios-altos en repetidas ocasiones, aunque claro, la banda lleva estos artilugios al extremo y ahí los eleva a su máxima expresión, el resultado es algo con un ritmo mecánico, con algo de la cacofonía del techno, y la locura de los ya mencionados Residents o de unos Devo si estos hubiesen sido más abstractos.

The Jacker podría ser el resultado de un DJ bastante dañado de sus facultades metales y con la intención de traernos el techno más degenerado imaginable, pero la verdad, cualquier etiqueta o descripción es lanzada por la ventana cuando las guitarras y las vocales abstractas se hacen presentes de nuevo, sin duda estamos ante un grupo que ha alcanzado un nivel de perfección en sus creaciones que sobre pasan cualquier imaginación por más fértil que esta pudiese ser, por una lado un riff de guitarra sintetizado que sugiere el heavy metal y por otro lado un motivo de guitarra elástico que nos sugiere el funk de los 70s y que nos da la oportunidad de alocarnos un poco.

Pigs es la pieza que el grupo ha decidido tomar como “sencillo”, algo sin duda nada sencillo ya que aunque Pigs es una pieza bastante dinámica, no es precisamente lo que se podría decir una pieza comercial, la abstracción continúa aquí y al extremo, aunque podemos decir que el ritmo es lo más cercano a una pieza bailable, aunque más que algo para pasarla bien en la pista de baile, parecería un aliciente a un mal viaje en una disco, con sus ritmos electrónicos golpeándonos incesantemente sin darnos la menor pista de donde vendrá la siguiente descarga.

Spy Vs. Spy contiene un explosivo sentido del humor, con su ritmo hip hoppero y su rima que nunca inicia, un arranque en falso que nunca se materializa del todo y que el grupo congela, o más bien induce en un eterno bucle que nunca se resuelve, pero que es acompañado por demás artilugios electrónicos, mientras que Outer Body Drifter es posiblemente la pieza más siniestra del disco, con su obvia deuda al techno poderoso y sus percusiones sintéticas, una guitarra wah robótica y unas vocales como de los Melvins si estos fueran seres biónicos (invertiría alguien 6 millones de dólares en hacernos una versión más poderosa e indestructible de los Melvins, nos hace falta, piénsenlo por favor.), sin duda todo una pieza de artillería de titánicas proporciones.

Sin duda los Black Dice trascienden cualquier parámetro musical que se les quiera imponer en base a pura creatividad desmedida, cualquier preconcepción que pudiéramos formarnos antes de escuchar este disco se quedaría muy muy corta ante la magnitud de los alcances y soberbios resultados de estos Black Dice, que con este Mr Impossible nos demuestran que no hay imposibles para la creatividad humana, hemos sido gratamente sacudidos por uno de los grandes discos del año, ni duda cabe de eso, ahora sólo nos faltara el poder poner nuestra mente en orden luego de este intenso y alucinante viaje musical.

VCMG-Ssss

La aparición del dueto conocido como VCMG representa verdaderamente una colaboración como pocas han existido y es que allá a principios de los 80s Vince Clarke (VC) y Martin Gore (MG), fueron piezas claves para la concepción del grupo que ahora conocemos como Depeche Mode, aunque Clarke dejó la banda luego del debut de la banda, podemos afirmar que sin Clarke la banda de Gore y compañía jamás hubieras existido (por lo menos como la hemos conocido), fue Clarke el motor inicial de la banda, un entusiasta de la electrónica y el synth pop, que después iría formar otros grupos como Yaz y los más conocidos Erausre, por demás memorable es pensar que después de la salida de Clarke de Depeche Mode sería precisamente Gore el encargado de tomar las riendas como compositor principal del grupo, llevándolos en una dirección más oscura y definitivamente más exitosa (sobre todo fuera de el Reino Hundido).

Ssss es el debut de la banda, un especie de negación del estatus de ambos participantes, por un lado ya saben, Clarke ha sido bastante exitoso particularmente en su país natal, con los proyectos ya mencionados, y Gore obviamente conocido a nivel mundial junto  Dave Gahan y Andy Fletcher, el uso de las iniciales y el bajo perfil que han decidido mantener ambas partes para la realización de este proyecto (ensamblado vía correos electrónicos entre ambas partes) nos da oportunidad de hacer un lado todo lo que se pudiera decir de ambos y apreciar mejor la música, y muy probablemente para ambos, Ssss es la oportunidad de escribir una carta de amor a sus viejos intereses electrónicos 30 años después de su separación artística, aparentemente una reconexión entre ambos disparada por el reciente interés de Clarke en el techno.

Ssss es un disco bastante entretenido, nostálgico de alguna manera ya que nos lleva directo al tiempo y espacio en que la electrónica y los pistas de baile se enamoraran perdidamente, a ese momento histórico ya en que la electrónica de los alemanes Kraftwerk se uniera al funk, en la ciudad asesinato, Detroit, para darnos ese monstruo electrónico que hoy conocemos como techno.

Ssss es un disco techno, y no techno de la vieja escuela, aquí no tenemos a Clarke y a Gore tratando de revivir viejas épocas, precisamente, sino reconciliar sus orígenes con la actualidad, haciendo conexiones entre ambos, del synth pop de Clarke a la electrónica más oscura de Gore, trayéndonos un hibrido de ambos, por un lado la accesibilidad del pop de sintetizadores y por otro un sonido más electrónico y duro, llevándonos de paso al ya mencionado techno.

Lowly arranca en un muy alto nivel, sintetizadores amenazantes, notas oscuras, y después las ondas de sonido salen disparadas junto a esos ritmos atascados de la escuela de Detroit, un par de chicos, ya no tan chicos descubriendo un sonido que en sus buenos tiempos no exploraron, una unión “a distancia” de dos gigantes que prefieren poner todo a un lado y concentrarse únicamente en un sonido, en algo que suena tan personal que no debería llegar a la s masas (y que esta probablemente no lo entenderían), Flux me recuerda esos discos de Kraftwerk re mezclado, cercano a Poket Calculator, como bien ya mencionábamos Ssss busca reconfigurar el pasado de ambos y  mostrarlo en un nuevo contexto, algo no muy alejado de esos ya mencionados discos de Kraftwerk llevado a nuevos ritmos.

Zaat bien podría ser un buen tono para una alarma, el sonido es repetitivo y constante, y después se vuelve más contundente con la sección rítmica apareciendo, y después ambos Clarke y Gore construyen de manera entusiasta sobre esta base, agregando una variedad de líneas de bajo sintetizadas.

Spock es una de las piezas más duras, algo de lo que definitivamente Juan Atkins estaría orgulloso (y que no tarda en regresar a los estudios y escenarios, confirmando la resurrección del techno), con sus golpeteos mecánicos, ritmo atascado y marcadas disonancias y dosis de ruido adicional, que sin duda hacen de esta pieza, de lo más abrasivo del disco.

Sucede algo curioso con la música hoy en día, y es que gente como Robert Wyatt, Tom Waits, Lou Reed, John Cale, entre otros, músicos arriba de los 50 años, se están atreviendo a hacer cosas nuevas, a experimentar, a arriesgarse, algo de lo que las nuevas generaciones se están olvidando, deslumbradas por un futuro exitoso, prefieren satisfacer a la máquina que a su humanidad propia y es aquí dónde Clarke y Gore buscan salvar sus almas de manera conjunta haciendo música muy personal, que si bien, no cambiará el mundo, por lo menos nos demuestra que ambos siguen vigentes, creativos y dispuestos ha olvidarse de los nombres que han forjado, para adentrarse en territorios inexplorados por ellos mismos, sin duda escucharemos mucho más de estos VCMG más adelante!

Carter Tutti Void-Transverse

Mas de uno extrañamos ese fenómeno musical de nombre Throbbing Gristle, bandota que literalmente definió lo que es la música “industrial”, ritmos mecánicos, minimalistas, sumados a sintetizadores oscuros, líneas de bajo titánicas y generosas dosis de ruido, claro, cuando muchos compararan aquellas salvajes épocas de los TG con bandas actuales como Ministry, que supuestamente son “industriales”, se queda uno pensado, pues de que me perdí, cabe aclarar que Ministry en su buenos tiempos estaba más cerca de Sepultura, Fear Factory o Slayer, que de Throbbing Gristle obviamente, pero realmente, todo lo que salió hace décadas del sello “Industrial” de TG terminó denominándose, música industrial, Ministry? Godflesh?, llamémosles “metal industrial”, si les urge un nombre y calmar sus anisas.

Ahora bien, por un lado, cuan do desaparecieron por primera vez los TG, digamos que hibernaron, bandas como TG nunca se desintegran, se duermen, permanecen inertes por año y después regresan, como ha sucedido con los King Crimson y los Swans, cuando Genesis y compañía pusieron a dormir a su “demonio industrial” la primera vez, dos fracciones del grupo permanecieron, Genesis y  Peter Christopherson formaron Psychic TV; mientras que la otra mitad del grupo, Chris Carte y Cosey Fanni Tutti formaron Chris and Cosey, mientras que Psychic TV le apostó a un sonido más accesible, Chris and Cosey se fueron hacia un lado más oscuro, electrónica y sampleo, claro, Christopherson se cansó rápido de la accesibilidad y formo Coil y un sin fin más de cosas sucedieron.

Por un momento parecía que Factory Floor ocuparía el lugar de los Throbbing Gristle, con esos sonidos electrónicos masivos, cacofónicos, mecánicos y esas líneas de bajo como sendos látigos, razón demás para pensar que una unión como esta estaba más que destinada a suceder, con unos Chris y Cosey uniéndose al guitarrista de los Factory Floor Nik Void, en un proyecto nuevo que decidieron nombrar Carter Tutti Void, vaya monstruo de dimensiones bíblicas que se yergue ante nosotros!

Transverse es el trabajo de estos tres, que no son para nada ajenos a al sonido de los TG, dos de ellos lo originaron y el otro lo idolatra, además, con la reciente muerte de Peter “Sleazy” Christophersosn, el “tío Sleazy”, como solían llamarle es muy probable que esta vez los TG si descansen en paz y una reunión definitivamente no vuelva a suceder en esta vida.

Este disco, captura a estos tres tocando en vivo ante una muy pequeña audiencia en un espacio bastante pequeño en un diminuto club, razón por la cual el sonido captado resulta extraordinario, en los TG, Carter era la sección rítmica, era quien solía lanzar esas secciones de ritmo minima, frío y robótico, Sleazy era quien tomaba la parte salvaje de la música, anexando sonidos inesperados, sampleos increíbles  los generadores de ritmos, Cosey agregando caos y Genesis poniendo la furia y el vanguardismo, pues bien, aquí tenemos nuevamente a Carter a cargo de los ritmos, V1 es precisamente un ritmo entre mecánico y tribal que se hace presente y que rara vez muta, pero va dándole una buen respaldo a Cosey y a Nik para desatar una marejada de gruñidos y estertores electrónicos vía sus guitarras y pedales de distorsión, V2 arranca de manera industrial con esos bajos que nos castigan los sentidos, un ritmo trabado que se mantiene estable y firme, así mismo la incursión de vocales sumergidos en distorsión agregan una dimensión alucinante a la música, una sensación casi tribal se genera con la conjunción de estos y después las guitarras entrando y saliendo en plan “noise”, después de este salvaje ataque a los sentidos, V3 resulta un vasto remate, con sonidos aún más duro, Cosy y Nik castigando sus instrumentos, la intensidad crece con cada pieza, el ritmo pareciera mantener una fuerte tensión, creando una avance sofocante de las piezas, difícil escaparse o querer huir de algo tan fulminante y efectivo, una banda que como solían hacer los Can, sus miembros se comunican telepáticamente, encuentran un ritmo y no lo dejan ir, lo vuelven hipnótico y lo dejan que cobre vida propia, crean monstruos de la nada.

V4 es la pieza con el ritmo más contagioso, pero también la más castigada por los excesos sónicos de los tres, Carter, inmerso como siempre en el rollo electro, trance, etc. Y en V4 a banda eleva sus ritmos hipnóticos hasta el cielo, nos podemos poner a bailar con esta pieza y a la vez llenarnos de miedo, por el sonido esta corrompiendo nuestras almas en el inter, bienvenidos a la misa negra del sonido.