Dj Screw- Swang Down (Video)

Clàsico Screw, bien Chopped & Screwed o como digo yo, bien chopeado y escurrido...

Ghost Writer Y Una Lista

Tanto que odio yo las listas pero venga, ahí les va una lista de lo mejor de la primer mitad del 2012, y parece que este año ha sido el año de los regresos en grande.

1.- The Swans, The Seer

Michael Gira y sus muchachos regresan con un disco ENORME

2.- Jimmy Cliff, Rebirth

Ícono del reggae regresa con una contundencia inusitada, producida por el líder de los Rancid.

3.- Death Grips, The Money Store

Primer gran golpe de estos Death Grips en este año, se espera el segundo en unos meses más.

4.- Killing Joke, MMXII

Veteranos que no dan su brazo a torcer y regresan más rudos que nunca.

5.- Carter Tutti Void, Transverse

Parte de los Throbbing Gristle que se reconstituyen y nos traen uno de los mejores discos del año.

6. - Sun Araw, M. Geddes Genras & the Congos, Icon Give Thank

Sun Araw se une a verdaderas leyendas del dub y nos trae un disco alucinante

7.- Burial, Kindred

El maestro de los ritmos fantasmas, regresa con un disco que expande su sonido.

8. – VCMG, Sssss

Que enrome disco nos han traídos estos dos cuates, haciendo sus enormes egos a un lado y retomando la electrónica de sus amores.

9. – Ulver, Childhood`s End

Los Ulver se transforman (una vez más) y regresan más sicóticos que nunca, un grupo del que jamás sabemos que esperar.

10. – Laurel Halo, Quarantine

Sorprendente discos de nueva electrónica, una lección de cómo hacer pop vanguardista y no morir en el intento.

11. - Killer Mike, R.A.P. Music

Por fin alguien regresó la brutalidad a la música de las calles!

12.- Charles Gayle Trio, Streets

El maestro Gayle nos trae una poderosa y convincente nueva entrega de música de fuego puro

13. - Napalm Death, Utilitarian

Una de las bandas más extremas de la historia, regresan con sorpresas.

14.- Corrosion Of Conformity, 2012

Si claro, algunos les dieron por muertos pero la banda regreso más furiosa que nunca.

15. - Actress, R.I.P

Una nueva producción suprema que nos muestra una fascinante nueva cara del techno y de la electrónica vanguardista

White-Bai (Video)

Video del tema Bai de los White, minimalismo moderno directo desde China, producido por Bilxa Bargeld de los legendarios Einsturzende Neubauten.

Main Attrakionz-Legion Of Doom (Video)

Algo de "cloud rap" o serà realmente ambient hip hop? a cargo de los pioneros del sub genero Main Attrakionz

Lil B- Task Force

Aunque es difícil o casi imposible seguirle el paso, saben que soy fan de Lil B y de todo aquel que este en verdad decidido a cambiar las reglas del juego dentro del hip hop, un genero que vale la pena salvar antes de que se vaya al carajo, antes de que los ridículamente llamados gangstas lo hundan, antes que el machismo, la misoginia y la homofobia lo condenen a desaparecer; ahora bien, hay que ser sinceros, no todos los discos de B son buenos, afirmarlo seria una gran mentira, pero en una producción tan prolífica, como la de B, no resulta difícil encontrar cosas rescatables como este Task Force, recién editado este mes, y que si no me equivoco es el noveno o décimo disco que B edita este año (Wow!)

Stick, que abre esta grabación, es contagiosa, e inmediata, de lo más contagioso que B nos ha traído en los últimos meses, con su insistente ritmo, sus bien estructuradas rimas, también hay que señalar que Task Force es lo más lo fi que B ha he hecho en mucho tiempo, si en algunas ocasiones, el sonido de B se llenaba de lustre, aquí suena al rojo vivo y en ocasiones se acerca interesantemente a conseguir una distorsión natural por saturación, así que, después de unos meses, B regresa más inspirado que nunca, Task Force, el tema es bastante oscuro, B nuevamente cambia su estilo vocal para abordar este tema, sintetizadores le acompañan en todo momento, lo acercan un poco a esos inmensos sintetizadores y coros de Stevie Wonder en Pastime Paradise, B continua su iconoclasta viaje acompañado de esos singulares sintetizadores, Dig Deep, como su nombre lo señala, es poderosa, potente con profundos bajos, el sonido de B adquiere una inusitada densidad aquí y una abrumadora abrasión, mientras que en Thuggin Hill Death abre con un sample de soul muy de los 70s, B continua con su batalla por romper estereotipos en el genero, haciendo uso de samples que difícilmente le funcionarían a alguien más, e ignorando o exagerando todo los clichés contenidos en el mundo del hip hop a manera de denuncia, pero una cosa hay que señalar aquí, B cada vez es mejor en la creación de buenas rimas y melodías, el “Yani del hip hop”, como algunas veces se auto describe B por su afición a los teclados, no sólo está en la casa, sino que está decidido a ponerla patas arriba, tanto que ya no se ve muy lejano el momento en que B se acerque al mainstream, lo cual nos confirma con facilidad en un tema como Spontaneous Combustion que no pide nada a nadie y que posee suficiente encanto para aparecer en la radio, aunque como los mejores B sacude un poco el ambiente con el siguiente tema Fuck Me, que estremecerá a cualquier mentecato de una forma similar a cuando Krud Bobain cantaba esa de Rape Me, y todas las almas inocentes se asustaban, mientras que Im The Police es un tema sucio e infeccioso, lo mejor de B en mucho tiempo, vital, vibrante y gracioso, B nuevamente arrojando las letras más alucinantes y absurdas que es capaz de crear, acercándose también a la genialidad que ya irradiaba desde su época con los The Pack; Sand es un tema con un ritmo rebuscado, genial y complejo, B sorteando todo tipo de vicisitudes para no repetirse o para no sonar como el resto de los hip hoppers y ahí consiguiendo un verdadero triunfo a la originalidad, alguna duda? Chequen Like A Gun, todo un triunfo a los ritmos bizarros, B en su momento más abstracto probablemente acercándose y bastante a lo industrial, y a reventarle las bocinas a más de uno.

Task Force Platoon 6 es uno de esos temas demenciales a los que B nos ha acostumbrado, el recién llegado podrá pensar que B está acompañado por 3 o 4 MC`s, cuando en realidad el auto proclamado “dios del estilo based”, sobre graba voces que el mismo emite alterando su tono o su pronunciación, Myself nuevamente nos cambia el juego, un ritmo relativamente inocente, que B pervierte con generosas dosis de ruido, mientras que en Hell On Earth vuelve a pisar fuerte el acelerador y nos trae un tema sólido, bien logrado con un estilo lento y expresivo que B parece abrazar mucho últimamente, para después ponerse duro en Gran Dad Lil B, o el gran cierre de este disco con Choclate Girl, uno de esos temas dónde B satura peligrosamente el espacio, crea una maraña de sonido denso y vital, sobre el cual aplica rimas al por mayor, al igual que en Ryan Seacrest o en No Tolerante, dónde pareciera que la pared de sonido creada por B le dejara muy poco espació para sus rimas.

B continúa su peregrinaje cuyo objetivo final es transformar a base de pura fuerza bruta el hip hop, y hay que admitir que lo está haciendo, no sólo como artista, sino como ejemplo y como influencia en otros que le siguen y que están poco a poco llevando al género a una re valoración de todo lo que este significa.

Hangedup And Tony Conrad-Transit Of Venus

Para los que quedamos encantados con esa fabulosa colaboración entre el minimalista Tony Conrad y los alemanes vanguardistas de los Faust, Transit Of Venus es la excelente oportunidad de escuchar el genial Conrad poniéndose al tu por tu con un vanguardista grupo de actualidad, los Hangedup, banda de origen canadiense con singular alineación, un violinista y un baterista, esta banda suma aquí sus esfuerzos a los de Conrad en una joya que mezcla las abrasivas atmósferas de Conrad con la dinámica de este dúo que le da duro a las baterías.

Flying Fast N Furious arranca de manera tortuosa, una batería que da fuertes golpes, al tiempo que los chirriantes instrumentos de cuerda comienzan a alinearse, Eric Craven comienza a acomodar la sección rítmica con amenazadores toms y redobles, al tiempo que Genevieve Heistek inicia el dialogo zumbante con Conrad, ambos ejecutantes destripan sus instrumentos en un poderoso ritual de alto volumen, pero no todo el brillante trabajo queda en manos de ellos, es precisamente Craven quien se encarga de los furiosos ritmos que casi nos ponen dispuestos a arrancar la vieja tradición metalero del headbanging, Conrad toma la iniciativa, su ejecución en minimalista y expansiva a la vez, sus notas se repiten de manera incesante y van transformando su iniciativa en algo más, al tiempo que Genevieve libera generosas dosis de ruido a través de diversos efectos de pedal.

Transit of Venus, el tema, nos traerá poderosos recuerdos de ese legendario disco antes mencionado de Conrad con los Faust, un ritmo constante y minimal a cargo de Craven trata de quebrarnos los huesos lentamente, al tiempo que Conrad hace sonar su instrumento como furioso tren que se acerca de manera amenazante, el estilo inconfundible de Conrad de inmediato lo pone por las nubes, capa tras capa de ensordecedor sonido se va liberando de sus cuerdas al tiempo que Conrad le transmite verdadera electricidad a través de su arco, al tiempo que el ritmo de Craven comienza a desintegrarse y Conrad y Heistek comienzan a intercambiar ataques en las alturas, con una Hesitek que lo mismo le acompaña y que por momentos le mete duro al ruido y desciende al mismísimo infierno.

Grandes cosas han resultado de mezclar dos ejecutantes majestuosos como estos, algunos de ustedes recordaran discos geniales como el Black Vomit, de Anthony Braxton con los Wolf Eyes, o ese discos de Lee Scratch Perry con Andrew WK, màs recientemente tenemos el de Lou Reed con Metallica y el Rebirth de Jmmy Cliff que le produjo Tim Armstrong de los Rancid, este Transit Of Venus vive en ese inconcebible universo de genialidad, y da verdadero gusto escuchar sendos drones del violín de Conrad y de la viola de Hesitek acompañados por el demoledor acompañamiento de Craven. Como hacen en Principles, un tema digno del salón de la fama del vanguardismo y de la salvaje experimentación, Craven no se detiene ante nada y combate con fiereza los rasposos instrumentos del resto de este trío, y es precisamente en este tema dónde Conrad y Heistek en verdad se ponen salvajes, extrayendo alucinantes sonidos de sus instrumentos.

Bright Arc Of Light es un elegante dialogo entre Heistek y Conrad, en el que la intervención de Craven es nula, y después Gentil The Unlucky Astronomer es un tema espacioso, en dónde los tres músicos se ven generosos otorgándose espacio de manera mutua en un tema que se beneficia por el espacio que le otorgan para respirar, Conrad, continua mostrándose como un genio sin ataduras de tiempo, que continúa con sed de experimentación y de colaboración con nuevos talentos, un individuo sin miedo alguno y con una reputación tan legendaria que al parecer no le pesa en lo más mínimo, el hombre que estuvo ahí con La Monte y John Cale en el legendario big bang del minimalismo, el que tomara parte en el bautizo de los Velvet Underground y el que se aliara con unos de los más míticos krautrockers, Tony Conrad esta de vuelta, tan inmenso como siempre.

Ornette Coleman- Macho Woman (Video)

Un poco de free jazz a cargo del maestro Ornette Coleman para alegrarnos la tarde, Free Funk para todos!

The Swans-The Seer

Luego de la enorme re conexión que tuvo Michael Gira con sus demonios internos aka The Swans en el vital e indispensable My Father Will Guide Me Up A Rope To The Sky, editado hace ya casi dos años, Gira regresa luego de un colosal disco en vivo que sirviò para documentar a sus nuevos Swans en vivo, Gira, en lo que parece una vorágine creativa regresa antes de los esperado y no nos trae solamente “un nuevo disco”, sino un disco doble, si escucharon bien muchachos, Gira ha decidido, como se dice por estas tierras “echar toda la carne al asador”, y resumir TODO su anterior trabajo con los Swans en esta obra, que lleva por título The Seer, un disco que desde que supimos de sus existencia y de los detalles de su grabación, con participación de gente como Ben Frost, Jarboe, Karen O y miembros de los Mercury Rev y de los Low, empezamos a desear que se editara ya con demasiada ansiedad.

Gira nos trae el siguiente capítulo de su brutal experimentación con el minimalismo y el volumen, y que al igual que en su anterior disco, Gira crea su propio universo con sus propias leyes y lógicas, se olvida por completo de formulas y pre concepciones y nos trae un disco despiadadamente bueno, Gira y sus muchachos se anclan por completo en el minimalismo desde el primer tema, Lunacy, Gira nos deja bien claro que él es el rey del “otro” minimalismo, uno que carece el brillo y lustre de los trabajos de Philip Glass o de Steve Reich, pero uno que posee el sentido de drama, tensión, oscuridad y morbidez de los trabajos de La Monte Young o Terry Riley, eso que hace que Lunacy resulte inmensa, una especie de plegaria que Gira torna en locura pura, con unos Swans renacidos y recargados, dispuestos a elevar el volumen de manera inmisericorde, pasajes de intenso drama son intercalados con pasajes acústicos que sin duda suman todas las eras musicales de los Swans en algo sublime y poderoso, aunado a ese sentido que de perdición y salvación que suele siempre estar en pugna dentro de la mente y corazón de Gira, es Gira el amo y señor del minimalismo?si, si lo es, y no sólo de eso, en estos momentos Gira es el santo patrono de la música minimal extrema, en este momento, y nos hace preguntarnos si en realidad The childhood is over? Y este nuevo disco representa un nuevo estado de madurez para un grupo que ha madurado y evolucionado incontables veces.

Y ni que decir del monstruoso ritmo de Mother Of The World, ritmo que Gira y sus Swans repiten hasta el cansancio, en el que el ritmo devastador poco a poco nos va robando el aliento, se va apoderando de nuestro entorno y nos va adentrando en un curioso estado de trance, que ni el mismísimo Terry Riley, amo y señor del minimalismo nos puso en un estado similar alguna vez, Gira juega con nuestras mentes, con nuestro cuerpo, con nuestra respiración y latir de nuestros corazones, nos pone en un estado difícil, su música nos estruja, nos asfixia, y lo hace con un inmenso talento, los Swans prueba una y otra vez que son maestros en la creación de ritmos mínimos que pueden repetirse miles de veces y que van transformando nuestras ondas cerebrales, su música realmente atraviesa cada uno de nuestros poros, que luego de 5 minutos de machacarnos se va transformando en un cadencioso blues, del cual Gira toma las riendas supremas y nos guía a través del desierto sobre este monstruo milenario al que nada podría detener.

The Seer, el tema, es un tema inmenso, una obra maestra de más de 30 minutos de duración en dónde sin duda Gira consolida de manera portentosa todo el camino recorrido por este grupo, un tema largo, complejo, denso y brutal como pocos, posiblemente uno de los temas más devastadores que Gira se ha sacado de su interior, un tema capaz de destruirlo todo y volverlo a crear en media hora, si señores, media hora de interminable genialidad, intensa, compacta, DENSA y llena de poder, para cuando esta ha terminado The Seer Returns nos da un respiro con un tema un tanto más ligero, dónde Gira continua jugando con nuestras mentes, mientras que en 93 Ave, B Blues, Gira perfora el silencio y la oscuridad con un instrumento de viento, posiblemente un clarinete o un oboe, Gira nos muestra un prodigioso avance muy a su estilo del gótico del vecino país del norte, una pieza tan oscura y solitaria, tan provocadora de miedo como sólo los Swans lo sabrían crear, dándonos a respirar miedo puro en cada segundo de este tema, mientras que The Daugther Bring The Water arranca con un hermoso pasaje acústico y la voz característica de Gira que pareciera convertirse en uno de esos profetas vocales al estilo de Dylan, Cohen o Reed, A Song For A Warrior es un tema hermoso, Gira es capaz de hacer cosas verdaderamente brutales y despiadadas, pero también de crear sublime belleza, como en este tema, Avatar es un tema con hermosas campanas que resuenan y un trabajo de batería y bajo que destila precisión y agilidad, un tema casi ritualista a la que la banda le va añadiendo tensión al por mayor, y a la que monstruosas guitarras se le van sumando, al tiempo que vamos llegando al grand finale de esta obra maestra con The Apostate, otro tema de dimensiones épicas y con el cual Gira deja bien claro porque es uno de los músicos más importantes del momento, un tema que trae de regreso la grandeza de los Swans, una brutal descarga sin tregua al escucha, una salvajísima demostración de poder, que al final descarga de manera subliminal un pasaje de inquietante post punk, sin duda alguna Gira nos ha resumido aquí lo mejor de todo su carrera, nos ha dado un DISCO ENORME y sin duda alguna lo mejor del año, no sabemos en este momento que pueda detener a Gira, ya que en este momento él es el maestro y él es el guía.

Stian Westerhus-Video

El enorme guitarrista experimental noruego Stian Westerhus, aqui alucinando con su guitarra para una grabaciòn e la BBC

Flea-Helen Burns

Por momentos me siento verdaderamente confundido, primero fue el ex Red Hot Chili Pepper John Frusciante con un disco verdaderamente desconcertante en plan hip hop y con influencias de música electrónica, y ahora esto? Que le pasa al mundo del rock?

Flea, el muy respetable bajista de los RHCP, y digo respetable porque este cuate verdaderamente anduvo en la escena punk con los Fear, ha tocado con los Janes Addiction, con Patti Smith y con Ornette Coleman, entre otros, nos trae un disco que es por demás enigmático, que pareciera convertirse en la nueva tendencia entre los músicos de elite, algo que se antojaba inédito hace un par de años y que es difícil de entender porque surge hasta ahora, dado que la tecnología digital surgió hace ya varios años, Helen Burns es un disco de esos grabado en la alcoba, de manera casera y con un presupuesto mínimo, usando la tecnología reciente de lap tops y programas para hacer música, y resulta por demás sorpréndete que Flea se haya convertido a la religión del buen Flying Lotus, con resultados que si bien, confunden, no son del todo malos.

333 es un tema que arranca con sendas trompetas, el primer instrumento que Flea aprendió a tocar y que practico años antes que la escena punk lo llevara al bajo, un tema que se antoja atmosférico, con una trompeta que hereda algo del estilo punzante de Miles Davis,  hasta que somos tomados con la guardia abajo por un intenso ritmo electrónico, algo cercano al drum & bass, al cual la trompeta se le une, un curioso territorio que Flea debe de conocer de sobra, como trompetista y como bajista, si Squarepusher lo puede hacer, porque Flea no habría de hacerlo pues? El tema es intenso con un ritmo sumamente insistente y pasajes alucinantes no aptos para cualquiera, generosas dosis de ruido que Flea integra de manera aleatoria y que podría ponerlo a la par con los trabajos de los músicos antes mencionados o con el mismo Aphex Twin (bueno, no tanto…).

Pedestal Of Infamy nos cambia la jugada nuevamente, salvo por la inclusión de una flauta, podríamos estar escuchando uno de esos temas más tranquilos de los últimos discos de los Pepppers, sino es porque pequeñas incursiones electrónicas aparecen repentinamente, un tema con bastante influencia de la psicodelia de los 60s, con vocales procesadas que añaden altura al tema, para después transformarse en un curioso tema de funk vaporoso, en que Flea obviamente descarga un bajo, no ostentoso pero lleno de sentimiento, mientras que en A Little Sanity, un tema con buenos “breaks”, somos guiados por teclados bien programados y el acompañamiento del bajo de Flea, que aquí se muestra ágil y atento a la música, Flea aplica una técnica muy similar al trabajo del ya mencionado Squarepusher, aunque sin pretender acercarse a Aphex Twin por el lado electrónico, o a Miles Davis por el lado jazzistico, sino empecinado en crear un estilo propio, con algunos toques de FlyLo.

Quieren una sorpresa más? Que tal la voz de la legendaria Patti Smith en el tema que da nombre al disco, un tema que se caracteriza por su sabor a jazz ligero, acompañamiento de piano y el bajo de Flea, sin duda Flea tiene bastantes agallas, y bastante buena amistad con Smith para incluirla en un trabajo tan arriesgado, un tema verdaderamente simple y hermoso, la voz de Smith destilando belleza y quietud, emotivo en todo momento.

333 Revisited retoma la formula del primer tema, ese que mezclaba el jazz con lo electrónico, aunque aquí el pasaje de trompeta es más extenso y rico en matices, la atmósfera es más oscura y otros elementos se añaden a al instrumentación, el acompañamiento electrónico es más pausado, más oscuro, y después nos arroja en el acido territorio del buen Richard James aka Aphex Twin, sendas líneas de bajo sintetizado y acido son arrojadas a nosotros, Flea es un hombre sabio que sabe bien de bajos de todo tipo, desde acústicos hasta estos procesados, y al final Lovelovelove, con sus guitarras impregnadas en fuzz resulta un final bastante calido para un disco de música electrónica, Flea triunfa integrando de manera poderosa el instrumento humano, un coro enorme que eleva el tema, que denota una cosa, cuando este cuate hace música, sin duda la hace del corazón, recuerdo hace décadas en alguna entrevista los RHCP se pronunciaban contra las máquinas de ritmos y sintetizadores, denunciándolos como algo frío, mecánico y poco humano,  pues bien aquí Flea hace triunfar lo humano dentro de la máquina, con un disco que seguramente pocos escucharán y una joyita que muchos se perderán.

Scott Kelly, Steve Von Till, Wino-Songs Of Townes Van Zandt

Aunque debo admitir que me emociona bastante escuchar discos del genero doom, debo también admitir que me parece un genero demasiado estrangulado, con demasiados clichés a seguir y que en verdad deja poco espacio para la innovación y la experimentación y aunque este no es precisamente un disco de doom, me sirve bastante para poder darme cuenta de la apertura hacia otros sonidos que estos tres músicos cercanos al mundo del doom han mostrado aquí.

Scott “Wino” Weinrich, conocido como el vocalista clásico de los Saint Vitus, junto a Scott Kelly y Steve Von Till de los Neurosis, en colaboración nos traen este disco que lleva por nombre Songs Of Townes Van Zandt y que precisamente sirve como una especie de tributo a este legendario y poco conocido músico de culto que deambulo por los mundos del folk y la música country que sirviera de inspiración para gente como el mismísimo Willie Nelson o Bob Dylan (de quien tomó influencia y quien después grabo algunos de sus temas.).

El disco empieza con If I Needed You, un tema ligero con un discreto ritmo en su forma original, que aquí es transformado y dotado de un fondo más profundo, sin duda la voz que toma la batuta aquí nada tiene que ver con la de Van Zandt, pero considero que aquí el punto es rendirle tributo y no crear covers directamente, en este aspecto los tres músicos triunfan ya que el tema es reforzado con un sentido de melodía mayor que en la versión original, muchos extrañaran la decadencia y morbidez del tema original, pero este trío hace un excelente trabajo recreando y  reconstruyendo el tema, St John, The Gambler es un tema bastante oscuro, que aquí recibe un tratamiento aún más oscuro que prácticamente nos arroja en una bizarra zona de doom acústico, inédito para mi ver estos temas de esta manera, pero poseen la suficiente oscuridad y sentido de la perdición para poder afirmarlo, Wino toma el protagonismo en Black Crow Blues y nos trae un tema lleno de dolor, un tema que nos causa lesiones inmediatas en la piel gracias a la voz de lija del buen Wino, quien quita un poco de la tibieza de los temas anteriores y le agrega algo de pesadez al tema, el intro de Lungs es clásico e inspirado en el mejor country del vecino país del norte, aquí el tema adquiere un giro inusual, ya que se convierte nuevamente en un tema que se resuelve como una extraña mezcla entre doom y folklore acústico y algo de distorsión y electricidad que se cuela en el trasfondo, Rake es probablemente el tema en el que el trío se acerca más fielmente al sonido casi desnudo de la música de Van Zandt, un tema compuesto por voz y guitarra acústica, sin red de protección en que los interpretes se muestran sin fondo o acompañamiento alguno salvo los ya mencionados, mostrando la misma fragilidad y sinceridad de los temas de Van Zandt, Snake Song arranca con un ritmo mìnimal y un trasfondo casi atmosférico, es un tema amenazante, que se beneficia con un curioso acompañamiento de sintetizadores que sin duda suma de gran manera a la densa y oscura atmósfera, en un tema que sin duda la gran Nico hubiera estado encantada de interpretar.

Songs Of Townes Van Zandt es un disco difícil de inicio pero la sinceridad y entrega de sus participantes poco a poco va ganando el interés del escucha, y el respeto y admiración de quienes conoce bien la obra de Van Zandt, Tecumseh Valley, uno de los temas más conocidos de Van Zandt cierra el disco, y confirma lo que ya hemos asimilado a través de estos temas, el sincero amor de los músicos por el trabajo de Van Zandt, el buen entendimiento de la oscuridad dentro del alma de Van Zandt, en la cual estos músicos han encontrado reflejada la misma oscuridad de sus previos trabajos, una muy curiosa conexión entre el mundo del doom y el country más dolido y sincero, una conexión que se antojaba imposible, pero que una vez que la escuchamos nos resulta por demás obvia.

Crosby, Stills & Nash-CSN 2012

Uno de los primeros verdaderamente SUPERGRUPOS en existir, David Crosby, Stephen Sills y Graham Nash, CS&N, creadores de dos discos vitales y necesario de finales de los 70s, una banda con el arrastre suficiente para arrancar la era del arena rock, ya que en sus giras, los teatros o los clubes eran insuficientes para la demanda de verlos en vivo.

CS&N crearon un enorme primer disco como entidad de tres partes, mezclando complejos arreglos musicales y las imponentes armonías de los tres participantes, después reforzando aún más el aspecto musical y experimental para el clásico Deja Vu, al incluir al célebre Neil Young.

CS&N regresan este año para realizar una gira mundial en su alineación original, tristemente no hay material nuevo, pero con dos discos estelares y otros de buen nivel, es para celebrarse el regreso, de cualquier forma de este trío de gigantes musicales, y ya saben mi queja de siempre, aunque no soy partidario de los discos en vivo, este CSN 2012 tiene un potente sonido y los arreglos hechos a los temas clásicos de la banda suenan bastante entretenidos y actuales.

Las voces del trío suenan cercanas a su mejor forma, aunque sin alcanzarla o rebasarla, obviamente el deterioro de la saludo de Crosby, vocalmente una de sus armas más poderosas se reciente, por lo cual la banda se apoya fuertemente en Nash poseedor de una voz de alto registro, Carry On es una excelente pieza para empezar y hace alusión a el deseo de la banda de retomar el camino, las guitarras en parte a cargo de Stephen Stills rugen con renovados bríos, complementados por una compacta y precisa sección rítmica que apremia al trío a dar lo mejor de si, el clásico Marrakesh Express sufre una curiosa transformación, le bajan a la velocidad y pierde un poco su excentricidad del pasado, aún así la pieza adquiere una nueva forma con guitarras slide y una transformación de atmósfera ambiental a algo más campirano, Long Time Gone es una pieza sólida, bien actualizada y reconstruida, que me recuerda un poco los arreglos que actualmente usa Bob Dylan, la voz de Crosby ha sufrido con el tiempo, ha perdido un poco su identidad, pero el sentimiento y la pasión de Crosby sigue ahí, Deja Vu suena tan poderosa como en sus formas originales de antaño, no sufre a pesar de la falta de Neil Young, sus pasajes aún exudan poder y misterio, da gusto escuchar a los CS&N en tan buena forma después de tantos años, lo mismo pasa con Wooden Ships, que se beneficia de buenos arreglos de guitarra e incomparables arreglos vocales por parte de este trío de genios musicales, que se atreven a jugar de manera bastante caprichosa con las formas de sus bastantes conocidas piezas dotándolas nuevamente de chispa y encanto, en algo que a pesar de no significar nuevas canciones, no parece en ningún momento un ejercicio de explotación de la nostalgia, y ni que decir de Guinevere, que mantiene su poder original y se beneficia de nuevos arreglos, Our House, a cargo de Nash, una de mis piezas predilectas del grupo es fiel a su versión original, y la sensibilidad en la voz de Nash es palpable, una pieza con el potencial de estrujarnos las entrañas, es recreada de manera magistral, con mejorados arreglos vocales.

Este disco en vivo cierra con la enorme Suite: Judy Blue Eyes, composición principalmente a cargo de Stephen Stills, que curiosamente es la pieza que se queda un poco corta contra la versión original, el grupo se relaja un poco en la interpretación de esta y la usa más como un medio para re encontrarse con su audiencia y compartir un momento mágico, del regreso de un trío de titanes musicales, que en ningún momento se duermen en sus laureles, y que cierran de una manera gloriosa este tema, y este disco en que nos traen nuevas versiones de sus admirados clásicos y que consiguen la difícil empresa de salir bien librados, lástima que no sacaron material nuevo, que en cierta forma se entiende, ya que el peso del material original de la banda es inmenso, como los buenos autos, estas canciones fueron hechas para durar toda la vida.

Duane Pitre-Feel Free

Feel Free es una nueva muestra de minimalismo moderno a cargo de Duane Pitre, Pitre, en pleno procesos de convertirse en uno de los compositores minimalistas más importantes de años recientes nos regala este disco compuesto por 5 piezas las cuales giran alrededor de un concepto experimental, pero muy básico, de inicio Pitre se encargo de grabar diminutas líneas de guitarra, las cuales son reproducidas de manera digital de manera que esta s van evolucionando de manera aleatoria y sobre estas un grupo de músicos van improvisando y experimentando melodías y armonías, y como Duane recalca en el título del disco, Pitre solicita a sus músicos que se “sientan libres” de improvisar sobre estas inesperadas bases.

Para estas piezas, Pitre se hace acompañar de un grupo de músicos que van ingresando su aportación, como ya dijimos, de manera libre, así que de esta manera las mínimas líneas de guitarra de Pitre, van siendo “arropadas” por agregados de violín, violonchelo, arpa, contrabajo, y dulcimer, para finalmente obtener una forma orgánica, que a pesar del procesos de arranque provenga de un sistema aleatorio, termina confirmándose en una forma bastante natural.

Section I es una pieza difícil, las líneas de guitarra van proporcionando la dirección, muy simplista en su ejecución, al tiempo que violines y violonchelos van proporcionando a la pieza su capacidad alucinatoria, al igual que el dulcimer que en momentos nos golpea como látigo eléctrico, Section 1 es una pieza lenta, poseedora de una inusual naturalidad que le permite evolucionar y desarrollarse de una manera progresiva, son caer en la repetición redundante.

Section II va aumentando las capas de sonido sumadas a la guitarra, es notorio el uso del arpa en esta pieza, así como el rechinido de los demás instrumentos de cuerda, para esta pieza la tensión va en gradual aumento y las líneas de guitarra de Pitre van cediendo terreno poco a poco, para Section III la llegada de los demás instrumentos es imposible de frenar, los músicos que acompañan el trabajo de Pitre se escuchan compenetrados por completo y se denota el talento para conjuntar los sonidos aleatorios con la capacidad improvisadora de los músicos, arpa y dulcimer se unen en un frente común para proporcionar a la pieza un contexto en el que las percusiones se escuchan lejanas y frágiles, pero presentes en todo momento como estructuras cristalinas que se van generando alrededor, Section IV parecería un estallido poderosos de energía irradiante que termina engullendo la guitarra, los músicos engullen cualquier rastro de ellas y toman el dominio, las líneas de guitarra que algunas veces fueran la guía y un objeto externo, ahora parecieran un miembro más, una aportación más y no un patrón prefijo a seguir,  Section V la pieza final de esta formidable suite termina y cierra el ciclo, de forma espectacular, sin romper el encanto minimalista e invocando fuertemente el espíritu del drone, es aquí precisamente dónde la pieza de pitre adquiere mas fuerza, mayor tono y mayor poder, es aquí dónde la pieza de Pitre finalmente llega al punto más alto, y queda en completo control de los músicos, quienes han sabido improvisar minuto tras minuto y sección tras sección para crear pieza por pieza esta enorme obra, una muestra de minimalismo nuevo y propositivo.

Agarrate Philip Glass!

Squakett-A Life Within A Day

Squackett es la suma de dos poderosos talentos, por un lado Chris Squire, bajista de los enormes Yes y por otro lado Steve Hackett alguna vez guitarrista de los Genesis y sin duda uno de los guitarristas más innovadores de su época (tristemente sub valorado al lado de enormes talentos como Peter Gabriel, Mike Rutherford y Phil Collins), pero reivindicado por guitarristas modernos.

A mí siempre me pareció admirable el trabajo en el bajo por parte de Squire, un hombre con un bajo cuyo sonido era titánico, con fuerte influencia del gran John Entwistle de los Who, aunque bueno, en los Yes era difícil tener un favorito, ya que cada uno de los músicos ahí presentes eran extraordinarios y la banda de alguna manera se las arreglaba para que ninguno de los miembros opacara a los demás, en el caso de Hackett podría jurar que el inventó el tapping años antes que Eddie Van Halen, aunque la personalidad excéntrica del siempre talentoso Peter Gabriel siempre le opacó en la banda, aún así guitarristas como Eddie, Alex Lifeson e Yngwie Malmsteen siempre le han reconocido de enrome manera.

A Life Within a Day es la conjunción del talento de ambos músicos, adicional a estos ambos presentan sus contribuciones vocales, lo cual en el caso de Squire es de esperarse ya que sus talentos vocales, que mostrase con los Yes, no se ponen en duda, y aunque ambos habìan coincidido en otros proyectos anteriores es aquí dónde ambos se concentran y brindan lo mejor de si, A Life Within a Day arranca con un enorme trabajo de guitarra, la pirotécnica de Hackett se pone de inmediato al servicio de un ritmo magnificente muy al estilo de esos temas épicos de los Led Zeppelín, como si Squakett nos dieran su propia versión del clásico monumental Kashmir, hasta aquí, es Hackett quien no pierde momento alguno para brillar en la guitarra, aunque Squire es quien se encarga de mantener el ritmo contundente y sólido, este tema, además de contar con el talento vocal de Hackett, realmente pareciera un tema arrancado de su discografía, enormes guitarras vibrantes, y atmósfera épica al por mayor.

Es en Tall Ships dónde el bajo de Squire se siente de sobremanera, el genio del bajo activa poderosas líneas que se contorsionan a la par de las líneas de guitarra ligera de Hackett, un tema que fácilmente se sale de los cánones tan aburridos en ocasiones del tradicional prog, Squire y Hackett se divierten creando estas piezas y elaborando esas ensoñadoras líneas vocales, evocando si, la grandeza de los 70s, pero sin caer en sus ya conocidos clichés, Divided Self es un tema propio, pero que al igual que unos Rush les podría funcionar a estos Squakett en la radio, una melodía brillante con la ágil guitarra de Hakett y algunos arreglos jangle pop, que la hacen funcionar junto con una memorable línea vocal, Aliens es tomada por Squire, quien lleva la voz principal, un tema que por sus voces no desencajaría en un disco de los Yes, aunque carece de ese sentido “wagneriano” de grandilocuencia con que los Yes solían dotar a sus temas, Sea Of Smiles es una curiosa pieza de prog pop, muy cercana a esos discos de los 70s de Brian Eno o a la música, nuevamente de los Rush, queda claro que los Squakett buscan formas ágiles y ligeras, no se obsesionan por la técnica, aunque la tengan dominada, la habilidad de Hakett para los arreglos se suma a la afinidad de Squire para las melodías y el resultado es grato en todo momento, Stormcatcher arranca con un ritmo al puro estilo John Bonham, el cual es anclado firmemente por el bajo de Squire, y con una guitarra desgarradora por parte de Hackett, quien también toma la iniciativa con las voces, al tiempo que Squire castiga las cuerdas de su instrumento fuertemente, en algo que se termina convirtiendo en un disco disfrutable de principio a fin, con un impecable gusto y tino para la composición por parte de ambos miembros, quienes en ningún momento rayan en la autocomplacencia, se muestran moderados y confiados no en su habilidad técnica, sino en su buen gusto compositivo, da gusto que leyendas del llamado prog rock, como Rush y estos Squakett hayan hecho tan buenos discos este año.

Ariel Pink`s Haunted Graffiti-Mature Themes

Les teclados de inmediato sugieren los psicodélicos años 60s, o los teclados en el afro pop de los 70s (que imitaban un poco la psiciodelia de los 60s), o los teclados que usaban los Stranglers en a finales de los 70s (que se inspiraban un poco en la música de los Doors y de alguna manera extraña se acercaban a los de los Van der Graaf Generation), si, así de ambiguo resulta el tema Kinski Assassin, primer tema del Mature Themes, nuevo disco de Ariel Pink y sus Haunted Graffiti y segundo con la celebre disquera 4AD, Ariel a sepultado aquello primeros años en que su música era en extremo nebulosa, sucia y desdibujada, en que interpretaba todos los instrumentos con insipiente destreza y ejecutaba la batería con sonidos de su boca, resulta por demás curioso que una disquera identificada con los hermosos sonidos de los Cocteau Twins, se haya decidido por fichar a uno de los grandes proyectos lo fi de el vecino país del norte, y no es que Ariel se haya traicionado, si, su sonido ha cambiado, se ha transformado, continua siendo nebuloso, está mejor ejecutado (cuenta ahora con un grupo de respaldo), pero la base continúa siendo la misma, melodías descaradamente pop, nebulosas como extraídas de un sueño y que evocan los gloriosos sonidos del radio de los 60s, 70s, y 80s.

Kinski Assassin cuenta con un peculiar estilo vocal a cargo de Pink, quien evoca un poco a Bowie y a Iggy Pop, ese tono grave y golpeado, característico de estos dos, la música se inspira en los sonidos de la radio clásica popular, grandes dosis de nostalgia y una excelsa afinidad por crear melodías memorables e indudablemente pop, que si Pink tendrá que ver con el llamado hypnagogic pop? En sonido, posiblemente no, aunque filosóficamente comparten algo del mismo espíritu, con un Pink tratando de recrear los sonidos narcolèpticos de su niñez y juventud.

Is This The Best Spot? Es bastante extraña, con un arranque cercano a los Devo y con mucha influencia del primer post punk, ese que mezclaba el estallido inicial del punk con sonidos más experimentales provenientes del mundo de la electrónica, un bajo letárgico, teclados embrujados y guitarras inquietas, Mature Themes de inmediato nos lleva a ese espíritu profundamente nostálgico que Pink siempre trata de transmitir, algo que en cierta forma evoca un pasaje directo a la niñez de todos, algo que configura nuevamente ese asombro que muchos sentimos la primera vez que escuchamos el radio, una brillante melodía que Pink presenta aquí, con teclados lo suficientemente preciosistas para no desentonar con la disquera que los acoge, Only In My Dreams nos trae una guitarra jangle, que nos recordará el estilo de ejecución que Roger McGuinn y sus Byrds nos trajeron en los 60s, aunque a Ariel le gusta mantener sus melodías en las sombras y nada de la luminosidad de la música de los Byrds se recrea aquí a excepción de las guitarra y algo de influencia que recogen en la vocales, mientras que en Driftwood bajo y batería se funden en un curioso y oscuro ritmo, un poco del espíritu de los Can que recogieron en su anterior disco Before Today y que vuelve a respirarse aquí, mientras que en Schnitzel Boggie, Ariel consigue recrear algo de la alucinante y demencial psicodélica que Brian Wilson alcanzó a transmitirnos de manera mutilada en el legendario Smiley Smile.

Symphony Of The Nymph es una pieza bastante inquietante, con fuerte influencia de la época disco y con letras desconcertantes, en una pieza que Ariel dota con grandes toques de la estética kitsch, que sin duda destaca fuertemente en este disco, que en intensidad se queda un poco detrás del Before Today, aunque el disco da generosas muestras de un Ariel creciendo como compositor, más sólido y mejor, si bien el Before Today sonaba triunfal, se despegaba un poco de la visión original de Pink, en este Mature Themes, Pink consigue recrear esa legendaria estética de sus primeros discos y sumarla a su progresión compositiva y a la fuerza e impulso que le da su disco, para conseguir brincarnos un muy memorable momento.

Jimmy Cliff-Rebirth

Así es Jimmy, el mundo no está dando vueltas, ESTA de cabeza, así inicia el primer tema de este Rebirth, LITERALMENTE EL RENACIMIENTO de la carrera de Cliff (que nunca ha muerto, pero que pareciera volver con una prodigiosa energía)con este disco de enorme nivel; Si bien nos dejó un extraño sabor de boca el disco de regreso de Bobby Womack, y en mi opinión estos discos que buscan revivir viejas leyendas tienen algo de explotación de nombres, Cliff saca con bastante talento uno de los discos en verdad, de lo mejor del año.

Cliff arrancó su carrera en los 60s, una extraña mezcla de afición por la música y la actuación, Cliff se convertiría en un icono del reggae, en una época en que apenas las audiencias mundiales empezaban a conocer este ritmo, gracias a sus estudios de actuación Cliff consiguió importantes papeles, los cuales combino con su carrera musical consiguiendo convertirse en uno de los rostros más importantes del genero nacido en Jamaica.

Este año Jimmy Cliff regresa con este Rebirth un disco que nos muestra a un Cliff en soberbia forma y con el espíritu muy en alto, desde World Upside Down, somos literalmente arrasados por este torbellino de nombre Jimmy, poseedor de una contagiosa energía positiva, Cliff se muestra ágil, carismático en todo momento y la música con fuerte influencia del calypso, posee una singular chispa que en ningún momento se apaga, por si fuera poco en este tema Cliff sacude los cimientos de nuestra conciencia social, mostrándose de nueva manera como un profeta advirtiéndonos sobre los males de la humanidad, dándole un aún más alto y loable nivel a su tema.

One More es una explicación de su regreso, “un nuevo” intento de re energizar su carrera, un Cliff renovado, con nuevas y mayores energías que pareciera imparable esta vez, hay que recalcar y mucho la ejecución de sus músicos quienes derrochan precisión y destreza en todo momento, en parte auspiciados por el productor del disco, ni más ni menos que Tim Armstrong de los Rancid, quien obviamente es responsable parcialmente del derroche generoso de energía de este disco, resultado de la admiración de Armstrong hacia Cliff, resultando en una mancuerna artista/productor, que se antoja insuperable e inspirada en todo momento.

Children`s Bread continúa con el indomable ritmo, Cliff en pleno control de ritmo, Bang es un tema reggae durísimo, que se disfruta en todo momento, y después Cliff nos sorprende con un inspirado cover de los Clash, y aunque su Guns Of Brixton, no captura el aura amenazadora del tema de los ingleses, consigue transformarla al idioma original que los Clash quisieron replicar al crear el tema, lo que deriva en un triunfo a fin de cuentas, Reggae Music es un tema en homenaje al genero que Cliff convierte en una pieza infecciosa de la cual sería imposible escapar y no mover los pies a su ritmo, mientras que Outsider es un verdadero huracán, veloz y contundente, que nos trae definitivamente lo mejor de Jimmy, y muy probablemente lo mejor de un disco, del cual finalmente es difícil poder escoger un tema favorito entre tantas joyas.

Para los seguidores de Rancid, también Jimmy les trae algo, Ruby Soho, un clásico punk de los Rancid es transformado en un hermoso tema de reggae que Cliff prácticamente hace suyo, y que dejará a más de uno boquiabierto.

Rebirth es un clásico más en la carrera de Jimmy Cliff, un hombre con una carrera impecable y aunque es un fenomenal regreso, nos deja la muy grata impresión de que Cliff jamás se ha ido, y muy probablemente en estos momentos lo revalore como una de las figuras más importantes y relevantes del genero, se agradece a Armstrong esta verdadera labor de amor que sin duda le ganará bastantes puntos a ambos artistas.

Nas-Life Is Good

Hay que reconocer que con discos como Illmatic y It Was Written y su genial colaboración con Damian Marley en el Distant Relatives, Nas se hizo de un nombre bastante importante en el mundo del hip hop tradicional, hay que señalar que sus grabaciones a excepción de estos ya mencionados discos han sido bastante irregulares, y que el alguna vez llamado “mejor MC del mundo”, ha caído un poco de nuestra gracia, claro, Nas no perderá tan fácilmente esa destreza para rimar, ese talento para acomodar las palabras y unirlas al ritmo, y ese intelecto para dotar a sus rimas de verdadero significado y no sólo palabrería barata, pero ojo, las reglas en el mundo del hip hop, como ya lo hemos mencionado han estado cambiando últimamente y lo harán más en el futuro, y sin duda el juego para Nas se convertirá en un renovarse o morir en un par de años.

Life Is Good no es un mal disco, pero tampoco es uno bueno, Nas vuelve a apostar a lo seguro, a lo que sabe hacer a la perfección, y que no necesariamente es lo necesario en estos tiempos, el imperio del hip hop tradicional se viene abajo y Life Is Good, más que un disco de ruptura sentimental, termina sonando como la cinta de acompañamiento al fin del hip hop más tradicional, Nas falla en dotar al disco de esa amargura y oscuridad con que Kanye West dotó al 808 and Heartbreak, una obra maestra en un mundo propio, Life Is Good le apuesta a la grandeza, a la popularidad, al radio, a los hits y a los videos, abandona la confesión personal, por el discurso público y un disco pudo tener su base en un Here My Dear de el gran Marvin Gaye se pierde en su propia grandilocuencia.

Si claro, Loco-Motive arranca con un genial ritmo, es un ritmo que ya hemos escuchado tantas veces antes, inclusive Nas recluta a su productor de siempre Large Professor en esta pieza y a pesar de que Nas sincroniza de manera genial sus rimas con el ritmo, la tarola se vuelve el latido de su corazón y las comas de sus rimas, Nas es un genio en estos asuntos, pero desgraciadamente su discurso termina convirtiéndose en un chiste que nos han contado tantas veces que ya nos lo sabemos y no nos sorprende en lo más mínimo, en cierta forma Nas cumple, cumple con lo que sus fans esperan de él, pero se traiciona al no buscar superar lo que ya ha hecho.

A Queens Story repite la formula, Nas suena completamente ajeno a los tiempos, sus impecables rimas suenan como un artefacto del pasado en que una máquina de ritmos y un Dj podían sacar adelante a un buen MC, pero como ya lo hemos dicho, las reglas han cambiado y si gente como Jay-Z se han retirado y otros como Kanye West se reconfiguran y adaptan a los tiempos, no veo una razón para que Nas no aplique su talento a reinventarse, en lugar de repasar un juego que no nos trae nada nuevo.

Acaso es Rick Ross el gran salvador del hip hop? Lo dudo, aunque el tipo posee una particular gruñido de oso grizzli que lo hace inmediatamente reconocible, su talento para arrojar frases es bastante limitado, aún así, Ross pareciera haberse convertido en una constante en los discos editados en estos últimos años, con West, con la Minaj  y ahora con West, claro Ross pareciera dar un buen empujón a Nas con sus rimas simplonas pero furiosas y esas voces estilo “Maybach Music” que van volando a convertirse en un mal cliché, aún así, Nas da carta abierta a Ross en esta pieza y tristemente esta se convierte en lo poco rescatable del disco, que después se hunde por completo con Daughters, en dónde Nas se queja amargamente de los pretendientes de su hija adolescente, relevante no? Si tal vez para Bill Cosby y su viejo programa, pero para Nas? Embarazoso la verdad.

El resto del disco continúa hundiéndose, a pesar de algunos nombres pesados que participan, Back When nuevamente salva a Nas por momentos gracias a una densa producción y a esa atmósfera soul que hace del tema algo realmente interesante, o The Don, que tal vez no sea nada fuera de este mundo, pero saca a Nas de su estupor y de su zona de confort y resulta alentador y motivo de no descartar por completo a Nas de este juego, curiosamente la segunda mitad del disco es bastante rescatable, Nas arriesga más en piezas que suenan con una producción modesta pero bien hecha, que no satura y que no repite viejas rutinas, como en Stay, que se antoja bastante rescatable con su acompañamiento jazzy, pero cualquier indicio de salvarse se pierde a continuación, el dueto con Amy Winehouse? Mejor ni mencionarlo, el regreso a la vieja escuela de Nasty es para olvidarse, Roses es de lo más aburrido del disco, el cual por fin termina Where`s The Love, cuya producción salva un poco a Nas de una humillación peor, un disco que repite formulas y que no añade absolutamente nada de innovación, que trata de ponerse a la altura de grandes discos de rupturas sentimentales, pero que en ningún momento aporta nada nuevo, es como si Nas nos quisiera vender nuevamente el Illmatic, ahora disfrazado como algo diferente, lo cual termina resultando decepcionante en realidad, ni hablar, aquí el “señor rima” se desinfló por completo.

Killer Mike-R.A.P. Music

Claro, el último discos de los Public Enemy fue un experimento miserablemente fallido, se agradece el deseo de experimentar, de tratar de traer algo nuevo, pero hay experimentos que simplemente fracasan, un enorme strike, si, pero aún a Babe Ruth lo poncharon una o dos veces, así que esperemos pacientemente que los PE se repongan de este tropiezo, y mientras el mundo del hip hop callejero que pareciera hundirse cada vez más en sus propias idiosincrasias, la verdad es que aún hay esperanza, tal vez Jay-Z vendió hasta su alma por unos millones de dólares, tal vez Kanye se aleja cada vez màs del hip hop expandiendo sus horizontes, Nas, alguna vez la gran esperanza, simplemente nos puso a dormir con su último disco, y pareciera que únicamente gente como Rick Ross nos podría salvar (aunque batalle para respirar por su sobrepeso, a estas alturas, es mejor que Nas…), agreguemos un nombre más a la lista de salvadores del actual hip hop: Killer Mike.

Si claro, el gran Killer Mike, la gran bestia, que suena un poco a Ross en su primer tema, Big Beast en dónde no sólo libera un gruñido de grizzli furioso como el de Ross, sino que además se hace acompañar de una demoledora producción a cargo del conocido El-P, Killer Mike tal vez podrá carecer del renombre de los artistas anteriormente mencionados, pero lo compensa con un enorme talento, una intensidad que inyecta en sus frenéticas rimas y que es en verdad agradecido, ya que inyecta vitalidad y juventud a un genero que poco a poco va perdiendo credibilidad, madura, pero su madurez denota mucha decadencia, este R.A.P. Music es letal, es directo, es ruidoso y es arrebatador, con un Mike demostrándonos sus habilidades (que son muchas) como MC, dándonos lo que por mucho podría ser unos de los mejores discos dentro del genero, editados este año.

Unititled arranca con poderosos bajos, los cuales podría hacer temblar la tierra, a diferencia de otros que buscan presumir a sus “perras” y sus armas, Killer Mike retoma el discurso callejero, el discurso de los olvidados, con él las poderosas rimas de la calle regresan, el hip hop adquiere nuevamente esa voz salida de los callejones más oscuros de la ciudad, reivindica a Atlanta, como la nueva gran cuna del hip hop que propone, con gente como Waka Flocka Flame y los OutKast, una zona caliente que sin duda comienza a opacar fuertemente a Nueva York, que derrocha talento joven que sin duda esta poniendo en jaque a las anteriores generaciones de hip hoppers.

Go! Es intensa y Killer Mike le mete rimas duras al tema, al tiempo que bajos como bombas a aparecen rodeándolo, al tiempo que Mike los esquiva, su discurso es letal, es directo, el talento en sus rimas fluye de manera inminente y por fin tenemos oportunidad de escuchar verdadero scratching (a cargo del buen Dj Abilities)que ataca los oídos, nada aquí es sutil, es un disco de música tan duras como el cemento que cubre las calles, Jay-z, Nas, aprendan algo por favor.

Southern Fried continúa la descarga la cual es tan intensa que la música profunda nos golpea el cuerpo, Killer Mike no depende tanto de ganchos o coros pegajosos, sus intensas y veloces rimas son su gancho, la brillante producción de El-P basada en ritmos duros y sintetizadores son un enorme gancho que deja una huella imborrable y en Jojo`s Chillin, derraman suficiente talento para traernos a la mesa  dosis enormes de funk caliente de las calles, al tiempo que el disco nos lleva a su pasaje más oscuro, Reagan, tema nombrado por el ex presidente del vecino país del norte que hundió a las minorías e hizo del país un lugar hostil.

En Butane finalmente MC y productor se encuentran e intercambian rimas asesinas como intercambio de balas, es aquí dónde el disco adquiere una altura excelsa, dónde pone a Killer Mike como una de las propuestas más importantes dentro del mundo del hip hop este año, dónde nos damos cuenta que no todo está perdido, que el futuro viene de Atlanta y que el hip hop callejero está más al rojo vivo que nunca en manos del buen Killer Mike.

REVEH- Chapter 3: My Days Of Wild And Crushing Love Are Over, Martyrs Of The Modern Era No. 25!

REVEH- Chapter 3:

My Days Of Wild And Crushing Love Are Over

MARTYRS OF THE MODERN ERA

No. 25

Recorded and Remixed June-July 2012

Composed, Executed, Recorded and Mixed By: RV

1.- My Days Of Wild And Crushing Love are Over 53:30

"Reveh at its most powerful ever..."

dl  http://www.mediafire.com/?ds5kzeg7yf2nzg5